CHARLY GARCÍA - YENDO DE LA CAMA AL LIVING

En mi opinión, el disco que corroboró que estábamos ante un genio de la música popular latinoamericana.
Luego de haber pasado por 3 bandas estupendas, las cuales se destacaban por diferentes motivos (no detallaré eso aquí) Charly decide mandarse en solitario y cuajar todos los elementos sónicos y líricos que empleara luego de 12 años de colectivos.

Así, se fusionan aquí la vena del moderno trovador urbano, el contestatario rockero y el exquisito compositor de cámara, todo bajo un familiar filtro wave muy propio de este subcontinente (quizá por eso la producción no me aliena tanto como otros discos de la época. Eso lo citaré más abajo)

Las canciones tienen la virtud de ser accesibles, sofisticadas y suculentas a la vez. Hay mucha atención a los detalles, como las delicadas armonías vocales (de lejos, su mejor trabajo en ese aspecto) y las precisas pinceladas de teclados que ornamentan melodías involvidables. Invitados estelares hay de sobra, como su viejo compinche Nito; el otro gran genio argentino, el Flaco Spinetta; León Gieco, o incluso el que fuera un gran colaborador de García más adelante, Pedro Aznar. Cada uno aporta su estilo a las canciones, le brindan variedad e incluso vigencia.
"Peluca Telefónica", por ejemplo, es un absurdo irónico y maravilloso que los primeros 80s necesitaban. Algo similar va para "Vos También Estabas Verde". "Superhéroes" es un guiño al pasado que, extrañamente, suena en su lugar. Regresando a temas de producción, por ejemplo, "Yendo de la Cama al Living" tiene el típico sonido inorgánico y pleno de eco del funk 80s, pero las sardónicas letras y la gran performance vocal de Charly me mantienen en un lugar confortable y familiar. Incluso León Gieco, del cual no aprecio el canto, realiza un gran trabajo en la tremenda "Yo no Quiero Volverme Tan Loco", uno de los mejores poemas a la angustia juvenil argentina del régimen militar.

Punto aparte para "Inconciente Colectivo", la cual considero su mejor canción y el documento DEFINITIVO de su generación. Es tan hermosa la interpolación de las voces, tan apasionado el mensaje que el canto pareciera venir desde arriba hacia abajo y no al revés. No miento si digo que lo que Lennon intentó con "Tomorrow Never Knows" Charly lo logró con este tema. Contextualmente, no tienen nada que ver, pero a fin de cuentas ambos son un grito libertario que pretendió, sónicamente, tener una carga quasi-divina. En el caso de "Inconciente Colectivo", la cosa no se quedó sólo en pretensión. "Yendo de la Cama al Living" es un triunfo por muchas razones y el auspicioso comienzo del mejor artista solista de la década para la Argentina. Difícil que el propio Charly llegue, siquiera, a igualar ese nivel.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

METALLICA

El inicio de la década de 1980 auguraba tiempos difíciles para el heavy metal. Seguro, Judas Priest, Motorhead y Maiden probaron ser los salvadores, añadiendo un tono oscuro y agresivo a sus composiciones, pero fue verdaderamente con el ascenso de Metallica en el colectivo headbanger que el metal expandió sus límites y alcanzó nuevos picos comerciales y artísticos.

El punk había tomado la posta como representante musical de la juventud contestataria, y el heavy setentero, con todos sus excesos y pompa, había quedado relegado.

Es entonces que el cuarteto de San Franciso empieza a probar su valía. Crecieron consistentemente de lanzamiento en lanzamiento (Ride The Lightning? Master of Puppets?) y supieron mantener su imagen callejera, atrayendo a miles de fans rabiosos, desadaptados. PUNKS.

Incluso la expulsión de un miembro clave en sus inicios y la muerte de uno de los mejores bajistas de la historia no los detuvo para convertirse en la voz de un movimiento. Porque el heavy metal era, finalmente, un movimiento, gracias a ellos.

El nacimiento del thrash abrió las puertas para muchas bandas geniales, pero, al incluir estructuras complejas (heredadas del progresivo) Metallica alcanzó un pico inédito que los colocó como la cabeza del estilo. Para cuando salió a la venta el "...And Justice For All" -con tremendo éxito pese a la falta de apoyo de las radios- se dieron el lujo de romper su promesa y produjeron su primer videoclip. 'One' no solo se convertía en su mejor canción (opinión personal) sino que proveía las bases para todos los videos metalheads que siguieron.

El metal ya no era un simple sinónimo de "más rápido, más pesado, más oscuro". El metal era arte. Cuando se dieron cuenta de que tenían que evolucionar, lanzaron su album más pesado - Metallica (AKA The Black Album)- y pese a los gritos de "vendidos" por parte de los ahora incontables seguidores del thrash, la banda decisió seguir adelante, y continuaron provocando amor y odio al mismo nivel...hasta hoy

No me importa si el "St. Anger" fue un desastre, o que se hayan cortado el pelo, o que hayan enjuiciado a Napster. Aún son una máquina del metal pesado, aún tocan música genial...en mi corazón, aún son la Banda del Pueblo.

Los peruanos fuimos testigos de ello el año pasado y con gusto y desparpajo nos animamos a gritar:

Metal up yer ass!!!!

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

KING'S X

Es interesante ver lo criminalmente ignorada que fue esta banda en su momento. Empezando como una banda de metal quasi-progresiva con trazas de rock sureño (imagínense una versión jazz-rock de Lynyrd Skynyrd con un poco de Rush añadido a la receta y entenderán mi punto) hacia 1994 ya se habían reinventado a sí mismos y, rápidamente, se volvieron una de las mejores y más duras bandas alternativas de la era grunge, y una de las que poseía la mayor cantidad de recursos. Y todo esto sin abandonar jamás su sonido insigne (patrones rítmicos complejos, apasionadas armonías vocales y una intensidad generalizada)

Su virtuosidad técnica es incuestionable. Basta con que escuchen su actuación en Woodstock '94 (fueron las luminarias del show) y traten de demostrar lo contrario.

Existieron muchas razones para que se convirtieran en superestrellas, pero nunca lo fueron. En realidad, eso actuó a su favor, ya que nunca se vieron forzados a seguir las tendencias del mainstream y producto de ello es su más que consistente discografía. Incluso sus proyectos en paralelo son de interés inmediato para los fans y oyentes casuales.

Rock cristiano, las huevas, esta es música orgánica para el alma de nosotros, los herejes.

Faith, Hope, Love, brother!

NINE INCH NAILS - THE FRAGILE

Trent Reznor dio una muestra definitiva de su capacidad con el lanzamiento de 'The Fragile', en 1999.

No sólo era el tercer LP de una banda(concepto, unipersonal...tú decide) que no había tenido momentos flojos hasta entonces, sino que también se trataba de un disco doble y de una actualización de su sonido.

10 años para 3 LPs pueden parecer muchos, pero se debe tomar en cuenta la calidad del material lanzado, y la cantidad de singles y EPs que se lanzaron en paralelo. A la positiva acogida de la crítica se debe añadir un respetable éxito comercial. El álbum debutó en el número 1 de Billboard y se vendió razonablemente bien.

Ahora, en lo estrictamente musical, The Fragile muestra similitudes con 'The Downward Spiral' en el sentido de que favorece texturas y atmósfera en lugar de las estructuras accesibles y efectivas melodías de su debut, 'Pretty Hate Machine'. Sin embargo, en lugar del sonido denso, profundo y abrasivo del disco anterior, The Fragile observa una especie de "apertura" sónica, menos saturado y en un efecto de capas(layered, perdón por mi vocabulario) el cual se compensa con guitarras de heavy metal en algunos casos, como en la demoledora "Starfuckers, inc" o la monstruosa "We're in this Together", dos de los mejores singles de la banda.

Los beats electrónicos tienen mayor presencia que en trabajos anteriores, lo cual , sin embargo, no hace al disco más accesible en su lectura. No abundan los ganchos, lo cual era el mayor aporte de NIN dentro de la música industrial. Reznor transformó a su bestia, convirtiéndola en un enorme lienzo donde descargar sus ideas y frustraciones, una propuesta más sui generis, no tan abierta al oído colectivo. A eso se añaden las siempre tortuosas letras, marca de fábrica de Reznor.

Dos cd's resultan un poco extensos y le quitan impacto. Ni siquiera el intento de reciclar melodías o riffs de otras canciones del mismo album(caso Into the Void) ayudan a enlazarlo mejor.

A pesar de todo, si el oidor es paciente, el disco lo recompensará con muchos momentos de gran calidad y riqueza instrumental. Gracias a su ambicioso concepto, debe ser uno de los discos mejor ensamblados sónicamente de los últimos 10 años.

Recomendable para aquellos que disfrutan del rock progresivo y experimental en su fase más ácida.

