GLENN BRANCA - THE ASCENSION

No soy muy conocedor del no-wave. De hecho, llegué a tener conocimiento de la escena debido a que en un momento me rodeé de gente fanática de Sonic Youth(péguenme un tiro!) Aparentemente Glenn Branca se había constituido en una especie de institución de la escena experimental de NY a fines de los 70´s reclutando a algunos de los mejores músicos del circuito, incluyendo a Lee Ranaldo, futuro guitarrista de los ubicuos Youth.

La discografía de Glenn Branca es un tanto complicada. Similar a la de Stockhausen o quiza Merzbow en el hecho de que sus trabajos son denominados justamente "works", no álbumes. Pero como punto de referencia se yergue The Ascension, recomendado por muchas revistas y webs especializadas.

Dió la casualidad que un día me encontraba comprando cds y uno de los vendedores puso el disco en cuestión en los parlantes. Quedé totalmente embobado y no paré hasta comprarlo.

'The Ascension' es muy similar en estructura al 'White Light White Heat' de la Velvet. Ambos poseen pocos temas, de los cuales sobresalen 2 por su duración. Las canciones cortas funcionan como engranajes que mantienen todas las principales piezas del conjunto en perfecto funcionamiento. Su inmediatez y contundencia sonora son la antesala perfecta para el acto principal.

Resulta curioso que este sistema responda adecuadamente, considerando que la propuesta de Branca se basa en la deconstrucción del rock. Reclutando a un ejército de guitarristas y un baterista, su música nos muestra una cacofonía estructurada, una serie de pasajes rítmicos atonales, exentos de melodías convencionales que no cesa en su marcha demencial, únicamente apoyados por los golpes de la percusión, que sirve más bien como un cable a tierra. "The Spectacular Commodity", por ejemplo, sobresale del colectivo porque sus múltiples capas de guitarras poseen la propiedad de ser rítmicas pero solistas. Dictan una melodía sin melodía y un ritmo sin aparente estructura. Sin embargo, poniendo atención, se devela un sentido de composición heredado directamente de la música clásica. Se perciben movimientos y secciones.

He aquí el mayor aporte de Branca: El poder hilvanar 40 minutos de música sin gancho alguno, pero que logra mantener en vilo al aficionado sin problemas. Es un sonido que carece de emocionalidad alguna, en teoría, pero que sugieren sensaciones como visceralidad, esquizofrenia y abstracción en un contrapunto que muchos quisieran lograr. Es el sonido de nuestra mente.

ARCADE FIRE - FUNERAL

'Funeral' es, de lejos, uno de los mejores álbumes del nuevo milenio, y es uno de los mejores trabajos de música independiente en mucho tiempo. Trataré de no expandirme demasiado en esta ocasión.

En breve, diré que el disco expresa belleza por donde se le mire(excepto en la calidad del digipak) Con una delicada propuesta sonora que incluye el aire barroco de las orquestaciones de Echo & the Bunnymen, la emotividad de Bowie y la extrema sinceridad de los Pixies, el efecto es conmovedor y dramático.

Absolutamente todas las canciones son buenas, y arman un conjunto de extrema vulnerabilidad en su aspecto lírico, donde las voces Win Butler y Reginne Chassagne no se guardan nada de nada(y considerando su situación personal, es perfectamente entendible). A la vez que gemas como "Neighborhood #1 (Tunnels)" y "Neighborhood #2 (Laïka)" desnudan una soledad y abandono arrebatadores, acentuados por los arreglos de cuerdas y teclados, las fluidas cadencias post-punk de "Neighborhood #3 (Power Out)" y el ritmo vertiginoso á la Roxy Music de "Rebellion(Lies)" denotan una urgencia ineludible.

Con la sombría belleza de "Crown of Love" como la cereza de la torta, Funeral es un disco que entrega un mensaje honesto, sí, pero que posee un carácter mundano y onírico a la vez. Narra sueños callejeros con la fragilidad y ternura de los cuentos de hadas, y todo ello sin perder la calidad musical, cualidades que rara vez se encuentran juntas en un sólo trabajo.

ANATHEMA - A NATURAL DISASTER

'A Natural Disaster' es un disco que me sorprendió bastante. Lo adquirí como parte de un lote promocional de discos de metal extremo, y me dispuse a darle un par de oídas antes de terminar de escuchar al resto.

De la discografía de Anathema yo no estaba muy informado. Sabía que se trataba de una de las bandas más importantes del doom metal (en su caso, death-doom) así que me imaginaba el típico sonido cavernoso y opresivamente lento del estilo.

Y cuando comenzó a sonar la maravillosa "Harmonium" quedé lelo. El sonido respondía al de una banda de rock progresivo contemporánea que privilegia las largas y azules texturas atmosféricas del post/rock con una performance vocal limpia y una guitarra poderosa(aunque no necesariamente metálica) que sirven de guía sonora para no perder de vista la progresión de las canciones. El suyo es un sonido increíblemente expresivo. No necesita del volumen o agresión excesiva del estilo inicial de la banda para canalizar la urgencia de su mensaje. Yo, sin llegar a entender las letras del todo, tampoco las necesito, ya que la parte instrumental sugiere más que suficiente.

Temas como el mencionado "Harmonium", la canción del título o la extensa "Violence" representan lienzos impolutos para el ejercicio de pinceladas sónicas de inusitada riqueza y potencia que se superponen en un idílico efecto.

Es una propuesta que conjuga la complejidad sonora con un sentido de construcción lo suficientemente claro como para procesar su música fácilmente. Es un disco inmediato y que recompensa a la primera escucha. No necesita de un público en particular para ser apreciado

13th FLOOR ELEVATORS - THE PSYCHEDELIC SOUNDS OF THE 13th FLOOR ELEVATORS

Para mí existen dos tipos claros de psicodelia: la alegrona, contestataria y luminosa del movimiento de San Franciso es la que suele ser recordada por el público en general. Al fin y al cabo, fueron los grupos más famosos y que participaron en los festivales más importantes de música pop. Pero también existió la otra rama, la más experimental e inclasificable, aquella cuyo sonido se asocia con una franca esquizofrenia. Este "otro" tipo de música influenciada por el LSD y drogas diversas fue germinándose lejos de las costas Este u Oeste, más precisamente en Austin, Texas, considerada actualmente como la capital de la música en vivo. Y estoy seguro que tal reputación se debe, en cierta parte, a su historia. El nacimiento del rock psicodélico fue forjado en sus calles y centros comerciales (si, centros comerciales).

