IGGY & THE STOOGES - RAW POWER

El año es 1973. Por aquél tiempo, el movimiento hippie era cosa del pasado. Artística y comercialmente hablando, los grupos británicos de rock pesado y el Arena Rock americano en su fase embrionaria eran las fuerzas dominantes del rock n' roll. Era también el momento en que la música pop se iba a convertir de forma definitiva en un fenómeno corporativo, con festivales enormes y altamente rentables por todos lados. Para alguien que adoraba su rock n' roll conciso y rabioso, tal cuadro era una pesadilla. Todos se esforzaban en dotar su música de los elementos más ambiciosos y "serios" posibles.

Y fue en ese contexto gris en que 'Raw Power', el tercer y último álbum de la primera (y la única!!!) fase de la "carrera" de los Stooges fue lanzado. Si el LP hubiera sido publicado unos 10 ó 15 años después hubiera sido un hit definitivo en la escena subterráneana e incluso ingresado a las listas angloparlantes. 

El álbum lo tenía todo. La naturaleza monstruosa y contestataria de la banda, un sonido más directo (si eso es una posibilidad) y, más importante, capacidad compositiva.

Ya desde el inicio, la atemorizante “Search and Destroy” demuestra que la banda no está jugando. Difícil encontrar una canción más ruidosa, furiosa o anárquica del periodo, o de cualquier otro periodo para tal caso. James Williamson puede que no sea un guitarrista tan idiosincrático como Ron Asheton, pero era un bullero y salvaje hijo de puta. Sus violentos riffs y fraseos se asemejan a un caos apenas controlado que se complementan con los aullidos apocalípticos de Iggy Pop, pero la intensidad del volumen es demasiado perturbadora como para dejarla de lado.
Especialmente si está diseñada para fortalecer el mensaje de la performance.
La canción del título es otro buen ejercicio de poder crudo, mostrando una arrogancia desvergonzada por la que cualquier otra banda mataría. Lo mismo se puede decir para la bestial “Your Pretty Face is Going to Hell". 

Pero no nos olvidemos que, incluso en su gloriosa estupidez, The Stooges siempre guardaron un poco secreto lugar para sutilezas. Basta con darle una escucha a la misteriosa línea de teclado en “Penetration”, el sabroso blues de "I Need Somebody" o los acordes bajos y dolorosa interpretación vocal de Iggy en la oscura joya central “Gimme Danger”, los cuales sirven como disfraz de una de las secciones de bulla blanca más ensordecedoras de todos los tiempos. La línea "There's nothing in my dreams, Just some ugly memories” es especialmente sombría.
La banda es fuerza bruta y primitiva, sí, pero sorpresa! tenían cerebro.

Sería ocioso describir lo influyentes que resultaron estos peligrosos 32 minutos para tanta gente. Con sólo nombrar a los Sex Pistols, Guns N’ Roses y los Melvins(o creías que "Snake Appeal" no era un guiño a "Shake Appeal"?) debería ser suficiente.
Raw Power nunca ingresó a las listas o se volvio una entidad commercial viable, pero nunca necesitó serlo.

Ahora, ve y cómpralo inmediatamente. Colócalo en tu equipo al máximo volumen posible y presenciarás un verdeadero “Death Trip".

Ah, otra cosa. Asegúrate de conseguir la version remix de 1997 de Iggy Pop. Esa es la versión que te asegurará la experiencia completa, de la manera correcta.

TESTAMENT - THE GATHERING

 

Luego de casi 15 años, la gran banda thrash que nunca llegó al estrellato finalmente terminó con la búsqueda.

Continuando con el extraño juego de besitos entre miembros de Slayer, Death y Testament, es entonces que en 1999 la "banda" de Chuck Billy y Eric Peterson finalmente encuentra un ensamble adecuado para la enorme suma de talentos.
No contentos con añadir a notables músicos de metal extremo como el bajista Steve Di Giorgio y el violero James Murphy, Testament se da el gusto de incluir al mejor baterista del thrash, Dave Lombardo.