BANCO DEL MUTUO SOCCORSO - IO SONO NATO LIBERO

'Io Sono Nato Libero' es el tercer disco de la tríada dorada de trabajos que le dieron a 'Banco del Mutuo Soccorso' uno de los lugares preponderantes en la escena progresiva italiana.

Ni tan legendario como el debut epónimo, ni tan aclamado como su predecesor Darwin!, éste tercer álbum tiene los méritos de haber mantenido a la misma formación, responder a los altos estándares señalados por sus antecesores, y lograr una gran cohesión a lo largo de sus 40 minutos.

El progresivo italiano ya había refinado sus bases, las cuales eran una continuación de los principales elementos de los grupos de prog inglés, y 'Banco del Mutuo Soccorso' se había afincado como uno de los principales exponentes del lado menos turbulento y experimental, pero más melódico del género. Afín a la influencia de bandas como Genesis, Gentle Giant y The Nice, su tendencia era más sinfónica que progresiva.

Sin embargo, luego de las conclusiones preliminares, se denotan los elementos vernaculares propios de la península. Un estilo vocal quasi-operático, una mayor presencia de los teclados, el uso de diferentes escalas con respecto a sus pares británicos, y un contenido lírico más luminoso, o menos negativo en todo caso, que hacía referencia a la literatura, a las ciencias y al arte.

El disco empieza con la portentosa "Canto nomade per un prigionero politico", de cierto tinte politizado, que nos ofrece un trabajo vocal de extrema vulnerabilidad y secciones de enorme complejidad rítmica que apoyan virtuosos pasajes de teclados y frases de guitarras. Uno podría imaginar que el plato de fondo ya fue servido, pero temas como la delicada balada "Non mi rompete", la asombrosamente compleja pero melódica "La città sottile" y la canción de cierre, "Traccia II" (la cual hace las veces de un perfecto coda) nos demuestra que aún queda mucho en el menú para los aficionados hambrientos de nuevos sonidos y colores.

Los aportes individuales destacan nítidamente en la suma total, sobresaliendo, especialmente, la expresiva voz de Francesco Di Giacomo, la mostruosa performance en los teclados de los Nocenzi, y la omnipresente batería de Pier Luigi Calderoni.

No sé si 'Io Sono Nato Libero' sea la mejor introducción al género, o incluso a la banda, pero su escucha sí es materia obligada para aquellos que ya se hayan curtido con el rock progresivo de la península.

VAN MORRISON - ASTRAL WEEKS

El primer trabajo grande de Van Morrison tras dejar a los Them.

Por supuesto, en su primera entrega había cambiado radicalmente su música, con respecto a la que su ex agrupación ofrecía, pero es recién en éste álbum donde pone de manifiesto el cambio.

Morrison cuenta historias como un trovador, un juglar. Pero aquí modifica la naturaleza convencional del trovador, acompañádose de un fondo musical extraordinario, pleno de matices folk, pop, jazz y hasta música celta, que brillan por su belleza y acompañan perfectamente las letras evocativas y fuertemente espirituales del autor. Su poesía posee una gran carga de poderosas imágenes del entorno rural y suburbano de su Belfast natal.

Todo esto, sin mencionar el aporte innovador de Morrison al ser uno de los primeros en fusionar una canción de rock con acompañamiento de jazz y orquesta de vientos("The Way Young Lovers Do") pese a que el sonido general del disco rehúye cualquier afiliación directa con estilo musical alguno.

En resumen, uno de los discos más influyentes en el pop y folk-rock de todas las épocas.

Dale una sola vuelta al cd, y, de arranque, te enamorarás con el irresistible optimismo de la canción homónima.

THE WHO - TOMMY

Desde la portada supe que me iba a gustar.

Apenas lo ví en oferta y en buena edición no lo dudé.

Aunque menos aclamado que otros trabajos suyos, 'Tommy' ocupa un lugar histórico en el catálogo de The Who. Es el momento en que concretan la visión fantástica de Pete Townshend...74 minutos parecen extensos, pero la banda le imprime suficiente magia para no perder el hilo.

El primer acorde del álbum descoloca a quien busca un disco afín al contexto rock de 1969. Es límpido, cristalino y cálido. Nada que ver con las locuras lisérgicas de las bandas en boga. "Overture" se beneficia de ese temprano shock y nos da la bienvenida con los brazos abiertos.

A medida que los tracks avanzan, se denota un patrón sónico recurrente (un conjunto de la perfectos riffs acústicos) el cual contrasta con el duro contenido lírico de la obra. Tommy resulta ser un niño que nunca debió nacer. Abuso infantil, adulterio, golpes en el colegio, vida callejera y demás desgracias se suceden, pero The Who logra lo impensable hasta entonces: que una banda pop maquille un concepto integral de gran carga dramática y cuyo valor musical sea equivalente al de la historia: finalmente, la primera ópera rock vio la luz.

Y una vez que pasamos al tema musical en sí, las bondades son muchas.
Entwistle y Moon, considerados como una de las mejores secciones rítmicas de la historia, dan cátedra acerca de cómo generar tensión en el background de un conjunto sonoro tan ambicioso, pleno de cambios súbitos de ritmo, teclados, múltiples capas de guitarras y voces que se alternan. Roger Daltrey, por ejemplo, me convence mucho más como cantante aquí. Es completamente mérito suyo el darle un tinte teatral a las interpretaciones y también brindarles un doble valor, en tanto musical como catalizadores de nostalgia. Es como volver nuevamente a nuestro tiempo de chicos y escuchar a los cuentacuentos en un auditorio añorado. Si no sientes nada en “Tommy Can You Hear Me?” entonces algo serio pasa en tu vida.
No puedo más que dejar al final al arquitecto del disco. Peter Townshend se luce aquí con un nutrido torrente de finos guitarreos y arreglos inéditos de teclados, vientos y cuerdas (“Amazing Journey”, “Sparks”, “Pinball Wizard”, “Acid Queen” y “I’m Free” lo prueban) que son como los personajes de una historia que no pareciera necesitar el respaldo lírico.

The Who, entonces, marca un eslabón entre décadas. El rock de los 60s demostró canalizar perfectamente los enormes talentos de multitud de músicos y lentamente se iba institucionalizando como el arte que el rock pretendió ser en la década siguiente. Es por eso que yo no considero a ‘Tommy’ como rock progresivo (como suelen hacerlo algunos), sino como uno de sus antecedentes inmediatos. Todavía se siente frescura. Posee el entusiasmo del explorador, no la pericia madura del historiador.

Y regresando a la portada del álbum, quizá sea una lectura particular mía, pero no dejo de relacionar los tormentos del niño protagonista con aquellos barrotes de una prisión perfecta: aquellos albergan los colores del cielo, las nubes y las siluetas de las aves. Es una paradoja.
La libertad creativa se volvía una obligación.

Sin embargo, los rostros del grupo aún asoman entre aquellos barrotes celestes. The Who aún tenía mucho por decir. Sacarían un grito de libertad enorme en 1971 y una obra maestra en 1973, con la cual cumplen su papel al cerrar su etapa como jóvenes en el mismo año donde las corporaciones absorben al rock y lo vencen como expresión espontánea y popular.

La historia de Tommy fue una premonición? WHO knows?

IRON MAIDEN - THE NUMBER OF THE BEAST

'The Number of the Beast' es el disco que yo considero como el menos interesante de la discografía ochentera de la Dama de Hierro. Digo menos interesante, no sólo porque los hits han sido expuestos públicamente hasta la saciedad y son de referencia obligada para cualquier conocedor o fan incipiente del metal, sino porque el puto disco está citado en TODOS LADOS como una obra maestra.

Para citar ejemplos, la intro de "The Number of the Beast", así como el aullido de harpía bestial de Dickinson son ya marca registrada del "sonido Maiden" y suele ser el elemento introductorio a la banda. Lo mismo va para la galopante sección rítmica de "Run to the Hills". Las líneas de bajo de Steve Harris representan un muestrario para el aspirante a músico de este género en particular. Pero a veces resulta ya cansador encontrarlos por todos lados.

Otro punto en contra es el particular enfoque melódico del álbum. A comparación de la fresca furia punkera de los dos primeros discos, del sonido épico del 'Piece of Mind', de la potencia marcial del 'Powerslave' o la majestuosidad del 'Seventh Son of a Seventh Son', el debut de Dickinson con Iron Maiden demuestra cierta ligereza.

"The Prisoner" es una canción larga, que no cala en mi interior, le falta dramatismo. "Invaders" se esfuerza demasiado en su visión apocalíptica y "Hallowed Be Thy Name", aunque muy buena, no está a la altura de otros temas épicos de la banda. Los riffs y fraseos guitarreros son bastante dinámicos, pero no transmiten esa urgencia metalera, ese feeling del cual los headbangers se ufanan.