Uno de los miembros originales de aquella camada, un tal Roky Eriksson, ya tenía cierto tiempo dándole al micrófono y buscando una banda estable, que permitiera fluir sus particulares ideas musicales. Encontró a los compañeros que necesitaba, peleó por un contrato con la incipiente International Artists (hogar de los legendarios Red Krayola y de Bubble Puppy) y se mandó con el álbum debut, luego de cierto éxito local con el tremendo single de "You're Gonna Miss Me"

Ahora, "You're Gonna Miss Me" es una de aquellas canciones que llegan cada 10 o 20 años. Fue una especie de parte-aguas en la dirección que tomaría la música popular. Su efectiva y furiosa simpleza garage, su parentesco con la ubicua "Gloria" y, en especial, los chiflados alaridos de Eriksson la volvieron inmortal. Pasó muchos años en la oscuridad, pero nunca desapareció del todo y se dio el lujo de aparecer como referente para nuestra enciclopédica época, y hasta figurar en películas de primer orden.

Alentado por tal suceso, los 13th Floor Elevators armaron espartanamente el resto del LP, le añadieron una portada tan icónica como tosca y así, de forma tan simple, le dieron el punto de partida al rock ácido. Pero lo que extraña más es el contenido. Si tú eres uno más de los incautos que se esperaba un álbum lleno de cortes garajeros y enérgicos, debiste darte un masazo cuando los siniestros primeros acordes de "Rollercoaster" aparecieron. Un producción paupérrima, una total anarquía vocal, una sección rítmica amateur, y, como la cereza, un ornamento sonoro más que bizarro (electric jug, que hasta ahora no se que m... es) es la mezcla teórica que ofrece 'The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators'. Digo teórica, porque el resultado final es mucho más complejo de definir. Es un sonido absolutamente alienante, que no parece pertenecer a este plano. Es un viaje violentísimo hacia el interior de una mente turbada como la de Eriksson, donde la dulzura de "Splash 1 (Now I'm Home)" choca con la locura de "Fire Engine" en sólo unos instantes. Es un disco muy bueno, pero muy bizarro también.

Y si eres capaz de obviar su importancia histórica y tener paciencia con la horrorosa calidad de grabación, corre y búscalo. Este es un disco de materia obligada no sólo por su papel en el desarrollo de la música contemporánea, sino como ente individual. Pero las advertencias están, no lo tomes a la ligera. No es un disco que se procese en un día.

THE FLAMING LIPS - THE SOFT BULLETIN

Luego de màs de 15 años intentando superar el estigma de "banda indie que se quedò a las puertas del mainstream" los Flaming Lips deciden dejarse de "poserìas interesantes pero caras"(Zaireeka) y sacò un disco que rompiò completamente los esquemas sin necesidad de llegar a extremos.

La banda siempre habìa recorrido senderos neo-psicodèlicos, pero adaptàndolos a un sonido relativamente tangible(lèase 'canciones basadas en riffs de guitarra') Es entonces que el genio de Wayne Coyne amplìa las posibilidades sònicas de la banda aùn màs, y lo logra, creando el àlbum que siempre quiso hacer.

The Soft Bulletin es un disco barroco, pleno de orquestaciones y melodìas onìricas.

Sin embargo, tal riqueza instrumental no resulta excesiva gracias a una propuesta sonora que, si bien no deja de ser orgànica, añade elementos un tanto insustanciales en la mezcla o producciòn(yo soy un negado para esas cosas) añadiendo efectos y pinceladas que resultan siendo una agradable sorpresa.

Ante nosotros tenemos un disco èpico y lìrico a la vez, pleno de dulces melodìas que soportan el siempre vulnerable trabajo vocal de Coyne. Uno podrìa perderse en la alienante emotividad azul de "Race For The Prize"(las dos partes), o en las vaporosas texturas de temas como "Waitin' For a Superman" o la maravillosa "Feelin Yourself Disintegrate"(un tìtulo màs que apropiado) con una atmòsfera de cuento de hadas, donde la banda da fe de que el dream pop no habìa muerto ni mucho menos.

Luego de un sòlido andar por las 90's, The Flaming Lips lanzan el trabajo que muchos consideran como su obra maestra, y uno de los mejores discos de la dècada. Parece que algunos artistas si son como el vino.

VENOM - BLACK METAL

Desde que empece a escuchar metal extremo, el género musical que se me hizo más impenetrable fue el black metal. El saber que este disco es considerado como una piedra angular en el desarrollo no sólo del black, sino de varios estilos importantes del rock pesado, tales como el thrash o incluso el death, quise poner mis manos en él.

Tuve la suerte de encontrarlo en una disquera local de discos usados, y, pese a que la caja de cartón que lo contenía estaba severamente dañada, ese hecho, más que frenar mi interés, me impulsó aún más a comprarlo.

Una vez en casa, procedí a darle varias escuchadas. De forma contradictoria, pese a no ser en absoluto un disco sutil, fue necesario un largo tiempo para procesar su impacto. La producción es pésima, y la escasa variedad temática y musical tampoco contribuyen a descifrar propuestas que vayan más allá de un disco garajero, compuesto por fanaticos de la feroz velocidad metálica de Motorhead y adolescentes aficionados a la wouija. La portada, asimismo, reúne todos los clichés que harían caer al género en el terreno de lo ridículo.

Sin embargo, cuando estaba a punto de tirar la toalla, me di cuenta de que la respuesta estaba en mis narices todo el tiempo. Si se analiza fríamente, sería difícil encontrar una banda del periodo con un ataque guitarrero tan furioso y rápido, una voz más agresiva y una atmósfera mas asfixiante. La cancion homónima es un arquetipo de lo que, sónicamente, conformaría el estilo thrash, con un riffing vertiginoso y seco, acordes bajos y voces raspadas. Pero, al mismo tiempo, un clima de oscuridad recorre todos los pasajes del disco, cuyo sonido nebuloso y vagamente siniestro, sería sin duda influyente para el futuro black metal de bandas como la genial Bathory y los Darkthrone.

No es la influencia de Mercyful Fate, cuya virtuosidad instrumental, su imagen y la voz esquizofrénica de King Diamond definirían la propuesta de la movida; la influencia de Venom es, exclusivamente, de actitud.

