IRON MAIDEN - THE NUMBER OF THE BEAST

'The Number of the Beast' es el disco que yo considero como el menos interesante de la discografía ochentera de la Dama de Hierro. Digo menos interesante, no sólo porque los hits han sido expuestos públicamente hasta la saciedad y son de referencia obligada para cualquier conocedor o fan incipiente del metal, sino porque el puto disco está citado en TODOS LADOS como una obra maestra.

Para citar ejemplos, la intro de "The Number of the Beast", así como el aullido de harpía bestial de Dickinson son ya marca registrada del "sonido Maiden" y suele ser el elemento introductorio a la banda. Lo mismo va para la galopante sección rítmica de "Run to the Hills". Las líneas de bajo de Steve Harris representan un muestrario para el aspirante a músico de este género en particular. Pero a veces resulta ya cansador encontrarlos por todos lados.

Otro punto en contra es el particular enfoque melódico del álbum. A comparación de la fresca furia punkera de los dos primeros discos, del sonido épico del 'Piece of Mind', de la potencia marcial del 'Powerslave' o la majestuosidad del 'Seventh Son of a Seventh Son', el debut de Dickinson con Iron Maiden demuestra cierta ligereza.

"The Prisoner" es una canción larga, que no cala en mi interior, le falta dramatismo. "Invaders" se esfuerza demasiado en su visión apocalíptica y "Hallowed Be Thy Name", aunque muy buena, no está a la altura de otros temas épicos de la banda. Los riffs y fraseos guitarreros son bastante dinámicos, pero no transmiten esa urgencia metalera, ese feeling del cual los headbangers se ufanan.

Sin embargo, 'The Number of the Beast' también supuso un tremendo paso hacia adelante en temas de composición. Las canciones no se suelen extender más de lo debido. La sección rítmica, todavía con Clive Burr en batería, gana complejidad. Las guitarras de Smith y Murray canalizan su virtuosidad de forma mucho más clara, aprovechando los duelos solistas y las armonías a plenitud. Ya no hay elementos que sobren, ya no hay secciones que pasen al olvido o un sonido en proceso.

Pero es, sobre todo, el trabajo vocal el que le da un tremendo valor agregado.

A pesar de que la etapa con Paul Di Anno me encanta, jamás Iron Maiden hubiera logrado el poderoso impacto del lamento de "Children of the Damned" sin el registro vocal de Dickinson. El vértigo de "22 Acacia Avenue" también se ve fortalecido por tal cualidad. Y estoy hablando de 2 de los mejores temas de una de los grupos más emblemáticos del movimiento. Aquél que grabaría su nombre de manera eterna en la lápida del panteón de los héroes del número de la bestia. Una lápida cuya tumba esta vacía, ya que Eddie es inmortal, así como el legado de la banda.

Y como decía antes, éste es el disco menos interesante de su mejor período, pero eso no significa que sea el de menor nivel. Y cuando hablamos de los estándares de la Dama de Hierro, estamos hablando de palabras mayores.

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN - FÜNF AUF DER NACH OFFENEN RICHTERSKALA

'Fünf auf der nach oben offenen Richterskala' es, comúnmente, reconocido como el disco de trancisión para esta banda insigne de la música industrial alemana. (Y también un título bien complicado/pendejo de leer)

Similar a la propuesta posterior de Nine Inch Nails, pero salvando las diferencias del caso, las estructuras de las canciones se hacen más concisas y responden a una preponderancia de melodías en lugar de texturas. Aún así, tal sentido de construcción y de ritmo todavía está fuertemente marcado por progresiones y crescendos sónicos casi atonales, en lugar de riffs repetitivos y coro-verso-coro.
Esto es claro en temas como el clásico "Ich bin's" Por otro lado, "Zerstörte Zelle" es una estupenda y, a veces, espeluznante canción de apertura, heredera (en mi opinión) del Can más obscuro (Aumgn, para ser más exactos) donde múltiples capas de corrosiva distorsión se yuxtaponen y progresan en un siniestro crescendo a manera de marcha fúnebre.