Sin embargo, 'The Number of the Beast' también supuso un tremendo paso hacia adelante en temas de composición. Las canciones no se suelen extender más de lo debido. La sección rítmica, todavía con Clive Burr en batería, gana complejidad. Las guitarras de Smith y Murray canalizan su virtuosidad de forma mucho más clara, aprovechando los duelos solistas y las armonías a plenitud. Ya no hay elementos que sobren, ya no hay secciones que pasen al olvido o un sonido en proceso.

Pero es, sobre todo, el trabajo vocal el que le da un tremendo valor agregado.

A pesar de que la etapa con Paul Di Anno me encanta, jamás Iron Maiden hubiera logrado el poderoso impacto del lamento de "Children of the Damned" sin el registro vocal de Dickinson. El vértigo de "22 Acacia Avenue" también se ve fortalecido por tal cualidad. Y estoy hablando de 2 de los mejores temas de una de los grupos más emblemáticos del movimiento. Aquél que grabaría su nombre de manera eterna en la lápida del panteón de los héroes del número de la bestia. Una lápida cuya tumba esta vacía, ya que Eddie es inmortal, así como el legado de la banda.

Y como decía antes, éste es el disco menos interesante de su mejor período, pero eso no significa que sea el de menor nivel. Y cuando hablamos de los estándares de la Dama de Hierro, estamos hablando de palabras mayores.

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN - FÜNF AUF DER NACH OFFENEN RICHTERSKALA

'Fünf auf der nach oben offenen Richterskala' es, comúnmente, reconocido como el disco de trancisión para esta banda insigne de la música industrial alemana. (Y también un título bien complicado/pendejo de leer)

Similar a la propuesta posterior de Nine Inch Nails, pero salvando las diferencias del caso, las estructuras de las canciones se hacen más concisas y responden a una preponderancia de melodías en lugar de texturas. Aún así, tal sentido de construcción y de ritmo todavía está fuertemente marcado por progresiones y crescendos sónicos casi atonales, en lugar de riffs repetitivos y coro-verso-coro.
Esto es claro en temas como el clásico "Ich bin's" Por otro lado, "Zerstörte Zelle" es una estupenda y, a veces, espeluznante canción de apertura, heredera (en mi opinión) del Can más obscuro (Aumgn, para ser más exactos) donde múltiples capas de corrosiva distorsión se yuxtaponen y progresan en un siniestro crescendo a manera de marcha fúnebre.

El clímax es particularmente oscuro, similar al que se encuentran en temas como la exótica "12 Städte" y la ansiosa "MoDiMiDoFrSaSo"

Para un recién iniciado en este tipo de sonidos, el disco resulta sumamente estimulante. No es fácil de procesar en un inicio, pero tampoco es imposible de entenderlo. Y es, aparentemente, EL disco de 'Einstürzende Neubauten' al que se debe recurrir como punto de partida. Recomendaciones sobran.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

QUEENS OF THE STONE AGE

La banda definitiva de hard rock de la última década, esta segunda aventura del guitar maestro Josh Homme(quitando al maravilloso colectivo Dessert Sessions) significó un giro de 180 grados con respecto a lo que se especializaba su banda anterior, Kyuss.
Afuera quedaron el cavernoso fuzz y las exploraciones sónicas. En su lugar, las Reinas Pedregosas se doctoraron en rock n' roll puro y duro y con harto huevo, el cual consigue combinar los brutales, secos riffs guitarreros y el énfasis con los tonos graves con un vértigo punky e incluso un toque de melodicismo pop.

Por supuesto, esto no significa que la banda no mantenga lazos con el pasado. Pareciera como si los hipnóticos pasajes sonoros de Kyuss se adaptaran en las absurdas letras, en sus excéntricos coros y armonías vocales (los cuales se acompañan, a veces, de aplausos y otros elementos exóticos del pop sesentero) cuyo fondo musical proviene de un ilimitado arsenal de bulleras -a veces, atonales- capas de guitarra y arreglos rítmicos tan intrincados que producen un robótico aunque dinámico sonido pleno de tensión sonora.
Peculiar, no? Olvidé mencionar sus videoclips chiflados? sus teatrales shows? la enorme lista de superestrellas que figuran como invitados en sus álbumes? Esta banda es tan singular como puede serlo y eso que hablamos de una banda americana de hard rock, las cuales tienden a seguir una fórmula cual corderitos.
Es por todo esto que Queens of the Stone Age es una de las pocas bandas contemporáneas cuyos lanzamientos espero con impaciencia de fan dedicado.
"Rated R" por "Recomendado"!"

CRÓNICAS

THE B-52s

23 de Abril, 2009
Estadio Nacional de Lima

Acabo de regresar del concierto, y debo decir que, con la posible excepción de Iron Maiden y R.E.M., debe haber sido el mejor espectáculo que he presenciado desde que los impuestos por concepto de espectáculos bajaron.

Ahora, me gustaría destacar 2 cosas:

A) Que B-52s, pese a haber tenido un sabático de 16 años entre lanzamientos("Good Stuff" de 1992 fue el último antes del "Funplex") no ha perdido ni un ápice de su energía y originalidad en vivo.
Ni Schneider, ni Pierson ni Wilson demuestran efectos negativos por la veteranía. Su interpretación vocal fue impecable y para el aplauso. Strickland en guitarra y el resto de la banda, si bien se mantienen en un segundo plano visual, demostraron ser mucho más que capaces como soporte musical.
Pero la vitalidad va acompañada por un sentido del humor innegable. Me he reído y disfrutado como nunca, pese a haber estado en una zona relativamente alejada del escenario.
Basta con recordar la sección final de Rock Lobster, donde Schneider improvisa con la cantidad de animales que le pidió a Pierson y Wilson para que imitaran con sus extaños alaridos.

B)Siento que, musicalmente, todavía son relevantes como ente creativo, y han sabido sortear al tiempo.

Haciendo una pequeña extensión de las bases del artículo principal de esta página. Si bien B-52s fue uno de los grupos más mediáticos de la etapa new wave, su sonido tenía una originalidad muy fuerte, así como innegable es su identidad como colectivo musical.
Por ejemplo, la banda, en un inicio, carecía de bajo(una de las similitudes que guardan con The Doors). Ricky Wilson(hermano de Cindy y fallecido por sida en 1985) poseía un estilo de guitarra inigualable, tocando siempre notas bajas, en una combinación de rítmica y solista muy versátil. Punzante pero funky. El contrapunto melódico eran las notas agudas del teclado psicodélico de su hermana.
Punto aparte el trabajo vocal, donde un excéntrico Schneider sólo gesticula y se apoya en las armonías de las chicas, donde mezclan divertidas estrofas y coros kitsch, reminiscentes del surf rock(previo a The Beatles)
Se añade a esta receta una percusión extremadamente dinámica y punky para desarrollar un cóctel que guarda el colorido del new wave y la experimentación del post-punk, y dio lugar a los lanzamientos de The B-52s(1979) y Wild Planet(1980) que están presentes en la colección de todo fan que se precie de seguir al post-punk, y que están, tranquilamente, a la altura de cualquier disco de Talking Heads, Gang of Four, XTC, Elvis Costello, Wire, The Cars, o cualquier otra banda mencionada más arriba.
Luego de casi 10 años, y tras la muerte de Ricky, la banda lanza "Cosmic Thing", un disco decididamente pop, con algunos elementos de su propuesta anterior, donde Strickland deja la guitarra por la batería y se añaden 2 nuevos miembros a la banda. El disco, si bien perdía un poco la honestidad por el comercialismo, tenía una calidad melódica sin par y el sonido B-52s seguía siendo identificable.
Algo similar ha sucedido con el "Funplex", donde se adaptan a las concesiones del pop del nuevo milenio arrastrando elementos de su sonido de finales de los 80's.

Todo este recuento lo hago para describir el concierto que acabo de presenciar.
Tuvo momentos más movidos, momentos más reflexivos, un sonido más agresivo, un sonido más atmosférico, pero el recorrido por los clásicos de más de 30 años de carrera mantiene casi el mismo nivel y no existieron puntos bajos en realidad.

Pareciera que es 1980 y la fiesta de 2 horas es interminable. Una larga noche psicodélica y optimista donde, estoy seguro, cada asistente perdió el cable a tierra por completo.

Y, para rematar, nos regalaron 1 hora con los legendarios New York Dolls.
No se puede pedir más.

PARTY OUT OF BOUNDS!!!

Setlist:


Pump
Mesopotamia
Ultraviolet
Private Idaho
Give Me Back My Man
Funplex
Strobe Light
Quiche Lorraine
Juliet of the Spirits
Roam
Party Out Of Bounds
Love in the Year 3000
Hot Corner
Channel Z
Love Shack

Encore:

Planet Claire
Keep This Party Going

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

R.E.M.