Sucediéndose, una tras otra, las canciones van armando poco a poco el soundtrack del averno hasta llegar a la no despreciable "At War with Satan", un buen instrumental que representa un perfecto corolario para la obra y que determinaría el título del siguiente disco en la carrera de este trío de Newcastle por llegar a ser dignos de Satanás.

THE STOOGES - THE STOOGES

El debut de Iggy Pop y The Stooges resultaría sorprendente para los fans de sus temas más conocidos, como "Raw Power" o "Search and Destroy", no porque no posea la demencial furia de la interpretación y la crudeza del sonido de la banda, sino porque el enfoque es muy diferente. Aquí, el sonido Stooges es aún más primigenio, pero, irónicamente, más experimental y revolucionario.

El cuarteto de Detroit es, probablemente, el primer grupo que desnudó al máximo la instrumentación del rock, dejando efectivos sólo los elementos necesarios: un cantante, una guitarra, un bajo y una batería. No había lugar para más, ni tampoco se necesitaba.

Si los Doors fueron la primera banda "oscura" del rock, la Velvet Underground la respuesta de la Costa Este, y Frank Zappa & the Mothers of Invention la desfachatez total, The Stooges representó la consolidación, la prueba de la existencia de un sector marginado y marginal de la sociedad: Los renegados, los sucios, los que carecen de atractivo, los que quieren romper el molde porque no encajan, los que quieren evadir los convencionalismos porque ocultan la verdad. Eran aún más peligrosos porque no pretendían ser desadaptados, sencillamente lo eran.

Pese a que carecían del bagaje cultural de Jim Morrison, de un mentor como Andy Warhol o de un genio como Zappa -cuya banda, pese a su facha de freaks incorregibles, eran músicos de nivel de conservatorio-, The Stooges se las arreglaron para cambiar el rock para siempre.

Y lo hicieron con estilo.

La tosca distorsión del riff de entrada de "1969" avisa que estamos ante un álbum diferente. Y mientras riffs y solos crudísimos son acompañados por la sección rítmica más básica que puedas encontrar, Iggy Pop redacta su bestiario y lo hace de la forma más perversa. En "1969" predice el resultado de la apatía de una generación que prometió mucho y no logró nada. En "I Wanna Be Your Dog" la degeneración carnal llega a niveles insospechados, mientras que la icónica "No Fun" le hace eco a "1969" y profundiza la sensación de inanición. Les suceden la notable y venenosa "Real Cool Time" y otros ejercicios de rock cuadrado y garajero que cierran un disco inmediato y brutal, con la sola excepción de "We Will Fall" un absurdo tema de más de 10 minutos donde intentan emular innecesariamente a la Velvet, dando como resultado un enorme bostezo y un rotundo skip en el equipo.

Iggy Pop había empezado a cimentar su sitial entre los frontman inmortales del rock. Demente y contestatario como pocos, sus performances lo elevarían a nivel de héroe e ícono indiscutible del nacimiento del punk, una escena de la cual es padrino indiscutible. Pero ojo que sus compañeros no son mera comparsa. Los hermanos Ron y Scott Asheton, en guitarra y batería respectivamente, así como Dave Alexander, sentarían escuela por la furia anárquica y grosera de sus interpretaciones. Sid Vicious, Johnny Thunders y G.G. Allin tomaban nota. The Stooges fue el primer álbum de una propuesta que, pese a los arrebatos de velocidad y volumen que sus bandas perpetran con tal de llegar cada vez más lejos, nunca volvió a encontrar unos representantes más auténticos.

SEX PISTOLS - NEVER MIND THE BOLLOCKS, HERE'S THE SEX PISTOLS!

Este disco fue importante, revolucionario y visionario también(lástima que su legado haya sido adoptado por muchas banditas de medio pelo que se hacen llamar punks en estos días) Mostraba que la formación básica de rock n' roll, que contara con sólo 3 o 4 acordes para una sola canción podía ser tan o más poderosa como expresión musical que el rock progresivo, por ejemplo, el cual fuera objeto directo de los ataques histriónicamente clasistas de Johnny Rotten. Esto se observa en la propuesta de los Pistols, que no era la misma de los Ramones, ni mucho menos la de otros colegas neoyorkinos como Patti Smith, Richard Hell o Television. Los Pistols eran sucios, contestatarios y rabiosos, sin ningún ánimo de intelectualidad lírica o fineza en la interpretación, por lo que se entiende su tirria hacia dinosaurios como Pink Floyd o Yes.

Los conciertos que precedieron y sucedieron al lanzamiento de esta piedra angular fueron manifiestos de anarquía total. Los pogos se hicieron populares. La formación de una subcultura y una nueva escena había sido creada. En 1977 nacía un movimiento y sus protagonistas eran los Pistols. Historias como las de Sid Vicious sólo alimentaron aún más el mito.

Hasta aquí todo bien si se analiza desde un punto de vista histórico, en referencia a la influencia ejercida. Pero una vez que dejas de lado su impacto, el disco pierde toda interés, al menos para mí. No sé si sea correcto decir que si hubiera sido lanzado un par de años después hubiera pasado desapercibido, pero lo que sí puedo asegurar es que, de ser así el caso, difícilmente lo hubiera comprado. Puedo poner con frecuencia God Save the Queen o Holidays in the Sun en el reproductor, pero me aburre escucharlo completo. Y es un disco punk!

Para citar una frase de Gonzalo Torrente Ballester: "valía más lo que significaba que lo que era"

PRIMAL SCREAM ' SCREAMADELICA

Screamadelica es un disco que yo descubrí por casualidad, en una tienda de discos usados. Estaba botado en un rincón y con la caja rota en una esquina, pero el precio al que lo ofrecían valía la pena. El vendedor se deshizo en elogios, y logró convencerme de llevármelo.

Una vez en el equipo, me asaltó esta extraña sensación de esuchar una canción nueva, pero que no lo era.

Quiero decir, en mi vida había escuchado "Movin' on Up", pero su sonido se me hizo muy familiar. Con una fuerte influencia dance, pero con excelentes fraseos de guitarra como acento melódico y un trabajo vocal orientado al soul. Algo así como los Soup Dragons, pero muuucho mejor.

El cover de 13th Floor Elevators, "Slip Inside this House" es excelente en el sentido de que no pierde ese dejo de psicodelia esquizofrénica a la que me acostumbró la versión garage de Roky Eriksson. Con enormes loops electrónicos, la canción sigue siendo un viaje astral. "Come Together", aparentemente el tema más conocido del álbum, es otro punto notable en su rítmica irresistible, la cual se se acentúa en su versión extendida(la otra es el single). El resto de canciones, aunque no tan brillantes, suman al resultado final. Éste es un disco muy bien ensamblado, y relativamente sencillo de escuchar de porrazo si es que tienes paciencia.