El clímax es particularmente oscuro, similar al que se encuentran en temas como la exótica "12 Städte" y la ansiosa "MoDiMiDoFrSaSo"

Para un recién iniciado en este tipo de sonidos, el disco resulta sumamente estimulante. No es fácil de procesar en un inicio, pero tampoco es imposible de entenderlo. Y es, aparentemente, EL disco de 'Einstürzende Neubauten' al que se debe recurrir como punto de partida. Recomendaciones sobran.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

QUEENS OF THE STONE AGE

La banda definitiva de hard rock de la última década, esta segunda aventura del guitar maestro Josh Homme(quitando al maravilloso colectivo Dessert Sessions) significó un giro de 180 grados con respecto a lo que se especializaba su banda anterior, Kyuss.
Afuera quedaron el cavernoso fuzz y las exploraciones sónicas. En su lugar, las Reinas Pedregosas se doctoraron en rock n' roll puro y duro y con harto huevo, el cual consigue combinar los brutales, secos riffs guitarreros y el énfasis con los tonos graves con un vértigo punky e incluso un toque de melodicismo pop.

Por supuesto, esto no significa que la banda no mantenga lazos con el pasado. Pareciera como si los hipnóticos pasajes sonoros de Kyuss se adaptaran en las absurdas letras, en sus excéntricos coros y armonías vocales (los cuales se acompañan, a veces, de aplausos y otros elementos exóticos del pop sesentero) cuyo fondo musical proviene de un ilimitado arsenal de bulleras -a veces, atonales- capas de guitarra y arreglos rítmicos tan intrincados que producen un robótico aunque dinámico sonido pleno de tensión sonora.
Peculiar, no? Olvidé mencionar sus videoclips chiflados? sus teatrales shows? la enorme lista de superestrellas que figuran como invitados en sus álbumes? Esta banda es tan singular como puede serlo y eso que hablamos de una banda americana de hard rock, las cuales tienden a seguir una fórmula cual corderitos.
Es por todo esto que Queens of the Stone Age es una de las pocas bandas contemporáneas cuyos lanzamientos espero con impaciencia de fan dedicado.
"Rated R" por "Recomendado"!"

CRÓNICAS

THE B-52s

23 de Abril, 2009
Estadio Nacional de Lima

Acabo de regresar del concierto, y debo decir que, con la posible excepción de Iron Maiden y R.E.M., debe haber sido el mejor espectáculo que he presenciado desde que los impuestos por concepto de espectáculos bajaron.

Ahora, me gustaría destacar 2 cosas:

A) Que B-52s, pese a haber tenido un sabático de 16 años entre lanzamientos("Good Stuff" de 1992 fue el último antes del "Funplex") no ha perdido ni un ápice de su energía y originalidad en vivo.
Ni Schneider, ni Pierson ni Wilson demuestran efectos negativos por la veteranía. Su interpretación vocal fue impecable y para el aplauso. Strickland en guitarra y el resto de la banda, si bien se mantienen en un segundo plano visual, demostraron ser mucho más que capaces como soporte musical.
Pero la vitalidad va acompañada por un sentido del humor innegable. Me he reído y disfrutado como nunca, pese a haber estado en una zona relativamente alejada del escenario.
Basta con recordar la sección final de Rock Lobster, donde Schneider improvisa con la cantidad de animales que le pidió a Pierson y Wilson para que imitaran con sus extaños alaridos.

B)Siento que, musicalmente, todavía son relevantes como ente creativo, y han sabido sortear al tiempo.

