lunes, 5 de agosto de 2013

IGGY & THE STOOGES - RAW POWER



El año es 1973. Por aquél tiempo, el movimiento hippie era cosa del pasado. Artística y comercialmente hablando, los grupos británicos de rock pesado y el Arena Rock americano en su fase embrionaria eran las fuerzas dominantes del rock n' roll. Era también el momento en que la música pop se iba a convertir de forma definitiva en un fenómeno corporativo, con festivales enormes y altamente rentables por todos lados. Para alguien que adoraba su rock n' roll conciso y rabioso, tal cuadro era una pesadilla. Todos se esforzaban en dotar su música de los elementos más ambiciosos y "serios" posibles.

Y fue en ese contexto gris en que 'Raw Power', el tercer y último álbum de la primera (y la única!!!) fase de la "carrera" de los Stooges fue lanzado. Si el LP hubiera sido publicado unos 10 ó 15 años después hubiera sido un hit definitivo en la escena subterráneana e incluso ingresado a las listas angloparlantes. 

El álbum lo tenía todo. La naturaleza monstruosa y contestataria de la banda, un sonido más directo (si eso es una posibilidad) y, más importante, capacidad compositiva.

Ya desde el inicio, la atemorizante “Search and Destroy” demuestra que la banda no está jugando. Difícil encontrar una canción más ruidosa, furiosa o anárquica del periodo, o de cualquier otro periodo para tal caso. James Williamson puede que no sea un guitarrista tan idiosincrático como Ron Asheton, pero era un bullero y salvaje hijo de puta. Sus violentos riffs y fraseos se asemejan a un caos apenas controlado que se complementan con los aullidos apocalípticos de Iggy Pop, pero la intensidad del volumen es demasiado perturbadora como para dejarla de lado.
Especialmente si está diseñada para fortalecer el mensaje de la performance.
La canción del título es otro buen ejercicio de poder crudo, mostrando una arrogancia desvergonzada por la que cualquier otra banda mataría. Lo mismo se puede decir para la bestial “Your Pretty Face is Going to Hell". 

Pero no nos olvidemos que, incluso en su gloriosa estupidez, The Stooges siempre guardaron un poco secreto lugar para sutilezas. Basta con darle una escucha a la misteriosa línea de teclado en “Penetration”, el sabroso blues de "I Need Somebody" o los acordes bajos y dolorosa interpretación vocal de Iggy en la oscura joya central “Gimme Danger”, los cuales sirven como disfraz de una de las secciones de bulla blanca más ensordecedoras de todos los tiempos. La línea "There's nothing in my dreams, Just some ugly memories” es especialmente sombría.
La banda es fuerza bruta y primitiva, sí, pero sorpresa! tenían cerebro.

Sería ocioso describir lo influyentes que resultaron estos peligrosos 32 minutos para tanta gente. Con sólo nombrar a los Sex Pistols, Guns N’ Roses y los Melvins(o creías que "Snake Appeal" no era un guiño a "Shake Appeal"?) debería ser suficiente.
Raw Power nunca ingresó a las listas o se volvio una entidad commercial viable, pero nunca necesitó serlo.

Ahora, ve y cómpralo inmediatamente. Colócalo en tu equipo al máximo volumen posible y presenciarás un verdeadero “Death Trip".

Ah, otra cosa. Asegúrate de conseguir la version remix de 1997 de Iggy Pop. Esa es la versión que te asegurará la experiencia completa, de la manera correcta.

sábado, 23 de marzo de 2013

TESTAMENT - THE GATHERING

 
Luego de casi 15 años, la gran banda thrash que nunca llegó al estrellato finalmente terminó con la búsqueda.

Continuando con el extraño juego de besitos entre miembros de Slayer, Death y Testament, es entonces que en 1999 la "banda" de Chuck Billy y Eric Peterson finalmente encuentra un ensamble adecuado para la enorme suma de talentos.
No contentos con añadir a notables músicos de metal extremo como el bajista Steve Di Giorgio y el violero James Murphy, Testament se da el gusto de incluir al mejor baterista del thrash, Dave Lombardo.