En cuanto a su importancia histórica, bueno, yo no conozco mucho del madchester o del C86. Sé que fue una corriente que le imprimía a la electrónica una potencia mayor en su desempeño al brindarle algunos elementos de rock. O quizá al revés, melodías de rock con un soporte dance y desviaciones neo-psicodélicas. Es un estilo clave en el desarrollo del house y del cual bebieron también grupos alternativos exitosos, como Garbage.

La música pop británica a inicios de los 90's no estaba tan muerta. Era cosa de hurgar un poco en las manifestaciones indie. Algo así como le pasó al rock americano en los 80's.

C86

acid house

FUNKADELIC - MAGGOT BRAIN

Maggot Brain es la primera obra maestra indiscutible del genio George Clinton.

Ahora, a título personal, pienso también que es el mejor disco de lo que yo clasifico como "rock negro"

Al naciente funk se le agregaron 3 ingredientes básicos que completaron una receta de 5 tenedores: Una sección rítmica imponente, el aporte lírico del universo mitológico Funkadelic-Parliament, y un guitarrista capaz de hacerte pensar que las canciones pueden ser creadas sólo con tocar las 6 cuerdas.

Sin alegorías al tema culinario, creo que el disco guarda un esquema de sandwich, donde los dos temas más extensos emparedan 5 deliciosos ejercicios de soul psicodélico, marcados por los sólidos riffs de la guitarra de Hazel, y que encandilan con su gran arsenal de recursos rítmicos.

Ejemplos sobran, como el versátil trabajo vocal de "Can You Get to That" y el irresistible groove de "Super Stupid", donde Funkadelic parece lanzar un desafío a su propia banda hermana, logrando una de las piezas más funkys jamás concebidas.

En cuanto a las épicas, "Wars of Armageddon" es el indicativo de que las bandas negras podían ejercer un efecto tan o más alucinógeno, sónicamente hablando, que el de sus pares caucásicos. En un intrincado caleidoscopio donde se funden ritmos tribales, musique concrete y hasta comedy rock, George Clinton lanza un mensaje apocalíptico, una visión del futuro del mundo que aún sigue vigente luego de casi 40 años.

"Maggot Brain", por su parte, es una canción que no necesita ser descrita...si hay un solo de guitarra que puede conmoverte hasta el punto en que pierdes la orientación, éste es. A Hazel se le describía como el sucesor de Hendrix en cuanto a su técnica y capacidad de expresarse mediante la viola, pero me atrevo a decir que sería complicado encontrar un solo guitarrero de Hendrix que sea tan PODEROSO como éste. Es así de impactante.

Funkadelic lanzaría muchos discos esenciales después de éste, pero ninguno lo representaría mejor o resultaría más trascendente. Un nuevo movimiento musical había nacido.

funk

psychedelic soul

GALAXIE 500 - ON FIRE

Hay discos que con muy poco dicen mucho, y este, quizà, sea uno de los mejores ejemplos.

Sin dejar de lado la capacidad instrumental de los ejecutores, la cual favorece el entendimiento del mensaje musical y su disfrute aùn màs, he llegado a la conclusiòn de que una buena melodìa y una interpretaciòn sentida y sincera resultan claves para establecer el nexo necesario entre mùsico y oyente.

Existe un lirismo interpretativo, una inocente dulzura que colman los 10 surcos de este disco que los hace cautivantes y adictivos al escucha. Esta es mùsica hecha con el amor del fanàtico que sòlo toca como desea y que se expresa mediante ella sin pretensiones.

Sin embargo, aùn en las situaciones màs inesperadas surgen verdaderas obras maestras.

Probablemente sin saberlo, Dean Wareham inventò un nuevo lenguaje guitarrero, de lentas oleadas de discreta distorsiòn, pese a que, convencionalmente, no es un buen guitarrista. Damon Krukowski y Naomi Yang descubrieron, de improviso, una nuevo patròn rìtmico, calmo y envolvente, sobre el cual descansan melodìas càlidas y una voz en extremo vulnerable, que le da un aura de ensueño al conjunto.

Lanzado en 1989, poco antes de la boom del rock alternativo, èste es uno de los muchos discos que mantuvieron el perfil bajo pero que cimentaron una subcultura de la cual bebieron los que luego encarnarìan la afamada revoluciòn del 92'. Dentro del cajòn de joyas guardadas de la dècada, èste àlbum serà una de las mayores sorpresas para el que decida explorar.

Recomendada la ediciòn remasterizada, que incluye el EP Blue Thunder. Si el genial cover de Isn't It a Pity de George Harrison te gustò, las conmovedoras versiones de Ceremony de New Order, y de Victory Garden de la Red Krayola te dejaràn con la boca abierta. Si te quedas enganchado, no me eches la culpa despuès ;)

neo psicodelia

slowcore

BIG STAR - #1 RECORD

En una década que no se destacó por el optimismo, precisamente, este disco debe ser una de las rarezas más grandes.

Totalmente fuera de contexto, el afán de Alex Chilton, Chris Bell y compañía, el cual buscaba rescatar el lado más gentil de los Beatles, Beach Boys y hasta de los Kinks sesenteros, y expresar su amor por las melodías hermosas con una inusual potencia sónica, resultó siendo uno de los sonidos de culto más importantes de todas las épocas.

Es un disco sincero y sensible, con una inusual carga emocional en sus letras que logra tocar las fibras más ligadas a la nostalgia, a la melancolía y la inocencia de cualquier ser humano que se precie de escucharlo.

El álbum abre con "Feel", y, de arranque, se puede notar el contraste entre las sublimes armonías vocales y los intercambios melódicos de las guitarras con una sección rítmica atronadora, anunciando claramente lo que vendrá a continuacion.

Joya tras joya se suceden, llenando de luz al oyente y lo que lo rodea de una mágica forma. Sin embargo, las canciones que destaco de este disco son las baladas y las acústicas, curiosamente, las cuales desnudan el lado más vulnerable de la banda.