R.E.M. es realmente una anomalía. Debe haber algo especial en un colectivo musical que puede reconstruir su fórmula tantas veces como quiera y no saturar en el proceso. Desde sus inicios garajeros en Chronic Town, de claro sabor underground, lleno de una energía nerviosa y promisoria; a sus sublimes ejercicios pop en Automatic for the People y New Adventures in Hi-Fi, R.E.M. nunca cambió su sonido insigne y tremendamente influyente. Podría entenderse como una reinterpretación del sonido barroco y luminoso del folk rock y country rock sesentero por medio de un filtro punk, pero la banda tomó dichos elementos como propios y le añadió una frescura irresistible, convirtiéndose en una de las bandas definitivas de los 80s, con el agregado de poseer un sonido reconocible al instante (casi inconcebible para una banda de la década)

La lúdica sección rítmica de Bill Berry y Mike Mills apoyaba de forma brillante el arsenal melódico del gran Peter Buck y, aunque apenas entienda lo que Michael Stipe está tratando de comunicar en su canto, siempre he adorado su tono gentil y sincero, capaz de emitir su mensaje sin usar palabras (quizá "murmullos"?) haciéndote acordar que existen personas que aún disfrutan escuchando música pop sin pensar en ella como un placer prohibido y, al mismo tiempo, olvidar que eras testigo privilegiado del nacimiento y evolución de todo el rock alternativo.

Hace unos pocos días, en esta semana, la banda se separó.
Ya comienzo a extrañarlos...pero para eso están los discos, no?...And I Feel Fine!

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

JIMI HENDRIX

Jimi Hendrix no era sólo un guitarrista, la guitarra era una extensión de su mente y alma. Era a través de su viola que Jimi se expresaba personalmente. Representaba la forma en que hablaba, caminaba o, incluso, respiraba. Dada esta extrema realcion entre un músico y su instrumento, Hendrix se convirtió en un maestro compositor, un cantante expresivo y sensible y un genio en el estudio que construyó, con suma facilidad, montones y montones de canciones que cobraban vida por sí mismas.

Esta orgánica cacaterística no tiene paralelo entre los músicos de rock. Desde su muerte, no ha existido un sólo guitarrista tan importante o revolucionario, pero su trabajo se mantuvo tan vital e inspirador que su influencia sobre el mundo de la música terminó por derrotar a su propia muerte.
De esa forma, el negro lindo que vino desde Marte directamente a tocar en Monterrey, ganó su inmortalidad.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

JANE'S ADDICTION

Jane's Addiction es la propia definición de la palabra "singular" en el diccionario del rock. Probablemente no hubo otra banda tan oscura o marginal en entrar a las listas del mainstream o tener algún éxito comercial. Eran honestos, auténticos y nunca tenían el menor miedo de hablar sobre cualquier tema.
Cualquiera.

Aunque su música es altamente técnica, pomposa e imaginativa (más cercanos a la cámara que al garaje) el contenido lírico de sus canciones -repleto de historias acerca de asesinos seriales, violadores, muerte, sobredosis y orgías- era el retrato más lóbrego y más fiel de las calles del bajo fondo de Los Ángeles.
En teoría, esto es práctica común, pero, a diferencia de la mayoría de sus contemporáneos más destacados, ellos no glorificaban dichos temas, sino que los aceptaban como parte de sí mismos. Por ello, algunas de sus canciones más conocidas se convirtieron en himnos fieles de su ciudad y de una audiencia que pudiera ponerse en el lugar del grupo, tomándolos como iguales.

(Ojo, no confundirse: si bien Perry Farrell y Dave Navarro gustan de parecer divas en estos días, en el escenario la banda tenía y tiene una relación mucho más horizontal con los fanáticos...un commodity que escasea por todos lados)

Su discografía comienza con un álbum en vivo (el debut epónimo) lo cual no es casualidad. Sus conciertos eran verdaderos bacanales de mujeres desnudas, besos entre especímenes humanos andróginos y una atmósfera completamente gitana que rodeaba a un público compuesto por fans del punk, metal y música hippie, los cuales, por una vez, estuvieron de acuerdo en algo: Jane's Addiction era la siguiente gran banda del rock.

Este eclecticismo jugó en su favor y, pronto, la "nación alternativa" encontró a sus embajadores.

1992, y la revolución del grunge estaban cerca, pero Jane's no llegó. Luego de separarse en 1991, se convirtieron en una sensación de culto y sus fans más antiguos estaban orgullosos de contarte que, alguna vez, existió este cuarteto que inventó un sonido - luego atribuído a un pequeño grupillo de Seattle - que produjo dos discos de estudio inolvidables, plenos de riffs pesados y dinámicos al mejor estilo de Sabbath y Zeppelin; una percusión intrincada y casi tribal; líneas de bajo líricas; un cantante obsceno con una delgada pero intrigante voz (justo como una mezcla de Velvet Underground y los primeros The Cure) y un sentido del ritmo y tensión musical que podría hacer explotar tu cabeza en cualquier momento. Tal como un orgasmo femenino múltiple...justo como Xiola Bleu en el solo de "Three Days"."

WHITE STRIPES - ELEPHANT

Si White Blood Cells fue el álbum donde el dúo de Detroit explotó, Elephant es el disco donde demuestran que los rumores eran verídicos, pero que todavía no le hacían justicia a los White.
Algunos criticaron el hecho de que el disco no tenía tantos temas destacados como en el trabajo anterior, pero es justamente esa equiparidad entre canciones lo que hace de Elephant un mejor disco, ya que el promedio se niveló hacia arriba, no hacia abajo.

El disco muestra una tendencia mucho más marcada por el blues rock, pero el fervor garajero esta ahí, clarísimo. Digno heredero del crudo rock de Detroit.
Temas como la furiosa bluesy "Black Math" demuestran el grado de personalidad de la guitarra de Jack White, donde técnica, sensibilidad y agresividad se funden en un sonido filoso e inmediato. La enorme "Ball and Biscuit", cuya súbita interpolación de versos calmados con solos agresivos resulta sorprendente, es el tema central de disco y un resumen del sonido que Jack buscó desde un inicio. Con un simple pero demoledor golpe de batería(vintage Meg White) la guitarra parece incendiarse en notas bluseras punzantes y te arrastra en su descontrol, controlado por un ritmo marcial.
La sorpresiva "In The Cold, Cold Night" es un número de blues acústico y nocturno, donde la suave pero seductora voz de Meg cautiva tejiendo hilos invisibles alrededor del aficionado.

¿Que no habían éxitos? "Seven Nation Army" fue el himno garage del 2003, con un riff sencillo pero potente y una interpretación vocal de claro sabor sesentero. La casi metálica "The Hardest Button to Button" fue otra canción que gozó de espacio en los medios. Ambos temas mostraron videoclips que resaltaban la imagen kitsch y minimalista de la banda, con las alusiones a los caramelos rojiblancos(los clásicos red and white peppermint gringos) y con una sucesión de planos visuales notable, que cimentaba la identidad de la imagen de la banda.

El resto de temas completan un disco monolítico por donde se le mire. Cada quien encontrará sus propias canciones favoritas, ya que el disco posee una buena diversidad de acercamientos musicales.
Como cima del catálogo de la banda, Elephant sería un disco difícil de seguir. El dúo intentó en el siguiente trabajo, Get Behind Me Satan del 2005, una propuesta distinta, pero que se sentía precocida. Se recuperaron con el Icky Thump del 2007, pero los fans que todavía esperábamos que el dúo repunte hasta alcanzar el nivel de Elephant nos quedamos en el aire dada su ruptura a comienzos de este año. Regresarán?. Mientras tanto, sigamos escuchando este discazo.

JEFF BECK GROUP - TRUTH

Este es un disco importante, sin duda, en el desarrollo de lo que conocemos como rock duro, hard rock o heavy rock. Resulta difícil pensar en la música heavy metal de hoy sin reconocer la influencia de los furiosos acordes de Beck, así como el incendiario tono de sus solos, la apasionada voz de Stewart y una aplastante sección rítmica.

Todo comienza en 1966, en Inglaterra. Los Yardbirds le habían dado un lugar preponderante a la guitarra en la estructura de sus canciones, beneficiando los acordes duros y los solos de guitarra protagonistas en los puentes, pero todavía se ubicaba en el campo del pop y blues rock. Cream había expandido el concepto de lo que la guitarra podía crear en un contexto de improvisación en vivo, y Hendrix aún más, sólo que ambos se dedicaban aún a rescatar las raíces de la música negra norteamericana y a fusionarla con la psicodelia de moda(Clapton tenía una fluidez extraordinaria en las cuerdas y Hendrix realizaba verdaderos viajes astrales).