Haciendo una pequeña extensión de las bases del artículo principal de esta página. Si bien B-52s fue uno de los grupos más mediáticos de la etapa new wave, su sonido tenía una originalidad muy fuerte, así como innegable es su identidad como colectivo musical.
Por ejemplo, la banda, en un inicio, carecía de bajo(una de las similitudes que guardan con The Doors). Ricky Wilson(hermano de Cindy y fallecido por sida en 1985) poseía un estilo de guitarra inigualable, tocando siempre notas bajas, en una combinación de rítmica y solista muy versátil. Punzante pero funky. El contrapunto melódico eran las notas agudas del teclado psicodélico de su hermana.
Punto aparte el trabajo vocal, donde un excéntrico Schneider sólo gesticula y se apoya en las armonías de las chicas, donde mezclan divertidas estrofas y coros kitsch, reminiscentes del surf rock(previo a The Beatles)
Se añade a esta receta una percusión extremadamente dinámica y punky para desarrollar un cóctel que guarda el colorido del new wave y la experimentación del post-punk, y dio lugar a los lanzamientos de The B-52s(1979) y Wild Planet(1980) que están presentes en la colección de todo fan que se precie de seguir al post-punk, y que están, tranquilamente, a la altura de cualquier disco de Talking Heads, Gang of Four, XTC, Elvis Costello, Wire, The Cars, o cualquier otra banda mencionada más arriba.
Luego de casi 10 años, y tras la muerte de Ricky, la banda lanza "Cosmic Thing", un disco decididamente pop, con algunos elementos de su propuesta anterior, donde Strickland deja la guitarra por la batería y se añaden 2 nuevos miembros a la banda. El disco, si bien perdía un poco la honestidad por el comercialismo, tenía una calidad melódica sin par y el sonido B-52s seguía siendo identificable.
Algo similar ha sucedido con el "Funplex", donde se adaptan a las concesiones del pop del nuevo milenio arrastrando elementos de su sonido de finales de los 80's.

Todo este recuento lo hago para describir el concierto que acabo de presenciar.
Tuvo momentos más movidos, momentos más reflexivos, un sonido más agresivo, un sonido más atmosférico, pero el recorrido por los clásicos de más de 30 años de carrera mantiene casi el mismo nivel y no existieron puntos bajos en realidad.

Pareciera que es 1980 y la fiesta de 2 horas es interminable. Una larga noche psicodélica y optimista donde, estoy seguro, cada asistente perdió el cable a tierra por completo.

Y, para rematar, nos regalaron 1 hora con los legendarios New York Dolls.
No se puede pedir más.

PARTY OUT OF BOUNDS!!!

Setlist:


Pump
Mesopotamia
Ultraviolet
Private Idaho
Give Me Back My Man
Funplex
Strobe Light
Quiche Lorraine
Juliet of the Spirits
Roam
Party Out Of Bounds
Love in the Year 3000
Hot Corner
Channel Z
Love Shack

Encore:

Planet Claire
Keep This Party Going

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

R.E.M.

R.E.M. es realmente una anomalía. Debe haber algo especial en un colectivo musical que puede reconstruir su fórmula tantas veces como quiera y no saturar en el proceso. Desde sus inicios garajeros en Chronic Town, de claro sabor underground, lleno de una energía nerviosa y promisoria; a sus sublimes ejercicios pop en Automatic for the People y New Adventures in Hi-Fi, R.E.M. nunca cambió su sonido insigne y tremendamente influyente. Podría entenderse como una reinterpretación del sonido barroco y luminoso del folk rock y country rock sesentero por medio de un filtro punk, pero la banda tomó dichos elementos como propios y le añadió una frescura irresistible, convirtiéndose en una de las bandas definitivas de los 80s, con el agregado de poseer un sonido reconocible al instante (casi inconcebible para una banda de la década)

La lúdica sección rítmica de Bill Berry y Mike Mills apoyaba de forma brillante el arsenal melódico del gran Peter Buck y, aunque apenas entienda lo que Michael Stipe está tratando de comunicar en su canto, siempre he adorado su tono gentil y sincero, capaz de emitir su mensaje sin usar palabras (quizá "murmullos"?) haciéndote acordar que existen personas que aún disfrutan escuchando música pop sin pensar en ella como un placer prohibido y, al mismo tiempo, olvidar que eras testigo privilegiado del nacimiento y evolución de todo el rock alternativo.