En la gema "Watch the Sunrise", con el simple trabajo de guitarras acústicas logran darle el suficiente color a las melodías para hacerte pensar que realmente estás viendo la ascención del sol. "Give me Another Chance" es uno de los mejores ejemplos de como se debe acoplar una sección de cuerdas a una canción para hacer poesía de verdad. "The India Song" es una pequeña y bonita rareza, tal vez haciéndole guiños al Revolver o al Sgt. Pepper´s.

Pero el tema que hace de este disco un clásico es "Thirteen". Tal vez, o mejor dicho, con toda seguridad, no hay canción que mejor evoque el nostálgico amor adolescente, donde los sueños aún existen, y donde todo se puede. La voz de Chilton parece deshacerse de ternura, mientras que los coros y las guitarras acústicas contribuyen aún mas a convertir el tema en uno de los más bellos que haya oído.

Piedra angular para el desarrollo del power-pop y alternativo, es difícil creer que solo 4 chicos en su garaje hayan intentado lo que nadie en la epoca, y logrado tanto. Imposible no ponerle 5 estrellas.

power pop

pop rock

musica

BECK - SEA CHANGE

Beck era un artista que yo desconocía por completo antes de acceder a mejores medios especializados en música. Según la información que pude obtener, se trataba de un artista revolucionario, que podía sacar canciones ridículamente pegajosas a la vez que inteligentes(Loser) pero, sobre todo, valiente a la hora de mezclar influencias que producían un collage de sonidos y samples sin paralelo desde el Paul's Boutique de los Beastie Boys o, incluso, desde el Zappa sesentero.

Es curioso, entonces, que el primer disco del artista que cayera en mis manos fuera éste. Sea Change es el disco más "calmado" de la colección de Beck, si es que el término se aplica en su sentido más extenso. Es un disco de cantautor, donde el melancólico aspecto lírico se basa en situaciones personales(llámese corazones rotos y visiones crípticas sobre el futuro de un apestado) y se apoya, principalmente, en una base de guitarras acústicas de sorprendente belleza.

Resulta difícil no sucumbir ante el dulce lamento de "The Golden Age", los acentos lo-fi en "Lost Cause" o "It's All in Your Mind", o sentirse alucinado por el siniestro crescendo de cuerdas en "Lonesome Tears", uno de sus mejores temas. Una vez que adquiriera los aclamados Odelay! y Mellow Gold(que no me causaron la misma grata impresión) fue entonces que entendí la naturaleza de Beck.

Si bien el notable eclecticismo de dichos discos no aparece en Sea Change, sí existe una sorprendente osadía por romper sus propios esquemas y lanzar un disco introspectivo y desnudo, de altísimo nivel de cohesión, el cual demuestra otra de sus muchas facetas como artista. Beck no tiene miedo en absoluto de cambiar de estado de ánimo entre lanzamientos, ni tampoco de arriesgar la respuesta del público, siempre manteniendo un nivel de calidad e independencia que muchos de sus contemporáneos soñarían con tener.

singer songwriter

lo fi

ALLMAN BROTHERS BAND - AT FILLMORE EAST

At Fillmore East debe ser no sòlo el momento cumbre de las llamadas jam bands, sino, tambièn, uno de los mejores discos en vivo de todos los tiempos.

Al ya conocido y laureado trabajo del desaparecido Duane Allman, se unen los esfuerzos y enormes talentos del guitarrista Dickey Betts, el cantante y tecladista Gregg Allman, el bajista Berry Oakley y los 2 bateristas, Jaimoe Johnson y Butch Trucks. Los menciono a todos porque, sencillamente, no le encuentro fisuras por ningùn lado, y porque todos los instrumentos funcionan como un motor perfectamente aceitado. Un buen motor de tractor sureño: arrogante, ruidoso, viril y con una presencia intimidante.

De arranque, "Statesboro Blues" te deja con la boca abierta al escuchar la tremenda slide de Duane Allman(si has escuchado otra mejor, avìsame, por favor, para no creerte) "Stormy Monday", "You Don't Love Me" y "Done Somebody Wrong" sudan blues sureño por todos lados, mientras que "Hot 'Lanta" hipnotiza con su incesante fluidez rìtmica.

"In Memory of Elizabeth Reed" presenta parte de los mejores duelos de guitarras solistas jamàs grabados en vinilo, con la sensibilidad de Betts complementando la virtuosa furia de Allman, sello de fàbrica de la banda, asì como las melòdicas lìneas de bajo y el hiperactivo trabajo percusionista.

La versiòn del Fillmore del clàsico "Whipping Post" representa el epìtome de la banda, y es el mejor indicativo de lo que significa Allman Brothers Band. Si la impresionante secciòn rìtmica y la poderosa voz aguardentosa de Gregg Allman ya provocan que empieces a cagarte en los pantalones de envidia, el inconfundible riff ondulante de la introducciòn, asì como los aterradores solos guitarreros te dejan los huesos secos.

Esta era una banda que tenìa un sentido de tensiòn musical sòlo comparable a los maestros de la mùsica clàsica, y esto no es exageraciòn. Son 22 minutos que no te dejan en paz ni un sòlo segundo, con idas y venidas, subidas y bajadas en la interpretaciòn, ejecutadas con pasmosa facilidad. Obviamente, los elementos de jazz de la banda favorecen la ligazòn entre las mùtiples secciones de la improvisaciòn, pero es el còctel resultante de muchas influencias de la mùsica del Sur el cual sorprende por su bagaje y capta tu total atenciòn.

Resulta irònico pensar que la banda insigne de aquellos rebeldes que se dejaban el cabello largo y utilizaban la bandera confederada en sus conciertos, poseyera en el afroamericano Jaimoe un genio percusionista que haga remembranza a los ritmos marciales del ejèrcito latifundista. Este disco destila muchìsimos años de historia musical de una regiòn tradicionalmente intolerante, pero que guardaba muchos diamantes pulidos escondidos.