El punto de partida del endurecimiento del blues rock fue el encuentro de dos gigantes: Beck coincidió con Jimmy Page en la última formación de los Yardbirds, y, si bien esta etapa fue corta, resultó fructífera para ambos. El concepto original del supergrupo de Page incluía a Beck como compañero en guitarra, así como a la increíble sección rítmica de los Who y a Steve Winwood, Steve Marriot y hasta a Donovan en voces y teclados. Beck, sin embargo, se fue por su lado, y se dedicó a escoger a su propia superbanda. Escogió bien: Rod Stewart jamás cantaría mejor. Su poderosa y rasposa voz blues le daba un toque dramático a la interpretación vocal en las canciones, beneficiadas asimismo por un genial Ron Wood al bajo(nunca debió dejar el instrumento), Micky Waller como una locomotora en batería, y, como la cereza de la torta, Nicky Hopkins, uno de los tecladistas de sesión mejor considerados del momento en Inglaterra.

El disco debut del quinteto, entonces, viaja por una serie de versiones de viejos clásicos del blues, así como una potentísima "Shapes of Things", donde Beck le saca mayor punche a los arreglos de una de sus mejores canciones en los Yardbirds. Las canciones originales son buenas y efectivas: "Let Me Love You" es un blues rock denso y galopante, similar a "Rock My Plimsoul". "Blues de Luxe" es una joya de más de 7 minutos donde se luce la capacidad instrumental sobre todo de Nicky Hopkins y el propio Beck.
Pero es "Beck’s Bolero"(cuya composición aún se la disputan Beck y Page) la que resultaría uno de los mejores momentos del disco. La delicada guitarra slide, la gran rítmica de Page(cuya típica orquestación de guitarras resulta evidente) se lucen en un ritmo de bolero básico, para cambiar de súbito a una segunda y monolítica segunda sección donde el bajo de John Paul Jones y la atronadora percusión de Moon(que sacudió su propio micrófono) se asemejan a un ritmo marcial.

Si se hace un paralelo con el otro gran disco de heavy rock de finales de los 60’s, el Led Zeppelin I, se destaca el hecho de que el Truth todavía se mantiene bajo una fuerte influencia blues, una primera viola más compleja y con fraseos varios, mientras que el disco de Zeppelin es el primero que orienta su composición hacia los riffs más pesados de guitarra, apoyados en percusión(pese a que el tono y distorsión de Beck es más agresivo que el de Page, con solos de mayor rigidez y estructura).

Bastaría con comparar sus versiones del clásico "You Shook Me" (la del Truth con una genial introducción de Hopkins) donde la de Zeppelin es más pesada y oscura, así como en su famosa Dazed and Confused. Podría concluirse, entonces, que The Jeff Beck Group dio el primer paso y Zeppelín evolucionó con esas bases.

En suma, hablamos de un disco redondo, con identidad propia, con canciones plenamente disfrutables y de calidad, y una piedra angular para toda una movida.

EL AMIGO QUE NUNCA FALLA (A MENOS QUE EL EQUIPO ESTE CAGADO?)

Para todos aquellos que aman la música, nuestra relación emocional con ella es plena y recíproca.
Por nuestro lado, cuidamos a nuestros discos como si fueran nuestras mujeres (u hombres): los limpiamos, los protegemos, les dedicamos gran parte de nuestro tiempo diario y tendemos a hablar de ellos con orgullo (y pedantería) frente a los demás.
Pareciera mucha atención otorgada pero, si analizamos a fondo, con las justas llegamos a corresponder.
La música SIEMPRE está allí. Siempre es poderosa; siempre responde a los estímulos correctos; siempre nos acoge; nos empila cuando andamos de buen humor; nos acurruca cuando estamos de malas. Incluso conozco el caso de un amigo al que una de sus álbumes favoritos le salvó la vida.

Pero este preámbulo es puro floro para contarles lo que en realidad me sucedía determinada época.

La vida había sido una mierda últimamente. Te sacas la mugre en doble turno de chamba para no ver frutos (retraso en los pagos, cabeceadores, clientes sin sesos) tus amigos de carne y hueso no aparecen; has tenido alguna bronca en la calle; pierdes tiempo valioso, pues te han obligado ir a determinado compromiso porque "NO PUEDES FALTAR" (odio esa frase)...pero sobre todo, uno de tus familiares más queridos se encuentra en muy mal estado de salud.

Casi todo esto me sucedió la última semana de Diciembre del 2010 y han habido días donde coincidían casi todos los síntomas.

Hay momentos en que dan ganas de abandonar el barco.

La noche de aquél Lunes fue la peor. Nisiquiera pude trabajar (bendición para algunos) por circunstancias ajenas. Estaba extremadamente ansioso y deprimido a la vez. Son los momentos en que te encierras en tu cuarto con la pc encendida y quisieras meterte a la pantalla para entrar a otra realidad y escapar.

Al principio, no reaccionaba...atinaba a los actos más básicos del ansioso: comer desmedidamente, miraba a un punto X sin razón aparente, empezaba a escribir un artículo y lo borraba al instante, hacía zapping en la tele sin parar (5 vueltas completas, mi récord personal)...hasta que recordé que tenía discos, un equipo y parlantes.

Me decidí por uno de mis 5 discos favoritos: el 'Made In Japan' de Deep Purple...pero su potencia y caudal sonoro me quitaban el balance. Entonces, siguiendo con mis favoritos agarré el 'Thick as a Brick' de Jethro Tull. Aquella inolvidable intro acústica, la flauta traviesa y en general su calidez instrumental me transmitió el calor necesario para relajarme. Poco después colocaba el maravilloso álbum debut de The Doors y su misteriosa, hipnótica atmósfera me abstraían aún más de mis problemas. El viaje estaba casi terminado, ahora esa cuestión de fundir esa dimensión alterna con el plano terrenal...cogí el 'Ritual de lo Habitual' de Jane's Addiction y su mezcla de perversión mundana con espiritualidad pagana me daban la fuerza para afrontar los problemas con ironía y suficiencia...regresando al 'Made In Japan' (ya listo para semejante cañonazo heavy) empecé a imitar a Blackmore en el solo de "Highway Star sobre mi cama y terminé el itinerario con el 'Appetite for Destruction' de Guns N' Roses...carajo que me solté las mechas, agarré una escoba y me creía Slash en el estadio de los Yankees en 1988 eyaculando notas con el solo final de "Paradise City" (como en la foto de abajo XDDDD).

Yo había llegado a las 6:30 pm a mi casa derrotado....y a las 11:00 pm salí a la calle dispuesto a destruir estrellas con los puños. Sólo bastó con recurrir al amigo más fiel.

Fue una noche completa, debo confesar...y regresé feliz, dispuesto a susurrarle a mi almohada mis hazañas (pueden reírse, si quieren) pero antes quise poner otro disco...EL HORROR...la lectora de cds se había malogrado. Hay gente que sobrevalora la alta fidelidad, las ediciones de super audio y demás frutas...las huevas, al amigo se le escucha siempre. No digo que la cosa es recíproca?





A duras penas, alcoholizado y muerto de sueño Me traje al cuarto el minicomponente de la sala y puse el 'Wednesday Morning 3 AM' de Simon & Garfunkel (ese dúo que aparece en la puerta de mi clóset en la foto de arriba), el cual me hizo dormir como un bebé, recordando aquellos lindos días de 8 años antes, cuando recién descubría la música y pasaba días enteros sin pensar en nada más, encerrado en mi mundo.

Es cierto que para el 2010 otras cosas ocuparon espacio en mi vida (trabajo, pareja, etc...) pero la amistad perdura aunque no haya un contacto directo constante...como leí en algún lado, el plástico es eterno...y es una suerte que mis 800 amigos sean de plástico.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

ALICE IN CHAINS

Los inicios de los '90s fueron tiempos interesantes para la llamada Generación X. Miles de chicos habían quedado atrapados dentro de los límites comerciales del rock que fuera popular en los '80s. La escena subte era, muchas veces, impenetrable.
Por lo tanto, la necesidad de una banda que pudiera brindar un mensaje trascendental pero, al mismo tiempo, permitir a los fans el poder cantar sus canciones como himnos generacionales, era urgente. Cuando Nirvana y Pearl Jam se convirtieron en las voces del movimiento alternativo parecía que, finalmente, la música tenía un manifiesto de nuevo.

Pero algo faltaba. Algunos aficionados necesitaban mayor sustancia. Un enfoque de mayor masividad y un acercamiento más personal con la música de sus ídolos.