Y los rumores pagaron con creces. Sería mezquino no atribuir a la presencia de estos 3 all star al éxito que el estupendo 'The Gathering' logra consolidar. Y es que aquí hablamos de una obra musical integral, donde el conjunto y los componentes son igual de importantes.
El disco es bestialidad pura, con una sección rítmica endiablada en la velocidad, cambios y punitiva potencia. Lombardo da una nueva clase de cómo manejar el doble bombo y el snare con sencillez pero con una encegadora precisión, mientras que el bajo pareciera explotar a través de los parlantes. A esta base se suma la perturbadora masa sónica de las guitarras, las cuales se debaten entre cromatismos sonoros y refuerzo de lujo de la rítmica. La performance vocal de Billy es notable, encontrando un punto medio exacto entre thrash y death, con los cojones del primero y los intestinos del segundo.

Highlights? Todas, ja, pero si desean introducciones, consíganse "Down for Life" dueña de unos riffs thrash de una dinámica inédita desde "Creeping Death" de Metallica. El trío de "Legions of the Dead", "Careful What You Wish for" y "Riding the Snake" es impagable en el impacto que genera el sonido en el escucha. No he sentido tal intensidad y furia en el metal extremo clásico desde que Slayer lanzara Reign in Blood. Y lo mejor de todo es que es música bien hecha, con coherencia, sin abusar de la potencia porque sí, incluyendo algunos momentos de oxígeno y luz en el conjunto. No hay desperdicio.

Testament despidió su década negra de la mejor manera.
Para aquellos ya iniciados en la banda, el presente álbum es de materia obligada. Para los que no la conocen, no es la mejor introducción, pero no lo descarto como opción para quien desee escuchar un disco de puta madre y se olvide de nombres o estilos.                                    

miércoles, 10 de octubre de 2012

BUENOS MUCHACHOS - UNO CON UNO Y ASÍ SUCESIVAMENTE



Recibì este disco el año 2007, a raíz de una recomedaciòn que me hizo un amigo uruguayo de un foro. 
Temìa (y mantengo dicho temor sobre los discos de bandas latinoamericanas) el toparme con una producción deficiente, falta de personalidad y tendencia a lo seguro, a la emulación de bandas anglosajonas, las cuales suelen dictar las tendencias de la música popular. 

Por otro lado, de rock uruguayo no sè ni papa. Los Shakers, La Vela Puerca y poco màs. Era una base muy endeble. Sobre todo si te aventuras con un álbum del 2006.

La portada era buena, lo cual era un plus. Aùn excèptico, coloquè el disco en la lectora y desde el primer momento, Uno con Uno….me dio una grata lecciòn. No hay desperdicio, no hay excesos y los detalles están muy bien dosificados. 

Es un sonido fresco. Tiene punche, huevos pero la suficiente delicadeza para contraponer lo onírico y lo visceral en gran forma. Las melodías suelen ser muy bellas a través de sus múltiples expresiones, ya se trate de un arpeggio, un acento de cuerdas, trazos de feedback guitarrero o arreglos de vientos. La producción es notable y le brinda expresión al trabajo vocal, a la vez que personalidad (tiene un regusto rioplatense claro) y tiene un gran sentido de la tensión y dinámica musical, ya sea en una canción o en la misma secuencia de los surcos. 

Y es esto último lo que hace a Buenos Muchachos una buena banda. Si bien las canciones tienen el defecto de no ser realmente memorables, una vez que el disco gira en el equipo, nunca aburre y te mantiene pendiente. Hay variedad y sorpresa. Se manejan entre punk, folk y rock sinfónico como jugando. 

En aquèl tiempo, me había interesado por el shoegaze, el noise rock y el no wave. Fue una exploración bastante superficial, debo decir, pero el gusto por la música independiente, con guitarras profundas, carencia de ganchos fáciles y gusto por las texturas sònicas me facilitò las cosas para la lectura del álbum. 