Primero fue el "Freebird" Duane Allman, luego el maestro Oakley, y la leyenda fue cimentàndose. Pero si algo demuestra At Fillmore East de manera estrictamente musical, es que Allman Brothers Band es, quizà, no la banda màs legendaria del Southern Rock, pero sì la màs importante. Un documento inprescindible de una època donde las bandas sòlo querìan tocar mùsica y abrir fronteras. Recomendada la versiòn Deluxe del 2003, con varios bonus, incluyendo la genial Midnight Rider y el maravilloso instrumental Mountain Jam.

southern rock

blues rock

R.E.M. - AUTOMATIC FOR THE PEOPLE

Automatic For The People es, quizá, el álbum más representativo de R.E.M. en la época del boom alternativo noventero(al que ellos influenciaron de forma definitiva), y es, sin duda, uno de los grandes picos de su discografía. Cuando Michael Stipe & co. decidieron dar el gran salto a un sello discográfico importante, lo hicieron asegurándose de no comprometer su honestidad lírica y los elementos representativos de su sonido. Evidentemente, tras 5 álbumes de pop underground con sus insignes guitarras jangle pop y un sentido melódico envidiable, la fórmula empezaba a acercarse a aquel peligroso límite de la repetición sin contenido. Green fue el álbum de transición y Out of Time el que generó el boom comercial que los convirtió en una verdadera fuerza de la naturaleza en el rock. La crudeza punky de su base rítmica y la sutil pero efectiva dinámica fue reemplazada por una mayor riqueza instrumental y una mayor variedad temática en la oferta del álbum. Ejemplo de ello es la 'perfecta por donde se mire' Losing My Religion, que presentaba a un Peter Buck inédito en mandolina, una precisa sección de cuerdas y el típico susurro de Stipe intacto, elementos que perdurarían a lo largo de la década. Sin embargo, Out of Time tenía sus baches, con algunas canciones flojas y letras un tanto sosas, por lo que la promesa de la banda -la de componer "un disco de rock" para el siguiente lanzamiento- tuvo que posponerse de alguna forma(ese disco terminó siendo el estridente Monster de 1994) R.E.M. necesitaba, me imagino, demostrarse a sí mismos que podían concebir otra joya, pero dentro de los nuevos términos. Automatic for the People es, entonces, el álbum que Out of Time no pudo ser. EL álbum pop definitivo de la primera mitad de los 90's. Tomando en cuenta los tiempos que se vivían en 1992, con toda la onda de letras angustiosas y el grito ahogado de la generación X, canciones como la melancólica Drive y la bella simpleza de Everybody Hurts(dirigida al gran amigo y admirador de Stipe, Kurt Cobain) encajaron perfecto con la audiencia y se convirtieron en éxitos, conjuntamente con la mejor canción del disco, Man on the Moon, que contiene una de aquellas pocas melodías 'perennes'. Entre las canciones menos conocidas están las dulces baladas folky Sweetness Follows y Try not to Breathe y otras gemas, como The Sidewinder Sleeps Tonite , Star Me Kitten y Find the River. Ahora, si bien la banda en conjunto suena integrada 100%, individualmente se advierten los aportes: Buck se luce con un arsenal de acordes y arpegios acústicos reminiscentes del barroco, alternados con furiosos power chords. Stipe trabaja diferentes tonos vocales. Mills y Berry, si bien se esconden un poco más en la mezcla, no dejan de ser el patrón matemático en el que descansa el peso de los temas. Una mención aparte para mi favorita del disco, Nightswimming. Si existe alguna canción que me transporte a los años más inocentes con un pequeño toque de melancolía, ésta es una de ellas. Sólo una sencilla y mágica línea de piano, sección de cuerdas al fondo y Stipe recordando los años donde toda una comunidad de jóvenes entusiastas iniciaría la revolución del rock americano, detallando sus costumbres, simbolizadas con un baño colectivo en la madrugada, en un lago de la localidad. La nostalgia nunca fue tan hermosa.

alternative rock

jangle pop

YO LA TENGO - PAINFUL

Una de las cosas que más aprecio del indie rock es la libertad de expresión. Los artistas no temen desnudar sus emociones y el impacto final de las letras o performances llega a ser inmediato y letal. En el caso de Painful, debo decir que es uno de los discos que más responden a ese principio. Haciéndole honor a su nombre, el disco posee melodías dolorosamente bellas y melancólicas. En algunos casos, las letras están cargadas de dulzura y optimismo, pero en otras la decepción toma el comando. Es música azul, tal como la portada, pero de rato en rato, una pincelada de rojo hace su aparición como acento romántico. Porque es obvio que este disco se trata del amor. Musicalmente, sigue las bases del noise pop(a veces, algo de dream pop), pero con una naturaleza menos insustancial y más terrenal. Canciones de melodías prístinas, ya sea con una carga de reverb o de distorsión guitarrera, que parecieran extenderlas elásticamente a voluntad y hacerlas tangibles. "Big Day Coming", la canción de apertura, arranca con unos licks de guitarra conmovedores y mantiene esa ingenuidad casi adolescente hasta el final. "I Heard You Looking", la canción de cierre, posee una carga de ternura arrebatadora en sus 7 minutos de pura inventiva instrumental, donde la líquido sonido de sus guitarras y melodías cuentan una historia romántica sin necesidad de una sola letra. Encerradas entre esas 2 piezas hay una serie de joyas pop, destacando temas como "Double Dare" o la maravillosa, etérea balada "Nowhere Near". Fue una grata sorpresa cuando lo escuché, por eso no quiero profundizar demasiado. Para que también ustedes se sorprendan.

indie rock

dream pop

JEFFERSON AIRPLANE - SURREALISTIC PILLOW

Disco clave de la psicodelia de San Francisco. En él se observa claramente la evolución desde de una banda de folk-rock hasta convertirse en una agrupación que podía aproximarte lo más cercanamente posible a un viaje ácido en cualquiera de sus canciones. Otro punto aparte es la gran colaboración entre los miembros de la banda: casi todos componen y casi todos cantan, enfatizando el manifiesto de unión y amor que la banda transmitía. La presencia de Jerry García de la Grateful Dead, como invitado, no hace sino aumentar el misticismo de un álbum, el cual rebosa de ello en sus hermosas melodías y letras.

psychedelic rock

folk rock

JANE'S ADDICTION - NOTHING'S SHOCKING

La primera obra maestra de estos genios del alternativo. De su incipiente fusión de metal, punk y funk de su debut pasan a perfeccionar la combinación, conjuntamente con una atmósfera densa y oscura, característico de la Velvet Underground, y que le añadiría el color de fondo a este cuadro genial. No sólo son las canciones sino la agresividad, la voracidad de sus interpretaciones lo que las hacen tan poderosas, y ese sería el sello característico de la banda en sus presentaciones en vivo, las cuales se convertirían en un bacanal, repleto de fanáticos del metal, punk, funk y demás amantes de esta agrupación. Cómo olvidar aquel famoso video independiente de Mountain Song, una de las canciones insignes de este monolito rockero, que fue rechazado unánimemente por múltiple emisoras de televisión por su extremo contenido profano. La música se hacía cada vez más sincera, y Jane's Addiction fue uno de los principales catalizadores.