Ese nicho particular fue llenado cuando Alice In Chains llegó. Resultaba irónico, dado que fue la primera de los Seattle Big Four en cimentar un lugar para el grunge cuando el vídeo para "Man In The Box" tuviera mediano éxito en el aire en 1990.
Con el formidable tándem compositor de Layne Staley y Jerry Cantrell, AIC fusionó la oscuridad y desolación del sonido de Black Sabbath con la agresividad y postura contestataria del punk, desarrollando un sonido poderoso, lóbrego y claustrofóbico, con armonías vocales tan dolorosas y profundas que te ponían la piel de gallina.

La mayoría se identificaba con las letras depresivas y suicidas de Cobain, pero las composiciones de Staley eran aún más tristes y peligrosas. Él ya parecía cantar desde el más allá. Ya no se encontraba en una encrucijada. Ya había tomado un camino y nos decía adiós por medio de sus canciones. Por contraparte, el trabajo de guitarra de Jerry Cantrell era el complemento perfecto. Con una virtuosa oleada de acordes y solos y un sentido sumamente versátil para la construcción de melodías y arreglos, su guitarra le daba un valor agregado a las tortuosas letras de su compa, así se trate de un riff monstruoso o un hermoso arpeggio acústico.

La gente aún los adora hoy en día (no olvidar el gran éxito de su álbum regreso sans Staley). Pero, a fin de cuentas, qué adolescente noventero no lo haría? If I Would Could you?
RIP Layne Staley.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

TALKING HEADS

Llamada en alguna ocasión "la mejor banda americana de los 80s" este cuarteto ciertamente hizo mucho para merecer tal mote.
A mediados de los 70s, el cerebral y excéntrico enfoque musical de David Byrne encontró al fin un rincón confortable en la compañía de otras 3 personajes notables: el dinamismo puro y absurdo del dúo compuesto por el gran Chris Frantz y la irresistible Tina Weymouth en la sección rítmica se complementaba fácilmente con la virtuosidad guitarrera y en los teclados del ex-Modern Lovers Jerry Harrison. Ellos desarrollaron un sonido angular, nervioso y psicótico, ahorrativo pero con sumo cuidado en los detalles que los convirtió en una de las bandas wave y post-punk con mayor personalidad y uno de los tempranos engreídos de la CBGB.

3 años después habían abandonado progresivamente este sencillo pero extrañamente efectivo sonido en favor de una especie de torbellino rítmico que fusionaba a la perfección la estética musical blanca con la negra y que incluía no menos de 8 miembros extra cuando subían a un escenario, donde sus performances eran tan funky que parecían un desafío directo al propio George Clinton. En la época de rescate de la llamada "world music" destacaron con luz propia y hasta se dieron el lujo de marcar las pautas para el regreso de nada menos que King Crimson (Adrian Belew era uno de los músicos invitados a los shows y sesiones de los Heads)

Luego, cuando la estrella new wave empezaba a declinar, los Heads empezaron a incorporar estructuras cada vez más pop a sus canciones pero sin comprometer su identidad. En el proceso, lanzaron el arquetipo de las películas basadas en conciertos (Stop Making Sense) y muchos singles que fueron no sólo populares, sino brillantes.

Con un apetito insaciable para innovar, los Talking Heads tuvieron éxito en experimentar de forma accesible pero con la consigna arty y un sello peculiar que los convirtió en una de las fuerzas definidoras de la música de toda la década de 1980 y uno de los pocos grupos pop de esa década en continuar vigente y tremendamente influyente hasta hoy.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS

GUNS N´ROSES

Por qué es Guns N' Roses mi banda de rock favorita de todos los tiempos? Bueno, tendría que remontarme a 23 años atrás, justo en el momento en que salió al aire, por primera vez en la TV peruana, el vídeo de "Sweet Child O' Mine", una rockera canción de amor por la nueva sensación salida de Los Angeles.
Mi hermana mayor era una gran fan de todas las bandas de glam metal que sonaban en aquél tiempo (quería casarse con Bon Jovi, según recuerdo :S) y me incentivaba a escucharlas con ella, hacer "air guitar" juntos en el patio trasero de la cas y comprar pins, polos y toda esa mierda que no apreciaba tanto a la tierna edad de 6 años.
Lo que sí llegué a apreciar plenamente fueron los escalofríos que me produjeron el solo de guitarra y la performance vocal de la canción. Pese a ser sólo un niño, ya sabía que esta banda era diferente a los demás. Una banda especial. No tenía la menor idea del mainstream rockero hacia inicios de 1988, así que Guns N' Roses era la única banda que acaparaba mi atención. Fue el grupo que me introdujo al rock, el que me enseñó que los hombres con pelo largo no ncesariamente eran gay o afeminados, tal como te lo indicaba la sociedad retrógrada local. Era una agrupación diametralmente distinta a todos los pueriles, aniñados Kiss wannabe que colmaban al MTV de entonces.
Tristemente, nunca me volví un melómano en el colegio. Estaba más interesado en juegos de mesa, de video, en chicas y deportes. El primer contacto había sido hecho, pero eso fue todo.

Once años más tarde, habiendo eludido todas las modas musicales, decidí gastar mis ahorros navideños en mis primeros CDs. Entre ellos estaba Appetite For Destruction. Esa noche puse el disco en el equipo y no abandonó ese nicho por semanas. Un nuevo horizonte se abría frente a mis ojos. No lo entendí bien en el momento, pero de repente sentí una desesperada necesidad de destruir todo, mear en la calle, atacar a los tombos y tirarme a docenas de chicas sólo porque sonaba de la puta madre. SU música es ASÍ de poderosa, y no está basada en el sombrero de copa de Slash, los lentes de aviador de Axl, el guardarropa gitano de Izzy, la vincha punky de Duff o la chiflada sonrisa de Steven. La portada del álbum era tan sugestiva: cinco calaveras a manera de cruz que revelaban el la naturaleza honesta y cruda de la música contenida, la cual representaba el soundtrack más brutal del inferno urbano. Siendo, sin duda alguna, los embajadores por excelencia del Skid Row, la decadencia de la Ciudad de los ángeles no era exclusiva: las 12 historias de ira, resentimiento, apatía mundana, sexo animal y todo tipo de perversiones presentes en el Appetite podrían compartir espacio, al mismo tiempo, con las declaraciones de amor más sinceras. Es tan representativo de la naturaleza humana que resultaban tan inquietantes como adictivas. Porque Guns N' Roses es una droga. Esa fue la noche que descubrí por qué el rock 'n' roll significaba tanto para tanta gente. Poco después ya tenía la discografía completa y, aunque ninguno de los otros discos producían un impacto emocional como el Appetite, tú tenías que usar tu ilusión (Use Your Illusion) para poder ver a través de todas las mentiras (Lies) de la industria discográfica y entender por qué el sonido de GNR produjo tal impacto comercial. Era porque dicha industria necesitaba desesperadamente una patada en el culo en 1988, pero también, simplemente porque la música de la banda era genial.

Y 22 años después, yo aún viajo hacia Paradise City con el Nightrain, en mi Locomotive, empapado por la November Rain mientras que sigo Estranged de mi Michelle. Y Back Off Bitch, Don't Damn Me. You Could Be Mine, sé que tú estás Out 'ta Get Me, It's So Easy el Get in the Ring contigo, pero tú eres solo otra Rocket Queen, You Ain't the First, sólo eres One in a Million, eres sólo Dust N' Bones. Así que Don't Cry, Move to the City y no comiences una Civil War, ya que yo simplemente me quito a The Garden (of Eden) con mi eterna Sweet Child O' Mine.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS

BLACK SABBATH

Black Sabbath.
Carajo, hasta el nombre le darían escalofríos al novato.
Hablar de Black Sabbath es contar la historia completo del género musical favorito de Satán. Un enorme riff después de otro, los Sab no solo se convirtieron en la fuerza definitoria de un género completo, sino en la banda más influyente de todos los tiempos, sólo por debajo de los Beatles. E incluso eso puede discutirse.

Surgiendo desde el sombrío, industrial Birmingham de finales de los '60s, todo el asunto empezó el día que Tony Iommi laboraba por última vez en su viejo trabajo en una fábrica metalúrgica ... las circunstancias pueden sonar banales en principio, pero después de procesar su interminable capacidad "riffica", uno se pone a pensar si es que la máquina que le cercenó 3 de sus falangetas también tomó posesión de su alma ese día. Su lóbrego, claustrofóbico sonido guitarrero no sólo era inédito en su tiempo, sino que transmitía fielmente la mecánica y oscuramente monótona naturaleza de su medio. La combinación de este sonido con las demenciales performances vocales de Ozzy Osbourne, en conjunto con una temática lírica plena de magos y demonios fue el catalizador del heavy metal.
Por supuesto, no debemos olvidar a la poderosa sección rítmica: Las insanamente graves líneas de bajo de Geezer Butler proveían la cimentación necesaria para el apoyo de las melodías, mientras que la batería de Bill Ward, compleja y precisa, encapsulaba el fondo industrial donde la banda creció. Encima de todo esto, el redescubrimiento del malvado tritono – supuestamente prohibido en tiempos medievales - le dio a la banda un sabor "vintage", una interpolación de atmósferas del pasado y el futuro que los hizo únicos. Heaven and hell.