Y los rumores pagaron con creces. Sería mezquino no atribuir a la presencia de estos 3 all star al éxito que el estupendo 'The Gathering' logra consolidar. Y es que aquí hablamos de una obra musical integral, donde el conjunto y los componentes son igual de importantes.
El disco es bestialidad pura, con una sección rítmica endiablada en la velocidad, cambios y punitiva potencia. Lombardo da una nueva clase de cómo manejar el doble bombo y el snare con sencillez pero con una encegadora precisión, mientras que el bajo pareciera explotar a través de los parlantes. A esta base se suma la perturbadora masa sónica de las guitarras, las cuales se debaten entre cromatismos sonoros y refuerzo de lujo de la rítmica. La performance vocal de Billy es notable, encontrando un punto medio exacto entre thrash y death, con los cojones del primero y los intestinos del segundo.

Highlights? Todas, ja, pero si desean introducciones, consíganse "Down for Life" dueña de unos riffs thrash de una dinámica inédita desde "Creeping Death" de Metallica. El trío de "Legions of the Dead", "Careful What You Wish for" y "Riding the Snake" es impagable en el impacto que genera el sonido en el escucha. No he sentido tal intensidad y furia en el metal extremo clásico desde que Slayer lanzara Reign in Blood. Y lo mejor de todo es que es música bien hecha, con coherencia, sin abusar de la potencia porque sí, incluyendo algunos momentos de oxígeno y luz en el conjunto. No hay desperdicio.

Testament despidió su década negra de la mejor manera.
Para aquellos ya iniciados en la banda, el presente álbum es de materia obligada. Para los que no la conocen, no es la mejor introducción, pero no lo descarto como opción para quien desee escuchar un disco de puta madre y se olvide de nombres o estilos.                                    

BUENOS MUCHACHOS - UNO CON UNO Y ASÍ SUCESIVAMENTE

Recibì este disco el año 2007, a raíz de una recomedaciòn que me hizo un amigo uruguayo de un foro. 
Temìa (y mantengo dicho temor sobre los discos de bandas latinoamericanas) el toparme con una producción deficiente, falta de personalidad y tendencia a lo seguro, a la emulación de bandas anglosajonas, las cuales suelen dictar las tendencias de la música popular. 

Por otro lado, de rock uruguayo no sè ni papa. Los Shakers, La Vela Puerca y poco màs. Era una base muy endeble. Sobre todo si te aventuras con un álbum del 2006.

La portada era buena, lo cual era un plus. Aùn excèptico, coloquè el disco en la lectora y desde el primer momento, Uno con Uno….me dio una grata lecciòn. No hay desperdicio, no hay excesos y los detalles están muy bien dosificados. 

Es un sonido fresco. Tiene punche, huevos pero la suficiente delicadeza para contraponer lo onírico y lo visceral en gran forma. Las melodías suelen ser muy bellas a través de sus múltiples expresiones, ya se trate de un arpeggio, un acento de cuerdas, trazos de feedback guitarrero o arreglos de vientos. La producción es notable y le brinda expresión al trabajo vocal, a la vez que personalidad (tiene un regusto rioplatense claro) y tiene un gran sentido de la tensión y dinámica musical, ya sea en una canción o en la misma secuencia de los surcos. 

Y es esto último lo que hace a Buenos Muchachos una buena banda. Si bien las canciones tienen el defecto de no ser realmente memorables, una vez que el disco gira en el equipo, nunca aburre y te mantiene pendiente. Hay variedad y sorpresa. Se manejan entre punk, folk y rock sinfónico como jugando. 

En aquèl tiempo, me había interesado por el shoegaze, el noise rock y el no wave. Fue una exploración bastante superficial, debo decir, pero el gusto por la música independiente, con guitarras profundas, carencia de ganchos fáciles y gusto por las texturas sònicas me facilitò las cosas para la lectura del álbum. 