Hace unos pocos días, en esta semana, la banda se separó.
Ya comienzo a extrañarlos...pero para eso están los discos, no?...And I Feel Fine!

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

JIMI HENDRIX

Jimi Hendrix no era sólo un guitarrista, la guitarra era una extensión de su mente y alma. Era a través de su viola que Jimi se expresaba personalmente. Representaba la forma en que hablaba, caminaba o, incluso, respiraba. Dada esta extrema realcion entre un músico y su instrumento, Hendrix se convirtió en un maestro compositor, un cantante expresivo y sensible y un genio en el estudio que construyó, con suma facilidad, montones y montones de canciones que cobraban vida por sí mismas.

Esta orgánica cacaterística no tiene paralelo entre los músicos de rock. Desde su muerte, no ha existido un sólo guitarrista tan importante o revolucionario, pero su trabajo se mantuvo tan vital e inspirador que su influencia sobre el mundo de la música terminó por derrotar a su propia muerte.
De esa forma, el negro lindo que vino desde Marte directamente a tocar en Monterrey, ganó su inmortalidad.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

JANE'S ADDICTION

Jane's Addiction es la propia definición de la palabra "singular" en el diccionario del rock. Probablemente no hubo otra banda tan oscura o marginal en entrar a las listas del mainstream o tener algún éxito comercial. Eran honestos, auténticos y nunca tenían el menor miedo de hablar sobre cualquier tema.
Cualquiera.

Aunque su música es altamente técnica, pomposa e imaginativa (más cercanos a la cámara que al garaje) el contenido lírico de sus canciones -repleto de historias acerca de asesinos seriales, violadores, muerte, sobredosis y orgías- era el retrato más lóbrego y más fiel de las calles del bajo fondo de Los Ángeles.
En teoría, esto es práctica común, pero, a diferencia de la mayoría de sus contemporáneos más destacados, ellos no glorificaban dichos temas, sino que los aceptaban como parte de sí mismos. Por ello, algunas de sus canciones más conocidas se convirtieron en himnos fieles de su ciudad y de una audiencia que pudiera ponerse en el lugar del grupo, tomándolos como iguales.

(Ojo, no confundirse: si bien Perry Farrell y Dave Navarro gustan de parecer divas en estos días, en el escenario la banda tenía y tiene una relación mucho más horizontal con los fanáticos...un commodity que escasea por todos lados)

Su discografía comienza con un álbum en vivo (el debut epónimo) lo cual no es casualidad. Sus conciertos eran verdaderos bacanales de mujeres desnudas, besos entre especímenes humanos andróginos y una atmósfera completamente gitana que rodeaba a un público compuesto por fans del punk, metal y música hippie, los cuales, por una vez, estuvieron de acuerdo en algo: Jane's Addiction era la siguiente gran banda del rock.

Este eclecticismo jugó en su favor y, pronto, la "nación alternativa" encontró a sus embajadores.

1992, y la revolución del grunge estaban cerca, pero Jane's no llegó. Luego de separarse en 1991, se convirtieron en una sensación de culto y sus fans más antiguos estaban orgullosos de contarte que, alguna vez, existió este cuarteto que inventó un sonido - luego atribuído a un pequeño grupillo de Seattle - que produjo dos discos de estudio inolvidables, plenos de riffs pesados y dinámicos al mejor estilo de Sabbath y Zeppelin; una percusión intrincada y casi tribal; líneas de bajo líricas; un cantante obsceno con una delgada pero intrigante voz (justo como una mezcla de Velvet Underground y los primeros The Cure) y un sentido del ritmo y tensión musical que podría hacer explotar tu cabeza en cualquier momento. Tal como un orgasmo femenino múltiple...justo como Xiola Bleu en el solo de "Three Days"."