En una década marcada por sonados escándalos socio-políticos y represión generalizada, recordada por sus icónicos filmes de terror y el pico de la decadencia y excesos en el rock 'n' roll, los Black Sabbath produjeron la banda sonora y se ganaron su lugar como los reyes indiscutidos del rock pesado, expandiendo su influencia sobre incontables bandas por los siguientes 30 años.

El "Prince of Fuckin’ Darkness" y compañía hicieron un pacto con el Cornudo. Si no, explíquenme por qué su sonido es todavía tan relevante hoy como lo fue en 1970, sobreviviendo al movimiento punk y al odio de los críticos, o por qué miles de jóvenes bandas aún veneran álbumes como 'Paranoid' y 'Master of Reality' en proporciones alarmantes.
Será quizá porque son los Lords of this World???

HUSKER DU - NEW DAY RISING

‘New Day Rising’ es la segunda obra maestra de Husker Du, y el comienzo del abandono del formato hardocore por parte del trío de Minneapolis.

Las diferencias con su fantástico antecesor, Zen Arcade, son varias y se dan en distintas aspectos de la grabación.

Por ejemplo, el número de canciones se ha reducido, por lo que ganan mayor individualidad. Esto también se ve favorecido por la inclinación de la banda por un enfoque más melódico que en sus trabajos anteriores. Asimismo, el estilo de los 2 compositores de la banda, Bob Mould y Grant Hart, se ponen en evidencia y se complementan mejor.
Si en ‘Zen Arcade’ existían un “Something I learned Today” o un “Never Talking to you again", aquí existe un mayor número de temas a destacar, como la bulliciosa aunque pegadiza "Girl Who Lives on Heaven Hill” la poderosa en extremo "Terms of Psychic Warfare” o la perfecta canción de cierre “Plans I Make”, entre otras.

Otro tema importante es la producción. ‘New Day Rising’ es, definitivamente, un disco menos ambicioso que el anterior, pero uno de sus mayores aciertos es la mayor claridad sonora de sus detalles. Aquí no existe tanta variedad musical, no hay un monstruo experimental como “Reoccuring Dreams”, ni tampoco experimentos con el folk, pero pese a la mayor convencionalidad de la propuesta, la producción del disco favorece la lectura de su sonido como un todo y por partes.
La riqueza del sonido se hace más evidente, como por ejemplo los inmortales primeros acordes de "New Day Rising", cuyo oleadas de distorsión se confunden entre lo etéreo y lo tangible. El vértigo de las interpretaciones resulta mucho más claro, se sienten los rasgueos, mientras que la terrífica sección rítmica recibe mayor peso específico.

Finalmente, al carecer del concepto unificador de su predecesor, existe una mayor libertad para procesar cada canción. Por ello, la mayoría de temas de ‘New Day Rising’ no sólo sobrepasan los 3 minutos, sino que ya responden una estructura más accesible, como la fabulosa "Celebrated Summer". Esta joya ya presenta una verdadera introducción; una furiosa sección central, donde la fuerza interpretativa se contrasta con el melódico trabajo vocal y cromáticos riffs; una pausa de inéditos arpeggios, y una inesperada progresión de acordes a manera de coda. Y es precisamente este tema, en particular, el que indica la dirección que seguiría la música punk y el rock alternativo. Al descontrol del hardcore se le imprimen fuertes sensibilidades pop que matizan el efecto y facilitan su expresión. Muchas bandas de pop-punk y grunge bebieron de las fuentes de éste disco. El año es 1985, y sin embargo ya predecía el futuro musical de toda la década siguiente.

Es por todas estas razones que ‘New Day Rising’ es uno de los referentes definitivos de la escena underground y college rock de mediados de los 80’s. Aunque no llega a ciertos picos musicales del ‘Zen Arcade’, el impacto es mucho más directo, y representa la cristalización de más de 10 años de lucha por la certificación del punk rock como un estilo viable.
Si con ‘Zen Arcade’ la banda parecía ser capaz de todo, ‘New Day Rising’ es la confirmación y la puerta abierta para los no iluminados.

HAWKWIND - SPACE RITUAL

El space rock es un género que no he explorado a plenitud. Apenas conozco los primeros trabajos de Pink Floyd, UFO, Gong, y más recientemente, algo de Spacemen 3 y Mercury Rev.
De la primera oleada, Hawkwind labró su lugar como banda arquetípica del rock espacial, regalando festivales gratuitos(como el que ofrecieron a las afueras del Festival de la Isla de Wight de 1970) donde la increíble sensación de amplitud del espacio-tiempo y profundidad de sus canciones se veía reforzada por un trabajo audiovisual notable y por la ingesta de todo tipo de drogas, lo cual embarcaba a la audiencia a un extenso viaje colectivo por varias dimensiones, sin descanso, por más de hora y media.

Y el documento definitivo de estas largas sesiones de hipnotismo es 'Space Ritual' de 1973.
Sónicamente no es complicado definirlo. Dominado por una incesante y difusa cadencia de batería, bajo, guitarra y voces(sí, la voz es un elemento rítmico aquí), la cual sirve de cimiento para los acentos psicodélicos de los teclados, saxos, flauta, letras, entre otro efectos especiales, el álbum se separa en varias piezas que parecieran estar unidas desde siempre, sin pausas, bajo un halo de difusión que se hace un tanto extenso por partes, pero que no llega a perder su fuerza tras sus casi "88 minutos de daño cerebral"

Dadas las características del disco, no hay "canciones" que verderamente resalten sobre las demás, aunque algunos pasajes de "Born To Go", "Space is Deep" y "Orgone Accumulator" sean destacables por su elasticidad sónica y por ser los temas más extensos, lo que los convierte en una especie de escalas dentro de toda la travesía.

Aunque la sensación verdadera de dicho espectáculo sea complicada de imaginar, 'Space Ritual' la traduce con gran efectividad en un cd doble, y su portada resulta más que sugerente. Pero si se desea un acercamiento mayor, la nueva edición viene con un dvd, por lo que la experiencia resulta casi completa. Sólo te falta un pequeño cóctel de LSD y su respectivo troncho.

Nota: Para los fanáticos de Motörhead y de Lemmy, aquí no hay ningún "Ace of Spades"

OS MUTANTES - OS MUTANTES

El disco debut de Os Mutantes es lo que yo suelo entender como una "locura linda"
Y es que el disco entero pareciera una celebración. Una celebración por los tiempos de libertad musical e ideológica, del redescubrimiento de la cultura musical local y finalmente, una celebración por la perfecta química entre los miembros del trío (entre los cuales figura una novel Rita Lee).
Y es que resulta difícil no captar una lectura tal. Cada nota musical, cada sílaba, cada compás no sólo pareciera hecho con amor sino con una sonrisa de oreja a oreja.
Y resulta aún más fascinante y espontáneo por el hecho de que sus integrantes eran unos completos novatos en el campo instrumental.
El disco, en primera instancia, fusiona la psicodelia de Los Angeles (la más atrevida de la Costa Oeste) con los ritmos tribales y bailables del glorioso Brasil de los sesentas, justo en el boom del tropicalismo. Llevada a la práctica, esta fusión resulta inmejorable, dadas las enormes posibilidades de improvisación que ambos estilos sugieren.
El álbum arranca con “Panis et circenses”, un tema bastante sui generis, que, sin embargo, vence a los Beatles en su propio juego, logrando un cuadro lúdico demencial, el cual se somatiza pese a que nuestros cuerpos se resistan en un inicio. “A minha Menina” es una preciosa canción de samba con dulces coros contrapuestos a acentos lisérgicos y distorsión que no le envidiarían nada al Zappa de 1967-68. “Bat Macumba” es un alocado y contagioso ejercicio de disonancias, mientras que “Tempo no Tempo” resulta inclasificable pero genial.
Y así, tema tras tema se suceden, completando la representación áurea del país de origen. Representación que resulta mucho más honesta en su organicidad, dada la naturaleza exuberante y generosa del país del Maracaná, el Carnaval y la cachaça.

MEGADETH - RUST IN PEACE

Agregar algo a lo que muchos han dicho de este clásico se me hace un poco ocioso...pero me esforzaré en darle la mejor perspectiva posible a mis palabras.