Hay influencias aparentes emparentadas con los estilos citados arriba. Por ejemplo, los rabiosos rasgueos de "Y la nave va" te recuerdan a Sonic Youth. "En la nada" y "Lengua distorsión" denotan la idílicas melodías que los Smashing Pumpkins y Yo la Tengo solìan imprimir en sus guitarras a inicios de los 90’s. Siento la influencia pomposa y gòtica de los Radiohead del OK Computer en temas màs lentos como  "¿Qué hacés joâo?". Resulta interesante còmo combinan el garaje gringo con la càmara británica y añaden temas vernaculares en la receta sin que el conjunto sufra. 

No emulan, no reinventan, pero saben reinterpretar los sonidos y sazonarlos. 
Este sancochado està bueno.

LOS FUCKIN' SOMBREROS - BAZUKA!

Este es un disco particularmente difícil de analizar. Hay diversas influencias que son absorvidas por el album como si de un papel secante se tratara. Lo difícil viene en el sentido de que no muestran una clara inclinación por ninguna de ellas. Hay toques de hard rock, rock n' roll, punk, algo de funk, toques latinos, y una sutil influencia beatlesca en ciertas armonías vocales en los coros y algunos acentos melodicos, pero que están presentes en todas las canciones. El sonido, pese a haber sido elogiado en algunos medios peruanos me resulta un tanto nebuloso. Las guitarras, en algunos pasajes, y la voz, en particular, tienen punche, mas la batería suena un poco al fondo, y el bajo, pese a tener gran poder, se difumina...puede ser impresión mía, en fin...otro punto que me complica las cosas es el hecho de que no hay canciones que se destaquen más que las otras, salvo aquel portento que responde al nombre de "Sorprendido"(el potencial single) y la vertiginosa "Barbacoa Punk"(un homenaje a las bandas que abrieron la escena por los 80's, y un posible himno de la nueva hornada del rock peruano). Al mismo tiempo, no hay temas malos en absoluto, pero, salvo las anteriormente mencionadas, no recuerdo ninguna otra en particular. 

Ahora, lo bueno. La propuesta resulta atípica en la escena local, con un sonido muy poderoso, con gran sentido de la dinámica, y un trabajo vocal que destaca, una rareza por estos lares(en las canciones de tinte político percibo un estilo similar al de Jorge Gonzáles en Los Prisioneros más ochenteros). El trabajo de guitarras es muy bueno, con un gran trabajo de primera y solista, alternando con sutiles toques de un correcto sintetizador y acordes acústicos aqui y alla. Todo esto, apoyado en una sobresaliente seccion rítmica, la cual, pese a los problemas de sonido(opinión propia, repito) denota un enorme peso específico. Es sumamente precisa y no tiene nigun temor en los cambios rítmicos. 
Para concluir, si se debe definir en una palabra, este es un disco SÓLIDO, en todas sus lineas. Un calificativo menor no se merece para nada.

LOS PRISIONEROS - LA VOZ DE LOS '80

Atrás quedaban los Pseudopillos, los Vinchukas, Gus Gusano y Los Apestosos. 

 Habían nacido Los Prisioneros y 1984 era el año del álbum debut. 

 Y bueno, hay que confesar que es impresionante la calidad desplegada por 3 jóvenes menores de 20 años en su primer LP. En un momento en que no tenían idea de cómo producir apropiadamente un disco (aparentemente, el productor tampoco sabía hacerlo y el ingeniero no sabía como mezclar) desnudaron como ninguna otra banda los encantos y desencantos de este inocente pueblo al sur de Estados Unidos.

 Hablo del pueblo de entonces y del de ahora. Porque si hay un disco del trío que no ha envejecido casi nada, es éste. 

 Razones? 

Jorge Gonzáles es poco sutil en su composición lírica, pero vaya que resulta efectivo, conciso y contundente.Y en el camino, sumamente entrañable. Puede hablar de la desunión atávica de múltiples pueblitos orgullosos de una soberanía de cartón y de banderitas de color blanco azul y rojo, así como desgarrarse con la resabida historia de adolescentes confundidos entre clichés televisivos y gente estúpida que sobra en las noches de sábado. Nunca quiso quedar bien con nadie y desde el inicio de su carrera redactó su inconforme manifesto. Y lo hizo con unas líneas de bajo de la puta madre.