WHITE STRIPES - ELEPHANT

Si White Blood Cells fue el álbum donde el dúo de Detroit explotó, Elephant es el disco donde demuestran que los rumores eran verídicos, pero que todavía no le hacían justicia a los White.
Algunos criticaron el hecho de que el disco no tenía tantos temas destacados como en el trabajo anterior, pero es justamente esa equiparidad entre canciones lo que hace de Elephant un mejor disco, ya que el promedio se niveló hacia arriba, no hacia abajo.

El disco muestra una tendencia mucho más marcada por el blues rock, pero el fervor garajero esta ahí, clarísimo. Digno heredero del crudo rock de Detroit.
Temas como la furiosa bluesy "Black Math" demuestran el grado de personalidad de la guitarra de Jack White, donde técnica, sensibilidad y agresividad se funden en un sonido filoso e inmediato. La enorme "Ball and Biscuit", cuya súbita interpolación de versos calmados con solos agresivos resulta sorprendente, es el tema central de disco y un resumen del sonido que Jack buscó desde un inicio. Con un simple pero demoledor golpe de batería(vintage Meg White) la guitarra parece incendiarse en notas bluseras punzantes y te arrastra en su descontrol, controlado por un ritmo marcial.
La sorpresiva "In The Cold, Cold Night" es un número de blues acústico y nocturno, donde la suave pero seductora voz de Meg cautiva tejiendo hilos invisibles alrededor del aficionado.

¿Que no habían éxitos? "Seven Nation Army" fue el himno garage del 2003, con un riff sencillo pero potente y una interpretación vocal de claro sabor sesentero. La casi metálica "The Hardest Button to Button" fue otra canción que gozó de espacio en los medios. Ambos temas mostraron videoclips que resaltaban la imagen kitsch y minimalista de la banda, con las alusiones a los caramelos rojiblancos(los clásicos red and white peppermint gringos) y con una sucesión de planos visuales notable, que cimentaba la identidad de la imagen de la banda.

El resto de temas completan un disco monolítico por donde se le mire. Cada quien encontrará sus propias canciones favoritas, ya que el disco posee una buena diversidad de acercamientos musicales.
Como cima del catálogo de la banda, Elephant sería un disco difícil de seguir. El dúo intentó en el siguiente trabajo, Get Behind Me Satan del 2005, una propuesta distinta, pero que se sentía precocida. Se recuperaron con el Icky Thump del 2007, pero los fans que todavía esperábamos que el dúo repunte hasta alcanzar el nivel de Elephant nos quedamos en el aire dada su ruptura a comienzos de este año. Regresarán?. Mientras tanto, sigamos escuchando este discazo.

JEFF BECK GROUP - TRUTH

Este es un disco importante, sin duda, en el desarrollo de lo que conocemos como rock duro, hard rock o heavy rock. Resulta difícil pensar en la música heavy metal de hoy sin reconocer la influencia de los furiosos acordes de Beck, así como el incendiario tono de sus solos, la apasionada voz de Stewart y una aplastante sección rítmica.

Todo comienza en 1966, en Inglaterra. Los Yardbirds le habían dado un lugar preponderante a la guitarra en la estructura de sus canciones, beneficiando los acordes duros y los solos de guitarra protagonistas en los puentes, pero todavía se ubicaba en el campo del pop y blues rock. Cream había expandido el concepto de lo que la guitarra podía crear en un contexto de improvisación en vivo, y Hendrix aún más, sólo que ambos se dedicaban aún a rescatar las raíces de la música negra norteamericana y a fusionarla con la psicodelia de moda(Clapton tenía una fluidez extraordinaria en las cuerdas y Hendrix realizaba verdaderos viajes astrales).