Megadeth(o Megadave, como prefieran uds.) era una de las bandas líderes del movimiento thrash metal en los 80's, pero siempre guardó el estigma de estar a la zaga de Metallica.
En teoría, esto no debería pasar, ya que Mustaine participó en la composición de muchas de las mejores canciones de su ex banda, y su nivel instrumental era altísimo, al igual que el de los músicos de los que procuró rodearse desde un principio(quizás haya sido el tono demasiado nasal de su voz, quién sabe)

Habiendo cubierto el tema compositivo y musical de las capacidades del buen Dave, sólo quedaba 1 posibilidad: Las drogas y el alcohol, el mismo motivo por el cual fuera expulsado de Alcoholica.

Hacia 1988, año del lanzamiento del poco uniforme 'So Far, So Good, So What', Mustaine estaba en su peor forma física.
Para poder continuar su carrera(y seguir vivo) debió limpiarse el organismo. Una vez rehabilitado, puso en marcha su proyecto más ambicioso. Contrató al excepcional Nick Menza en batería y al guitar-hero Marty Friedman para la primera viola. La formación se completaba con el consistente Dave Ellefson al bajo.

Una vez limpio y con su banda completa, es cuando Dave tuvo la capacidad de componer a sus anchas y expander las fronteras del sonido que él y Hetfield habían desarrollado. Y 'Rust In Peace' sería, entonces, el álbum que compensaría con creces todos sus esfuerzos y privaciones. Justo premio para un genio incomprendido que luchó contra todo y contra todos.

Musicalmente, estaba a años luz de cualquier cosa que la banda hubiera compuesto antes. También estaba un escalón más arriba en el nivel de complejidad comparándolo con los trabajos de sus contemporáneos.
A la tremenda potencia del trabajo rítmico del thrash, se agregaron unos cambios rítmicos frenéticos, con una precisión que asusta. La interpolación de las guitarras en los solos y los acordes es cosa de arte, así como perfecta es la matemática de la sección rítmica. La capacidad de contrastar potencia con virtuosidad, rabia con neuronas, es el gran aporte del disco.

Ya no era sólo cosa de "más fuerte, más rápido, más agresivo" Esto es música cerebral, con mayor oxígeno en las secciones instrumentales y los arreglos, pero sin perder la urgencia en ningún momento.

Pruebas? Basta con que escuchen el casi computarizado riff de apertura de la inmortal "Holy Wars... The Punishment Due", el solo apocalíptico de "Tornado of Souls", la bestial precisión en los cromáticos riffs y solos de la legendaria "Hangar 18" o la controlada agresividad de "Take No Prisoners". Furia intelectual.
Resulta increíble que con la cantidad de elementos, arreglos y detalles el disco no suene exagerado, sobrecargado. En ningún momento pierde su capacidad melódica, incluso dándose el lujo de recurrir a influencias musicales del medio oriente y de darle un aire mecánico, tecnológico al conjunto.
Rust In Peace es un álbum exacto, así de simple.

Luego del lanzamiento de este disco, Megadeth ya nunca más estaría a la zaga de Metallica o de nadie más. Todo trabajo que lanzaron desde ese momento fue un acontecimiento y fue incluído entre los top de las listas especializadas (exceptuasndo el Risk, sabihondos), superando por lejos a su sombra negra.

Si se cuestionara la validez del hecho, bastaría con entender que 'Rust In Peace' no sólo marcó el cierre de toda una década, resumiendo todos sus conceptos y perfeccionándolos, sino que desarrolló una propuesta concreta para afrontar la siguiente.
No es casualidad que todos los trabajos más ambiciosos de metal extremo se lanzaran a partir de 1991.
Quien quiera quejarse, está un poco tarde. Mustaine ya puede dormir tranquilo desde hace 18 años.

X - LOS ANGELES

De lejos, mi álbum favorito del punk de todos los tiempos.
Los Angeles, tal como su nombre lo indica, es uno de los mejores y mas fieles homenajes que se la hayan hecho a la ciudad.

A lo largo de sus 9 surcos(incluyendo su excelente cover de Soul Kitchen) X redacta el bestiario del gran monstruo de 1000 cabezas, detallando el lado lóbrego de una ciudad llena de vicios, decepción y decadencia. Y vaya que su manifiesto no es solo lírico, sino tambien musical.

El que Ray Manzarek este ocupando la silla de productor no es casualidad, ya que no existía mejor banda que le tome la posta al cuarteto más legendario de California.
Su hipnótico trabajo de teclados, esparcido en temas como Nausea o la legendaria Johnny Hit & Run Pauline, se amalgama a la perfección con el flexible y divertido dueto vocal de John Doe y Exene Cervenka, los cuales juegan con tonos y melodias como les da la gana, generando una dinamica irresistible; en especial en el tema del título, donde los furiosos y constantes cambios de ritmo y acordes, así como el "call and response" en las voces, provocan en tu cuerpo una inevitable sensación de poguear, como ningún otro album del genero puede lograr.

Los Angeles llegó despues de que el punk muriera como movimiento, pero demostró que la música cerebral y visceral no es patrimonio exclusivo de la costa este, y que en la tierra de las calabacitas reposa el mejor talento.

KING CRIMSON - DISCIPLINE

Favorito de muchos fanáticos de King Crimson, 'Discipline' es un disco que sorprende por el grado superlativo que poseen todos sus componentes. Se le mire por donde se le mire, es un disco redondo.
Dicho esto, voy a cambiar el formato usual de mis reseñas y colocaré, punto por punto, el por qué considero a este monumento el segundo mejor disco del Rey Carmesí, y uno de los 10 mejores álbumes de los 80.

A) Tomando en cuenta que éste album es el retorno de la banda luego de 7 años, resulta increíble la solidez que posee como unidad musical. Ninguno de sus 7 temas está de más, y los highlights abundan como en pocos otros discos. Canciones como la cósmicamente funky "Elephant Talk", la imposiblemente polirítmica "Frame by Frame", la sublime "Matte Kudasai", el furioso caos controlado de "Indiscipline" y la virtuosidad excéntrica de "Thela Hun Ginjeet" son para resaltar.
Van 5 de 7, no? Por qué no mencionar el resto? Por qué no mencionar la texturada delicadeza de "The Sheltering Sky" y la atmosférica canción del título? Por qué no rendirse al homenaje y decir que todas las canciones son excelentes?
Por qué sí?
Porque se lo merece.

B) Siguiendo la orgullosa tradición de Fripp de transformar y dar evolución a su criatura, ésta nueva encarnación del grupo desarrolla un concepto sónico diametralmente opuesto al de la última formación de 1974. Su propuesta ya no se basa en las influencias del jazz, sino en las angulares cadencias funky del período 78-83. Aún así, el sonido está perfectamente logrado y sigue siendo reconocible.

C) Añadiendo lo dicho en el punto anterior, debo recordar al lector que K.Crimson es una de aquellas bandas donde los aportes individuales resultan igual de importantes que el conjunto. Y tomando en cuenta el nivel de los integrantes, y que se trata de un cuarteto casi nuevo(Fripp y Bruford se mantienen) es más que una proeza el haber sabido combinar los ingredientes y brindar un plato de 5 tenedores.
Sólo el haber tenido los huevos de incluir a un "bajista" como Levin, el cual utiliza el stick(¿¿¿????) como punto central en muchos momentos del álbum es suficiente. Pero si a eso le añadimos el interminable intercambio de la guitarra futurista de Belew y la creativa -hasta niveles intolerables- guitarra de Fripp, y atreverse a apoyar dicho conjunto en la caja de ritmos humana que es Bruford, entonces mejor cerrar la boca y asentir a todo lo que yo diga aquí.

D) Nuevamente haciendo mención al punto B, afirmo que K.Crimson no es una banda que se someta a las concesiones comerciales de la época. Sin embargo, pareciera -en la superficie- que la movida new wave hubiera impactado en cierta medida en la concepción musical del guitarrista. La producción es brillante y plena de reverb y espacio.
Pero el genio de Fripp no parece tener límites en cuanto a saber sacar provecho de los elementos. Los complicadísimos arreglos se benefician por dicho trabajo de estudio, como la línea rítmica del bajo en "Elephant Tack", la guerra de guitarras en "Frame by Frame", las recitaciones de Belew en "Indisciplice" y el absoluto bacanal de layers en "Thela Hun Ginjeet" son buenos ejemplos. Los admiradores del rock progresivo podían mirar de tú a tú a los new wavers y 'Discipline' era su carta de presentación.

Para concluir, creo necesario decir que 'Discipline' no sólo es materia obligada en las discotecas de cualquier conocedor, sino también de cualquier fan que está en la primera fase coleccionista.
Una banda sólo se conoce bien si uno se documenta sobre todas sus facetas. King Crimson es un grupo de muchas etapas, cierto, pero ninguna de ellas está tan bien definida como la que nos presenta 'Discipline'.
Pierde el miedo, y gozarás de un viaje inigualabale.