Hay influencias aparentes emparentadas con los estilos citados arriba. Por ejemplo, los rabiosos rasgueos de "Y la nave va" te recuerdan a Sonic Youth. "En la nada" y "Lengua distorsión" denotan la idílicas melodías que los Smashing Pumpkins y Yo la Tengo solìan imprimir en sus guitarras a inicios de los 90’s. Siento la influencia pomposa y gòtica de los Radiohead del OK Computer en temas màs lentos como  "¿Qué hacés joâo?". Resulta interesante còmo combinan el garaje gringo con la càmara británica y añaden temas vernaculares en la receta sin que el conjunto sufra. 

No emulan, no reinventan, pero saben reinterpretar los sonidos y sazonarlos. 
Este sancochado està bueno.

lunes, 24 de septiembre de 2012

LOS FUCKIN' SOMBREROS - BAZUKA!




Este es un disco particularmente difícil de analizar. Hay diversas influencias que son absorvidas por el album como si de un papel secante se tratara. Lo difícil viene en el sentido de que no muestran una clara inclinación por ninguna de ellas. Hay toques de hard rock, rock n' roll, punk, algo de funk, toques latinos, y una sutil influencia beatlesca en ciertas armonías vocales en los coros y algunos acentos melodicos, pero que están presentes en todas las canciones. El sonido, pese a haber sido elogiado en algunos medios peruanos me resulta un tanto nebuloso. Las guitarras, en algunos pasajes, y la voz, en particular, tienen punche, mas la batería suena un poco al fondo, y el bajo, pese a tener gran poder, se difumina...puede ser impresión mía, en fin...otro punto que me complica las cosas es el hecho de que no hay canciones que se destaquen más que las otras, salvo aquel portento que responde al nombre de "Sorprendido"(el potencial single) y la vertiginosa "Barbacoa Punk"(un homenaje a las bandas que abrieron la escena por los 80's, y un posible himno de la nueva hornada del rock peruano). Al mismo tiempo, no hay temas malos en absoluto, pero, salvo las anteriormente mencionadas, no recuerdo ninguna otra en particular. 

Ahora, lo bueno. La propuesta resulta atípica en la escena local, con un sonido muy poderoso, con gran sentido de la dinámica, y un trabajo vocal que destaca, una rareza por estos lares(en las canciones de tinte político percibo un estilo similar al de Jorge Gonzáles en Los Prisioneros más ochenteros). El trabajo de guitarras es muy bueno, con un gran trabajo de primera y solista, alternando con sutiles toques de un correcto sintetizador y acordes acústicos aqui y alla. Todo esto, apoyado en una sobresaliente seccion rítmica, la cual, pese a los problemas de sonido(opinión propia, repito) denota un enorme peso específico. Es sumamente precisa y no tiene nigun temor en los cambios rítmicos. 
Para concluir, si se debe definir en una palabra, este es un disco SÓLIDO, en todas sus lineas. Un calificativo menor no se merece para nada.

jueves, 3 de mayo de 2012

LOS PRISIONEROS - LA VOZ DE LOS '80


Atrás quedaban los Pseudopillos, los Vinchukas, Gus Gusano y Los Apestosos. 
 Habían nacido Los Prisioneros y 1984 era el año del álbum debut. 

 Y bueno, hay que confesar que es impresionante la calidad desplegada por 3 jóvenes menores de 20 años en su primer LP. En un momento en que no tenían idea de cómo producir apropiadamente un disco (aparentemente, el productor tampoco sabía hacerlo y el ingeniero no sabía como mezclar) desnudaron como ninguna otra banda los encantos y desencantos de este inocente pueblo al sur de Estados Unidos.

 Hablo del pueblo de entonces y del de ahora. Porque si hay un disco del trío que no ha envejecido casi nada, es éste. 

 Razones? 