alternative metal

alternative rock

MILES DAVIS - KIND OF BLUE

El título de este disco es un perfecto indicativo para el cáracter del contenido. Existe una dulce melancolía que recorre todos sus pasajes melódicos, la que se hace irresistible, incluso para un ignorante del jazz, como yo. Mientras que la base rítmica de Paul Chambers y Billy Cobb, en batería y bajo respectivamente, brinda líneas más que solidas, y con sutiles cambios -a menudo acompañados por un piano fluido y virtuoso, a cargo de Wynton Kelly- el trío de Cannonball Adderley y John Coltrane en saxos, y el propio Miles Davis en trompeta, se apoyan en dicha base para hacer maravillas en la sección de vientos, las cuales lo transportan a uno a dimensiones casi desconocidas en cuanto al placer musical. Las armonías y contrapunto de los saxos, el poderoso color de la trompeta y un nuevo concepto en la genial improvisación, el cual se basa en repentinos cambios de tono y libertad total dentro de determinada escala, hacen de éste el disco básico para todo aquel que desea incursionar en el jazz. El disco revolucionario y definitivo del genero.

jazz

modal jazz

DEATH - THE SOUND OF PERSEVERANCE

Pregúntale a cualquier fan del metal que se precie de escuchar los estilos más extremos: Death es la banda arquetípica del death metal, y fue la principal influencia para cada etapa de su evolución, ya sea desde sus inicios como una de las expresiones más agresivas y caóticas del heavy underground hasta las indiscutibles joyas muysicales que Chuck Schuldiner lograra lanzar antes de su irreparable pérdida. Hay dos formas de "entender" una banda. Una es agarrar el disco que todos aclaman, y, de ahí, seguir explorando los demás álbumes de acuerdo a su nivel de popularidad. La segunda, empezar desde el inicio hacia adelante o, en su defecto, desde el final y en reversa. Para el que gusta de las cualidades épicas y técnicas del heavy metal, The Sound of Perseverance es un regalo divino. No sólo es el álbum más instrumentalmente logrado de la banda, sino que ocupa el privilegiado lugar de ser el último trabajo del genial guitarrista. Me dispuse a poner manos a la obra y a empezar desde la última etapa de Death, la más compleja y progresiva, la que demuestra la verdadera ambición de un músico que quiere vencer a las barreras de un estilo. Se suele calificar al death metal como el estilo más veloz y agresivo del género. Con voces(gruñidos), a veces, ininteligibles, y guitarras lodosas, enfocadas en la agresividad, dejando de lado toda sutileza. Vale decir: un thrash aún más bullero y salvaje. Esto puede ser atribuido, sí, a la primera oleada o a los primeros trabajos que surgieron desde Scream Bloody Gore, el disco pionero de la movida. Ninguna de éstas características, sin embargo, están presentes en The Sound of Perseverance. La increíble velocidad en los cambios rítmicos y las diferentes secciones abrazan una destreza instrumental envidiable. Los pasajes más veloces se asemejan a un thrash con riffs cromáticos, mientras que la voz de Schuldiner, similar a la de un espíritu rabioso, nos expresa sus lamentos y maldiciones. El disco empieza con la espectacular Scavenger of Human Sorrow, 7 minutos de furia y tecnicismo, y, de ahí en adelante, salvo la sublime Voice of the Soul(uno de los mejores instrumentales del metal de todos los tiempos) el álbum no nos da descanso alguno: ¿Cómo no contener la respiración con el coro apocalíptico de Spirit Crusher, un manifiesto proveniente del más allá, dueño de uno de los riffs mas pesados que haya escuchado? Monstruo tras monstruo y bestia tras bestia, el disco cierra con un cover del Painkiller de Judas Priest, donde Schuldiner y Richard Christy parecen lanzarles un desafío a Halford & co. con una versión dinámica y enérgica hasta el límite, plena de increíbles solos de guitarra y una introducción de batería aún más amenazante que la original. Una vez terminado de escucharlo es posible que te preguntes si el álbum fue hecho por humanos, dado el singular matrimonio de una virtuosidad y creatividad singulares y una potencia avasalladora. Una característica particular de este trabajo es la de poseer luz y sombra dentro de una masa sónica de inquietante densidad. Las canciones siempre tienen la cuota de oxígeno necesaria y existen muchos detalles que son descubiertos a medida que te familiarizas más con ellas. Tanta chalatanería no es gratuita, y es entonces que yo cuestiono a todos aquellos que se quejan del abandono de aquel Death abrasador, adorador de la velocidad y brutalidad...¿realmente puedes pedir más? o mejor aún...¿te parece que semejante obra siga en la oscuridad y ajeno al oído del aficionado incipiente? Si tus respuestas son positivas, entonces, con todo respeto, quizá no sepas lo que es heavy metal. Ante tus narices está uno de los mejores discos de la década y de todos los tiempos. El "padre del death metal", sin duda alguna, se despidió a lo grande.

death metal

progressive metal

COCTEAU TWINS - TREASURE

Cocteau Twins fue una de las bandas claves del mítico sello 4AD(hogar de leyendas como Dead Can Dance y Pixies) así como una de las más enigmáticas. Después de una serie de cambios en la formación, el grupo permaneció relativamente estable hasta la aparición de Treasure, de 1984. La voz de porcelana de Elizabeth Fraser, conjuntamente con los etéreos y azules guitarreos de Robin Guthrie(en enamorado del Perú) producen una atmósfera de cuento de hadas, inédita para la época y que marca el inicio de lo que conocemos como dream pop. Díficil de catalogarse como parte del rock, no es casualidad que todos los títulos de sus canciones respondan a nombres de mujeres, ya que su postura se inclina decididamente hacia la femineidad. Esta es música que se debe escuchar con atención y con tranquilidad. Las diferentes capas de guitarras reverberadas parecieran desvanecerse, insustanciales, en un efecto absolutamente hipnótico que acuna la relajante narración de sus letras. Treasure, es, din duda, un tesoro que pareciera llegar de una tierra lejana, desconocida, perfumada de jazmines y con la ingravidez de la seda, que llega de forma tan misteriosa como se aleja, dejando una experiencia única y sin paralelo en el oidor.

dream pop

CHEAP TRICK - CHEAP TRICK (1977)