Claudio Narea es aún menos sutil en su espartana capacidad guitarrera, pero nos entrega riffs inmediatos y con punche, que llevan toda la fuerza de los 80s y solos sencillos pero inolvidables para enseñarte la necesidad de entregar poco para amar y ser amado. 

 Miguel Tapia pareciera permanecer a la sombra de sus compañeros, pero sus fluidos patrones rítmicos y notables redobles cargan el peso del mejor gancho comercial, por el cual moriría Marilyn y también una tal Eve-Evelin. 

El disco pareciera surgir como por generación espontánea de las veredas abandonadas, de los mismos negocios tristes de aquel San Miguel barriobajero tan bien retratado en la portada. Exuda un grito libertario de aquellos que se hartaron de callarse la boca y trabajar para vivir bajo un régimen asesino. Ahora vivirían para trabajar en pos de canalizar la voz de los que sufrieron la represión, de los que callaban la boca mientras el gobierno chileno caminaba por encima de ellos, de los olvidados. 

 Chile tenía rock popular. Y con sello propio. Retrataba antihéroes conmovedores por doquier pero con una rabia que podía partirte el culo a patadas.

POR QUÉ ESCUCHAR ESTAS BANDAS?

THE MELVINS

Las revistas especialidas no les hacen justicia. Los libros apenas tocan la esencia de su significado en la música rock. Los críticos siempre citaron uno ó dos aspectos de su singularidad, pero jamás contaron la leyenda por completo. Porque estos putos de Aberdeen son leyendas.

Como fan que soy, puedo hablar de los patrones únicos de batería, del monstruosamente pesado sonido de la guitarra, la naturaleza amenazante de sus canciones y qué tan corajudas eran sus experimentaciones sónicas. Y es que casa segundo de música producido por esta banda es una experiencia en sí misma. Su sonido es ASÍ de particular.

Pero...qué sonido? Quiero decir, empezaron como un trío noise rock, luego se desviaron hacia el metal, stoner, sludge, ambient, drone, grunge, avant-garde, avant-garde metal, post-rock...tú solo añade la etiqueta.
Por supuesto, hay mucho más por decir.

- Son ellos los padrinos del grunge? Sí.

- Son una referencia definitiva del movimiento indie de los 80's? Sí.

- Son acaso una de las más pesadas y sofocantes bandas de metal que hay por ahí? (a pesar de que hayan pasado 30 años desde su formación)? Sí.

- Son una de las bandas pico en términos de experimentación e influencia de los últimos 20 años? Sí.

- Serán acaso la banda indie más consistente en America? Sí.

- Acaso uno de sus bajistas resulta ser la hija de Shirley Temple? Sí.

- Se podrían ver más bizarros o ridículos? Por supuesto que no.

Y podría seguir y seguir, pero no hay recolección de hechos que pudieran describirlos. Millones de bandas pueden haber intentado imitarlos, pero es una tarea imposible. Así de grandes son, así de amplias sus ideas.

The Melvins son, simplemente...The Melvins. Son vida.

Y estoy orgulloso de ser uno de los pocos enterados de ello.

POR QUÉ ESCUCHAR ESTAS BANDAS?

THE CURE

"La historia de The Cure es la historia de la continua lucha entre Robert Smith y su deseo de permanecer ignorante de que existe una luz al fondo del túnel. Siempre puedes sentir que hay un elemento luminoso entre toda la gótica, siniestra oscuridad que gobierna sus canciones.

Podría tratarse de la manifiesta ternura de "Pictures Of You", las hermosas capas guitarreras de "A Forest", la inocente belleza de las melodías de "Boys Don't Cry" o la agridulce pero firme esperanza en las letras de "Friday I'm In Love".

La banda ha cubierto (y en algunos casos inició) muchas de las fases más representativas de la escena underground británica de los ochentas, al mismo tiempo que marcaba la estética visual de una generación entera de fans de la música popular.