Jorge Gonzáles es poco sutil en su composición lírica, pero vaya que resulta efectivo, conciso y contundente.Y en el camino, sumamente entrañable. Puede hablar de la desunión atávica de múltiples pueblitos orgullosos de una soberanía de cartón y de banderitas de color blanco azul y rojo, así como desgarrarse con la resabida historia de adolescentes confundidos entre clichés televisivos y gente estúpida que sobra en las noches de sábado. Nunca quiso quedar bien con nadie y desde el inicio de su carrera redactó su inconforme manifesto. Y lo hizo con unas líneas de bajo de la puta madre.

Claudio Narea es aún menos sutil en su espartana capacidad guitarrera, pero nos entrega riffs inmediatos y con punche, que llevan toda la fuerza de los 80s y solos sencillos pero inolvidables para enseñarte la necesidad de entregar poco para amar y ser amado. 

 Miguel Tapia pareciera permanecer a la sombra de sus compañeros, pero sus fluidos patrones rítmicos y notables redobles cargan el peso del mejor gancho comercial, por el cual moriría Marilyn y también una tal Eve-Evelin. 

El disco pareciera surgir como por generación espontánea de las veredas abandonadas, de los mismos negocios tristes de aquel San Miguel barriobajero tan bien retratado en la portada. Exuda un grito libertario de aquellos que se hartaron de callarse la boca y trabajar para vivir bajo un régimen asesino. Ahora vivirían para trabajar en pos de canalizar la voz de los que sufrieron la represión, de los que callaban la boca mientras el gobierno chileno caminaba por encima de ellos, de los olvidados. 

 Chile tenía rock popular. Y con sello propio. Retrataba antihéroes conmovedores por doquier pero con una rabia que podía partirte el culo a patadas.

miércoles, 29 de febrero de 2012

POR QUÉ ESCUCHAR ESTAS BANDAS?

THE MELVINS




Las revistas especialidas no les hacen justicia. Los libros apenas tocan la esencia de su significado en la música rock. Los críticos siempre citaron uno ó dos aspectos de su singularidad, pero jamás contaron la leyenda por completo. Porque estos putos de Aberdeen son leyendas.

Como fan que soy, puedo hablar de los patrones únicos de batería, del monstruosamente pesado sonido de la guitarra, la naturaleza amenazante de sus canciones y qué tan corajudas eran sus experimentaciones sónicas. Y es que casa segundo de música producido por esta banda es una experiencia en sí misma. Su sonido es ASÍ de particular.

Pero...qué sonido? Quiero decir, empezaron como un trío noise rock, luego se desviaron hacia el metal, stoner, sludge, ambient, drone, grunge, avant-garde, avant-garde metal, post-rock...tú solo añade la etiqueta.
Por supuesto, hay mucho más por decir.
- Son ellos los padrinos del grunge? Sí.
- Son una referencia definitiva del movimiento indie de los 80's? Sí.
- Son acaso una de las más pesadas y sofocantes bandas de metal que hay por ahí? (a pesar de que hayan pasado 30 años desde su formación)? Sí.
- Son una de las bandas pico en términos de experimentación e influencia de los últimos 20 años? Sí.
- Serán acaso la banda indie más consistente en America? Sí.
- Acaso uno de sus bajistas resulta ser la hija de Shirley Temple? Sí.
- Se podrían ver más bizarros o ridículos? Por supuesto que no.

Y podría seguir y seguir, pero no hay recolección de hechos que pudieran describirlos. Millones de bandas pueden haber intentado imitarlos, pero es una tarea imposible. Así de grandes son, así de amplias sus ideas.
The Melvins son, simplemente...The Melvins. Son vida.
Y estoy orgulloso de ser uno de los pocos enterados de ello.

miércoles, 4 de enero de 2012

POR QUÉ ESCUCHAR ESTAS BANDAS?

THE CURE





"La historia de The Cure es la historia de la continua lucha entre Robert Smith y su deseo de permanecer ignorante de que existe una luz al fondo del túnel. Siempre puedes sentir que hay un elemento luminoso entre toda la gótica, siniestra oscuridad que gobierna sus canciones.