El punto de partida del endurecimiento del blues rock fue el encuentro de dos gigantes: Beck coincidió con Jimmy Page en la última formación de los Yardbirds, y, si bien esta etapa fue corta, resultó fructífera para ambos. El concepto original del supergrupo de Page incluía a Beck como compañero en guitarra, así como a la increíble sección rítmica de los Who y a Steve Winwood, Steve Marriot y hasta a Donovan en voces y teclados. Beck, sin embargo, se fue por su lado, y se dedicó a escoger a su propia superbanda. Escogió bien: Rod Stewart jamás cantaría mejor. Su poderosa y rasposa voz blues le daba un toque dramático a la interpretación vocal en las canciones, beneficiadas asimismo por un genial Ron Wood al bajo(nunca debió dejar el instrumento), Micky Waller como una locomotora en batería, y, como la cereza de la torta, Nicky Hopkins, uno de los tecladistas de sesión mejor considerados del momento en Inglaterra.

El disco debut del quinteto, entonces, viaja por una serie de versiones de viejos clásicos del blues, así como una potentísima "Shapes of Things", donde Beck le saca mayor punche a los arreglos de una de sus mejores canciones en los Yardbirds. Las canciones originales son buenas y efectivas: "Let Me Love You" es un blues rock denso y galopante, similar a "Rock My Plimsoul". "Blues de Luxe" es una joya de más de 7 minutos donde se luce la capacidad instrumental sobre todo de Nicky Hopkins y el propio Beck.
Pero es "Beck’s Bolero"(cuya composición aún se la disputan Beck y Page) la que resultaría uno de los mejores momentos del disco. La delicada guitarra slide, la gran rítmica de Page(cuya típica orquestación de guitarras resulta evidente) se lucen en un ritmo de bolero básico, para cambiar de súbito a una segunda y monolítica segunda sección donde el bajo de John Paul Jones y la atronadora percusión de Moon(que sacudió su propio micrófono) se asemejan a un ritmo marcial.

Si se hace un paralelo con el otro gran disco de heavy rock de finales de los 60’s, el Led Zeppelin I, se destaca el hecho de que el Truth todavía se mantiene bajo una fuerte influencia blues, una primera viola más compleja y con fraseos varios, mientras que el disco de Zeppelin es el primero que orienta su composición hacia los riffs más pesados de guitarra, apoyados en percusión(pese a que el tono y distorsión de Beck es más agresivo que el de Page, con solos de mayor rigidez y estructura).

Bastaría con comparar sus versiones del clásico "You Shook Me" (la del Truth con una genial introducción de Hopkins) donde la de Zeppelin es más pesada y oscura, así como en su famosa Dazed and Confused. Podría concluirse, entonces, que The Jeff Beck Group dio el primer paso y Zeppelín evolucionó con esas bases.

En suma, hablamos de un disco redondo, con identidad propia, con canciones plenamente disfrutables y de calidad, y una piedra angular para toda una movida.

EL AMIGO QUE NUNCA FALLA (A MENOS QUE EL EQUIPO ESTE CAGADO?)

Para todos aquellos que aman la música, nuestra relación emocional con ella es plena y recíproca.
Por nuestro lado, cuidamos a nuestros discos como si fueran nuestras mujeres (u hombres): los limpiamos, los protegemos, les dedicamos gran parte de nuestro tiempo diario y tendemos a hablar de ellos con orgullo (y pedantería) frente a los demás.
Pareciera mucha atención otorgada pero, si analizamos a fondo, con las justas llegamos a corresponder.
La música SIEMPRE está allí. Siempre es poderosa; siempre responde a los estímulos correctos; siempre nos acoge; nos empila cuando andamos de buen humor; nos acurruca cuando estamos de malas. Incluso conozco el caso de un amigo al que una de sus álbumes favoritos le salvó la vida.

Pero este preámbulo es puro floro para contarles lo que en realidad me sucedía determinada época.