Subrayando su versatilidad, sus primeros trabajos fueron piedras angulares para la música post/punk y gótica, sirviendo de arquetipo para toneladas de bandas que llegaron luego. Lo mismo va para su período college-rock de mediados de los '80s y los notables ejercicios de guitarra pop de sus años más populares.

Sus álbumes y singles siempre fueron una lección de maestría melódica y lirismo emocional, a pesar de que Smith, en realidad, estaba expresando su propia angustia a través de las canciones.

Esta particular combinación de honestidad y belleza musical ha convertido a The Cure en una de las bandas más icónicas de una década en particular y uno de los mejores productos que las Islas Británicas nos regalaron jamás."

CHARLY GARCÍA - YENDO DE LA CAMA AL LIVING

En mi opinión, el disco que corroboró que estábamos ante un genio de la música popular latinoamericana.
Luego de haber pasado por 3 bandas estupendas, las cuales se destacaban por diferentes motivos (no detallaré eso aquí) Charly decide mandarse en solitario y cuajar todos los elementos sónicos y líricos que empleara luego de 12 años de colectivos.

Así, se fusionan aquí la vena del moderno trovador urbano, el contestatario rockero y el exquisito compositor de cámara, todo bajo un familiar filtro wave muy propio de este subcontinente (quizá por eso la producción no me aliena tanto como otros discos de la época. Eso lo citaré más abajo)

Las canciones tienen la virtud de ser accesibles, sofisticadas y suculentas a la vez. Hay mucha atención a los detalles, como las delicadas armonías vocales (de lejos, su mejor trabajo en ese aspecto) y las precisas pinceladas de teclados que ornamentan melodías involvidables. Invitados estelares hay de sobra, como su viejo compinche Nito; el otro gran genio argentino, el Flaco Spinetta; León Gieco, o incluso el que fuera un gran colaborador de García más adelante, Pedro Aznar. Cada uno aporta su estilo a las canciones, le brindan variedad e incluso vigencia.
"Peluca Telefónica", por ejemplo, es un absurdo irónico y maravilloso que los primeros 80s necesitaban. Algo similar va para "Vos También Estabas Verde". "Superhéroes" es un guiño al pasado que, extrañamente, suena en su lugar. Regresando a temas de producción, por ejemplo, "Yendo de la Cama al Living" tiene el típico sonido inorgánico y pleno de eco del funk 80s, pero las sardónicas letras y la gran performance vocal de Charly me mantienen en un lugar confortable y familiar. Incluso León Gieco, del cual no aprecio el canto, realiza un gran trabajo en la tremenda "Yo no Quiero Volverme Tan Loco", uno de los mejores poemas a la angustia juvenil argentina del régimen militar.

Punto aparte para "Inconciente Colectivo", la cual considero su mejor canción y el documento DEFINITIVO de su generación. Es tan hermosa la interpolación de las voces, tan apasionado el mensaje que el canto pareciera venir desde arriba hacia abajo y no al revés. No miento si digo que lo que Lennon intentó con "Tomorrow Never Knows" Charly lo logró con este tema. Contextualmente, no tienen nada que ver, pero a fin de cuentas ambos son un grito libertario que pretendió, sónicamente, tener una carga quasi-divina. En el caso de "Inconciente Colectivo", la cosa no se quedó sólo en pretensión. "Yendo de la Cama al Living" es un triunfo por muchas razones y el auspicioso comienzo del mejor artista solista de la década para la Argentina. Difícil que el propio Charly llegue, siquiera, a igualar ese nivel.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

METALLICA

El inicio de la década de 1980 auguraba tiempos difíciles para el heavy metal. Seguro, Judas Priest, Motorhead y Maiden probaron ser los salvadores, añadiendo un tono oscuro y agresivo a sus composiciones, pero fue verdaderamente con el ascenso de Metallica en el colectivo headbanger que el metal expandió sus límites y alcanzó nuevos picos comerciales y artísticos.

El punk había tomado la posta como representante musical de la juventud contestataria, y el heavy setentero, con todos sus excesos y pompa, había quedado relegado.