Podría tratarse de la manifiesta ternura de "Pictures Of You", las hermosas capas guitarreras de "A Forest", la inocente belleza de las melodías de "Boys Don't Cry" o la agridulce pero firme esperanza en las letras de "Friday I'm In Love".


La banda ha cubierto (y en algunos casos inició) muchas de las fases más representativas de la escena underground británica de los ochentas, al mismo tiempo que marcaba la estética visual de una generación entera de fans de la música popular.

Subrayando su versatilidad, sus primeros trabajos fueron piedras angulares para la música post/punk y gótica, sirviendo de arquetipo para toneladas de bandas que llegaron luego. Lo mismo va para su período college-rock de mediados de los '80s y los notables ejercicios de guitarra pop de sus años más populares.


Sus álbumes y singles siempre fueron una lección de maestría melódica y lirismo emocional, a pesar de que Smith, en realidad, estaba expresando su propia angustia a través de las canciones.


Esta particular combinación de honestidad y belleza musical ha convertido a The Cure en una de las bandas más icónicas de una década en particular y uno de los mejores productos que las Islas Británicas nos regalaron jamás."



martes, 20 de diciembre de 2011

CHARLY GARCÍA - YENDO DE LA CAMA AL LIVING




En mi opinión, el disco que corroboró que estábamos ante un genio de la música popular latinoamericana.
Luego de haber pasado por 3 bandas estupendas, las cuales se destacaban por diferentes motivos (no detallaré eso aquí) Charly decide mandarse en solitario y cuajar todos los elementos sónicos y líricos que empleara luego de 12 años de colectivos.


Así, se fusionan aquí la vena del moderno trovador urbano, el contestatario rockero y el exquisito compositor de cámara, todo bajo un familiar filtro wave muy propio de este subcontinente (quizá por eso la producción no me aliena tanto como otros discos de la época. Eso lo citaré más abajo)



Las canciones tienen la virtud de ser accesibles, sofisticadas y suculentas a la vez. Hay mucha atención a los detalles, como las delicadas armonías vocales (de lejos, su mejor trabajo en ese aspecto) y las precisas pinceladas de teclados que ornamentan melodías involvidables. Invitados estelares hay de sobra, como su viejo compinche Nito; el otro gran genio argentino, el Flaco Spinetta; León Gieco, o incluso el que fuera un gran colaborador de García más adelante, Pedro Aznar. Cada uno aporta su estilo a las canciones, le brindan variedad e incluso vigencia.
"Peluca Telefónica", por ejemplo, es un absurdo irónico y maravilloso que los primeros 80s necesitaban. Algo similar va para "Vos También Estabas Verde". "Superhéroes" es un guiño al pasado que, extrañamente, suena en su lugar. Regresando a temas de producción, por ejemplo, "Yendo de la Cama al Living" tiene el típico sonido inorgánico y pleno de eco del funk 80s, pero las sardónicas letras y la gran performance vocal de Charly me mantienen en un lugar confortable y familiar. Incluso León Gieco, del cual no aprecio el canto, realiza un gran trabajo en la tremenda "Yo no Quiero Volverme Tan Loco", uno de los mejores poemas a la angustia juvenil argentina del régimen militar.


Punto aparte para "Inconciente Colectivo", la cual considero su mejor canción y el documento DEFINITIVO de su generación. Es tan hermosa la interpolación de las voces, tan apasionado el mensaje que el canto pareciera venir desde arriba hacia abajo y no al revés. No miento si digo que lo que Lennon intentó con "Tomorrow Never Knows" Charly lo logró con este tema. Contextualmente, no tienen nada que ver, pero a fin de cuentas ambos son un grito libertario que pretendió, sónicamente, tener una carga quasi-divina. En el caso de "Inconciente Colectivo", la cosa no se quedó sólo en pretensión. "Yendo de la Cama al Living" es un triunfo por muchas razones y el auspicioso comienzo del mejor artista solista de la década para la Argentina. Difícil que el propio Charly llegue, siquiera, a igualar ese nivel.


jueves, 15 de diciembre de 2011

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?