Para quienes conocíamos a Cheap Trick a finales de los 80's por sus exitos The Flame, Ghost Town y I Want You to Want Me, el saber que tenían una carrera de casi 15 años era algo sorpresivo. Mas aún, el enterarse de que sus mejores discos fueron lanzados a finales de los 70´s y que todos son ahora considerados clásicos. Siendo yo un fan de Big Star, quise darme a la tarea de explorar este primer lanzamiento, del cual leí era una excelente continuación de las bases del power pop patentado por Alex Chilton y co. Debo admitir que la aseveración no era nada infundada. Todo el disco esta lleno de increíbles canciones, dulces melodías en algunos casos, furiosos temas rockanroleros en otros, pero siempre con un sentido de la dinámica e intensidad innegables. El impacto emocional de sus letras, asimismo, se encontraba extrañamente fusionado a un particular sentido del humor. Así, se encuentran joyas como The Ballad of T.V. Violence o la imparable He´s a Whore(que podría considerarse su primer himno) que revelan el espíritu rebelde y divertido de la banda, pero que guardan letras no tan luminosas. Oh, Candy es una bella canción dedicada a un amigo suicida, mientras que Daddy Should Have Stayed in High School nos habla de un pedofílico. Entre toda esta compleja mezcla de sensibilidades se destaca el gran trabajo de guitarras, con riffs poderosos y minimalistas, con un dinamismo que les imprime aún mayor vida a cada pieza. El vocalista se desdobla fácilmente entre pasajes dulces y enérgicos, mientras que la seccion rítmica es más que sólida. Es, sin duda, un power pop que tira hacia el lado del rock pesado pero sin perder la capacidad melódica. La afinidad con la propuesta punk de la epoca no es gratuita, pues sabe combinar rebeldía con contenido. Es un sonido visionario, pero también de su tiempo. Comparable, quizás, a los primeros trabajos de AC/DC. La introducción del disco en Hot Love, por ejemplo, es típico de mediados de los 70´s, con una línea de batería jazzy similar a la de Peter Criss en Detroit Rock City. La suma de todos estos elementos hacen de este disco uno de las piezas clave en el desarrollo del power pop y hard rock, y demostraría ser increíblemente influyente sobre bandas tan disímiles como los Pixies o Guns N´Roses. Cheap Trick lanzaría 4 discos clásicos más, pero ninguno captaría el impacto y la potencia sónica de su debut. Parece que, a veces, si resulta bueno hurgar en el pasado.

power pop

hard rock

DEPECHE MODE - VIOLATOR

El mejor disco de synth pop de todos los tiempos? Sì, y no tengas duda alguna. Podrìa darte muchas razones, tales como la innata capacidad melòdica y compositiva del genio Martin Gore, la invalorable colaboraciòn musical de los ya curtidos Wilder y Fletcher, y la coincidencia del momento preciso para una banda que ya habìa saboreado las mieles del èxito. Y digo esto ùltimo porque Depeche Mode no era ajena al èxito. Para 1989, año en que introdujeron Enjoy the Silence a sus conciertos, y con el single de Personal Jesus sonando en todas las radios, ya la banda tenìa casi 10 años en el circuito y con un repertorio de hits nada desdeñable, donde figuraban Just Can´t Get Enough, Get the Balance Right, People are People, Master and Servant y Never Let Me Down Again. Un año despuès, y con el boom de la mùsica basada en sintetizadores aparentemente terminado, Violator es lanzado. 1990 probarìa ser un año de cierres importantes en el campo musical, y Depeche Mode probarìa ser una de las bandas que mejor supo encapsular las lecciones aprendidas de toda una dècada de reeencauche en la mùsica. MTV seguìa reinando como medio principal de difusiòn de los mejores grupos, pero la dominante superficialidad de muchos de los representantes pop de la època empezaba a ceder terreno hacia propuestas màs serias y el oìdo popular se mostraba accesible. Aquì es donde Violator prueba su importancia. Tù sòlo lanza un nombre: World in my Eyes, Sweetest Perfection, Personal Jesus, Policy of Truth, Waiting for the Night, muchas de las mejores canciones de la banda se encuentran aquì, y casi todas ellas fueron exitosas. Capìtulo aparte para la mayor joya del synth pop, Enjoy the Silence. Sublime y dramàtica como pocas otras canciones, resultan conmovedoras la orquestaciòn de sintetizadores, la sencilla lìnea de bajo y guitarra y, sobre todo, la inconfundible voz de David Gahan. Si existe algùn cantante para DM, ese es David Gahan, y no hubiera podido existir otro. Un tono grave, melancòlico y hasta obsceno, que aquì recita a la perfecciòn 9 piezas de oscuras escenas de intimidad. Este es un disco diseñado para el dance club, o mejor aùn, para el dormitorio. Un disco que define lo que significa la noche, su soledad y sus perversiones. El disco que fijarìa la cumbre para la mùsica electrònica, como documento esencial de toda una era, y que se mantiene igual de vigente luego de casi 20 años.

synth pop

alternative

DEEP PURPLE - MACHINE HEAD

El disco más grande de Deep Purple es también uno de los más influyentes de la corriente heavy metal(o heavy rock) de todas las épocas. La composición, que fue orientándose hacia un hard rock más simple y blusero, abandonando el sonido progresivo de sus primeros discos, fue también haciéndose más sólida, por lo que las canciones resultantes parecieran haber necesitado sólo una toma para ser producidas. Aquí, la evolución en la compenetración del grupo se hace evidente: la sección rítmica es más sólida que nunca, la voz nunca había sonado tan poderosa, y la rivalidad entre los solos de guitarra y teclados jamás había sido tan cruenta. Por supuesto, no olvidar la costumbre de Deep Purple de amplificar al máximo todos sus instrumentos, convirtiéndose en la banda más sonora del mundo según los records Guinness a inicios de los 70's. Punto aparte el señalar que muchas de las joyas producidas en éste album, tales como Highway Star, Smoke on the Water y Space Truckin', constituyeron la base del mejor disco en vivo de la historia, Made in Japan, lo cual es argumento suficiente para reconocer a Machine Head como una piedra angular en el desarrollo del rock.

Recomendada la edición del 25 aniversario(1997) que contiene 2 discos: el primero contiene el álbum original remasterizado con un bonus track(When A Blind Man Cries), mientras que el segundo presenta el álbum completo remasterizado por el genial bajista Roger Glover.

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