Es entonces que el cuarteto de San Franciso empieza a probar su valía. Crecieron consistentemente de lanzamiento en lanzamiento (Ride The Lightning? Master of Puppets?) y supieron mantener su imagen callejera, atrayendo a miles de fans rabiosos, desadaptados. PUNKS.

Incluso la expulsión de un miembro clave en sus inicios y la muerte de uno de los mejores bajistas de la historia no los detuvo para convertirse en la voz de un movimiento. Porque el heavy metal era, finalmente, un movimiento, gracias a ellos.

El nacimiento del thrash abrió las puertas para muchas bandas geniales, pero, al incluir estructuras complejas (heredadas del progresivo) Metallica alcanzó un pico inédito que los colocó como la cabeza del estilo. Para cuando salió a la venta el "...And Justice For All" -con tremendo éxito pese a la falta de apoyo de las radios- se dieron el lujo de romper su promesa y produjeron su primer videoclip. 'One' no solo se convertía en su mejor canción (opinión personal) sino que proveía las bases para todos los videos metalheads que siguieron.

El metal ya no era un simple sinónimo de "más rápido, más pesado, más oscuro". El metal era arte. Cuando se dieron cuenta de que tenían que evolucionar, lanzaron su album más pesado - Metallica (AKA The Black Album)- y pese a los gritos de "vendidos" por parte de los ahora incontables seguidores del thrash, la banda decisió seguir adelante, y continuaron provocando amor y odio al mismo nivel...hasta hoy

No me importa si el "St. Anger" fue un desastre, o que se hayan cortado el pelo, o que hayan enjuiciado a Napster. Aún son una máquina del metal pesado, aún tocan música genial...en mi corazón, aún son la Banda del Pueblo.

Los peruanos fuimos testigos de ello el año pasado y con gusto y desparpajo nos animamos a gritar:

Metal up yer ass!!!!

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

KING'S X

Es interesante ver lo criminalmente ignorada que fue esta banda en su momento. Empezando como una banda de metal quasi-progresiva con trazas de rock sureño (imagínense una versión jazz-rock de Lynyrd Skynyrd con un poco de Rush añadido a la receta y entenderán mi punto) hacia 1994 ya se habían reinventado a sí mismos y, rápidamente, se volvieron una de las mejores y más duras bandas alternativas de la era grunge, y una de las que poseía la mayor cantidad de recursos. Y todo esto sin abandonar jamás su sonido insigne (patrones rítmicos complejos, apasionadas armonías vocales y una intensidad generalizada)

Su virtuosidad técnica es incuestionable. Basta con que escuchen su actuación en Woodstock '94 (fueron las luminarias del show) y traten de demostrar lo contrario.

Existieron muchas razones para que se convirtieran en superestrellas, pero nunca lo fueron. En realidad, eso actuó a su favor, ya que nunca se vieron forzados a seguir las tendencias del mainstream y producto de ello es su más que consistente discografía. Incluso sus proyectos en paralelo son de interés inmediato para los fans y oyentes casuales.

Rock cristiano, las huevas, esta es música orgánica para el alma de nosotros, los herejes.

Faith, Hope, Love, brother!

NINE INCH NAILS - THE FRAGILE

Trent Reznor dio una muestra definitiva de su capacidad con el lanzamiento de 'The Fragile', en 1999.

No sólo era el tercer LP de una banda(concepto, unipersonal...tú decide) que no había tenido momentos flojos hasta entonces, sino que también se trataba de un disco doble y de una actualización de su sonido.

10 años para 3 LPs pueden parecer muchos, pero se debe tomar en cuenta la calidad del material lanzado, y la cantidad de singles y EPs que se lanzaron en paralelo. A la positiva acogida de la crítica se debe añadir un respetable éxito comercial. El álbum debutó en el número 1 de Billboard y se vendió razonablemente bien.