La vida había sido una mierda últimamente. Te sacas la mugre en doble turno de chamba para no ver frutos (retraso en los pagos, cabeceadores, clientes sin sesos) tus amigos de carne y hueso no aparecen; has tenido alguna bronca en la calle; pierdes tiempo valioso, pues te han obligado ir a determinado compromiso porque "NO PUEDES FALTAR" (odio esa frase)...pero sobre todo, uno de tus familiares más queridos se encuentra en muy mal estado de salud.

Casi todo esto me sucedió la última semana de Diciembre del 2010 y han habido días donde coincidían casi todos los síntomas.

Hay momentos en que dan ganas de abandonar el barco.

La noche de aquél Lunes fue la peor. Nisiquiera pude trabajar (bendición para algunos) por circunstancias ajenas. Estaba extremadamente ansioso y deprimido a la vez. Son los momentos en que te encierras en tu cuarto con la pc encendida y quisieras meterte a la pantalla para entrar a otra realidad y escapar.

Al principio, no reaccionaba...atinaba a los actos más básicos del ansioso: comer desmedidamente, miraba a un punto X sin razón aparente, empezaba a escribir un artículo y lo borraba al instante, hacía zapping en la tele sin parar (5 vueltas completas, mi récord personal)...hasta que recordé que tenía discos, un equipo y parlantes.

Me decidí por uno de mis 5 discos favoritos: el 'Made In Japan' de Deep Purple...pero su potencia y caudal sonoro me quitaban el balance. Entonces, siguiendo con mis favoritos agarré el 'Thick as a Brick' de Jethro Tull. Aquella inolvidable intro acústica, la flauta traviesa y en general su calidez instrumental me transmitió el calor necesario para relajarme. Poco después colocaba el maravilloso álbum debut de The Doors y su misteriosa, hipnótica atmósfera me abstraían aún más de mis problemas. El viaje estaba casi terminado, ahora esa cuestión de fundir esa dimensión alterna con el plano terrenal...cogí el 'Ritual de lo Habitual' de Jane's Addiction y su mezcla de perversión mundana con espiritualidad pagana me daban la fuerza para afrontar los problemas con ironía y suficiencia...regresando al 'Made In Japan' (ya listo para semejante cañonazo heavy) empecé a imitar a Blackmore en el solo de "Highway Star sobre mi cama y terminé el itinerario con el 'Appetite for Destruction' de Guns N' Roses...carajo que me solté las mechas, agarré una escoba y me creía Slash en el estadio de los Yankees en 1988 eyaculando notas con el solo final de "Paradise City" (como en la foto de abajo XDDDD).

Yo había llegado a las 6:30 pm a mi casa derrotado....y a las 11:00 pm salí a la calle dispuesto a destruir estrellas con los puños. Sólo bastó con recurrir al amigo más fiel.

Fue una noche completa, debo confesar...y regresé feliz, dispuesto a susurrarle a mi almohada mis hazañas (pueden reírse, si quieren) pero antes quise poner otro disco...EL HORROR...la lectora de cds se había malogrado. Hay gente que sobrevalora la alta fidelidad, las ediciones de super audio y demás frutas...las huevas, al amigo se le escucha siempre. No digo que la cosa es recíproca?





A duras penas, alcoholizado y muerto de sueño Me traje al cuarto el minicomponente de la sala y puse el 'Wednesday Morning 3 AM' de Simon & Garfunkel (ese dúo que aparece en la puerta de mi clóset en la foto de arriba), el cual me hizo dormir como un bebé, recordando aquellos lindos días de 8 años antes, cuando recién descubría la música y pasaba días enteros sin pensar en nada más, encerrado en mi mundo.

Es cierto que para el 2010 otras cosas ocuparon espacio en mi vida (trabajo, pareja, etc...) pero la amistad perdura aunque no haya un contacto directo constante...como leí en algún lado, el plástico es eterno...y es una suerte que mis 800 amigos sean de plástico.