METALLICA




El inicio de la década de 1980 auguraba tiempos difíciles para el heavy metal. Seguro, Judas Priest, Motorhead y Maiden probaron ser los salvadores, añadiendo un tono oscuro y agresivo a sus composiciones, pero fue verdaderamente con el ascenso de Metallica en el colectivo headbanger que el metal expandió sus límites y alcanzó nuevos picos comerciales y artísticos.


El punk había tomado la posta como representante musical de la juventud contestataria, y el heavy setentero, con todos sus excesos y pompa, había quedado relegado.


Es entonces que el cuarteto de San Franciso empieza a probar su valía. Crecieron consistentemente de lanzamiento en lanzamiento (Ride The Lightning? Master of Puppets?) y supieron mantener su imagen callejera, atrayendo a miles de fans rabiosos, desadaptados. PUNKS.


Incluso la expulsión de un miembro clave en sus inicios y la muerte de uno de los mejores bajistas de la historia no los detuvo para convertirse en la voz de un movimiento. Porque el heavy metal era, finalmente, un movimiento, gracias a ellos.

El nacimiento del thrash abrió las puertas para muchas bandas geniales, pero, al incluir estructuras complejas (heredadas del progresivo) Metallica alcanzó un pico inédito que los colocó como la cabeza del estilo. Para cuando salió a la venta el "...And Justice For All" -con tremendo éxito pese a la falta de apoyo de las radios- se dieron el lujo de romper su promesa y produjeron su primer videoclip. 'One' no solo se convertía en su mejor canción (opinión personal) sino que proveía las bases para todos los videos metalheads que siguieron.

El metal ya no era un simple sinónimo de "más rápido, más pesado, más oscuro". El metal era arte. Cuando se dieron cuenta de que tenían que evolucionar, lanzaron su album más pesado - Metallica (AKA The Black Album)- y pese a los gritos de "vendidos" por parte de los ahora incontables seguidores del thrash, la banda decisió seguir adelante, y continuaron provocando amor y odio al mismo nivel...hasta hoy

No me importa si el "St. Anger" fue un desastre, o que se hayan cortado el pelo, o que hayan enjuiciado a Napster. Aún son una máquina del metal pesado, aún tocan música genial...en mi corazón, aún son la Banda del Pueblo.


Los peruanos fuimos testigos de ello el año pasado y con gusto y desparpajo nos animamos a gritar:


Metal up yer ass!!!!



POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

KING'S X




Es interesante ver lo criminalmente ignorada que fue esta banda en su momento. Empezando como una banda de metal quasi-progresiva con trazas de rock sureño (imagínense una versión jazz-rock de Lynyrd Skynyrd con un poco de Rush añadido a la receta y entenderán mi punto) hacia 1994 ya se habían reinventado a sí mismos y, rápidamente, se volvieron una de las mejores y más duras bandas alternativas de la era grunge, y una de las que poseía la mayor cantidad de recursos. Y todo esto sin abandonar jamás su sonido insigne (patrones rítmicos complejos, apasionadas armonías vocales y una intensidad generalizada)


Su virtuosidad técnica es incuestionable. Basta con que escuchen su actuación en Woodstock '94 (fueron las luminarias del show) y traten de demostrar lo contrario.


Existieron muchas razones para que se convirtieran en superestrellas, pero nunca lo fueron. En realidad, eso actuó a su favor, ya que nunca se vieron forzados a seguir las tendencias del mainstream y producto de ello es su más que consistente discografía. Incluso sus proyectos en paralelo son de interés inmediato para los fans y oyentes casuales.


Rock cristiano, las huevas, esta es música orgánica para el alma de nosotros, los herejes.


Faith, Hope, Love, brother!