Ahora, en lo estrictamente musical, The Fragile muestra similitudes con 'The Downward Spiral' en el sentido de que favorece texturas y atmósfera en lugar de las estructuras accesibles y efectivas melodías de su debut, 'Pretty Hate Machine'. Sin embargo, en lugar del sonido denso, profundo y abrasivo del disco anterior, The Fragile observa una especie de "apertura" sónica, menos saturado y en un efecto de capas(layered, perdón por mi vocabulario) el cual se compensa con guitarras de heavy metal en algunos casos, como en la demoledora "Starfuckers, inc" o la monstruosa "We're in this Together", dos de los mejores singles de la banda.

Los beats electrónicos tienen mayor presencia que en trabajos anteriores, lo cual , sin embargo, no hace al disco más accesible en su lectura. No abundan los ganchos, lo cual era el mayor aporte de NIN dentro de la música industrial. Reznor transformó a su bestia, convirtiéndola en un enorme lienzo donde descargar sus ideas y frustraciones, una propuesta más sui generis, no tan abierta al oído colectivo. A eso se añaden las siempre tortuosas letras, marca de fábrica de Reznor.

Dos cd's resultan un poco extensos y le quitan impacto. Ni siquiera el intento de reciclar melodías o riffs de otras canciones del mismo album(caso Into the Void) ayudan a enlazarlo mejor.

A pesar de todo, si el oidor es paciente, el disco lo recompensará con muchos momentos de gran calidad y riqueza instrumental. Gracias a su ambicioso concepto, debe ser uno de los discos mejor ensamblados sónicamente de los últimos 10 años.

Recomendable para aquellos que disfrutan del rock progresivo y experimental en su fase más ácida.

BANCO DEL MUTUO SOCCORSO - IO SONO NATO LIBERO

'Io Sono Nato Libero' es el tercer disco de la tríada dorada de trabajos que le dieron a 'Banco del Mutuo Soccorso' uno de los lugares preponderantes en la escena progresiva italiana.

Ni tan legendario como el debut epónimo, ni tan aclamado como su predecesor Darwin!, éste tercer álbum tiene los méritos de haber mantenido a la misma formación, responder a los altos estándares señalados por sus antecesores, y lograr una gran cohesión a lo largo de sus 40 minutos.

El progresivo italiano ya había refinado sus bases, las cuales eran una continuación de los principales elementos de los grupos de prog inglés, y 'Banco del Mutuo Soccorso' se había afincado como uno de los principales exponentes del lado menos turbulento y experimental, pero más melódico del género. Afín a la influencia de bandas como Genesis, Gentle Giant y The Nice, su tendencia era más sinfónica que progresiva.

Sin embargo, luego de las conclusiones preliminares, se denotan los elementos vernaculares propios de la península. Un estilo vocal quasi-operático, una mayor presencia de los teclados, el uso de diferentes escalas con respecto a sus pares británicos, y un contenido lírico más luminoso, o menos negativo en todo caso, que hacía referencia a la literatura, a las ciencias y al arte.

El disco empieza con la portentosa "Canto nomade per un prigionero politico", de cierto tinte politizado, que nos ofrece un trabajo vocal de extrema vulnerabilidad y secciones de enorme complejidad rítmica que apoyan virtuosos pasajes de teclados y frases de guitarras. Uno podría imaginar que el plato de fondo ya fue servido, pero temas como la delicada balada "Non mi rompete", la asombrosamente compleja pero melódica "La città sottile" y la canción de cierre, "Traccia II" (la cual hace las veces de un perfecto coda) nos demuestra que aún queda mucho en el menú para los aficionados hambrientos de nuevos sonidos y colores.

Los aportes individuales destacan nítidamente en la suma total, sobresaliendo, especialmente, la expresiva voz de Francesco Di Giacomo, la mostruosa performance en los teclados de los Nocenzi, y la omnipresente batería de Pier Luigi Calderoni.

No sé si 'Io Sono Nato Libero' sea la mejor introducción al género, o incluso a la banda, pero su escucha sí es materia obligada para aquellos que ya se hayan curtido con el rock progresivo de la península.

VAN MORRISON - ASTRAL WEEKS

El primer trabajo grande de Van Morrison tras dejar a los Them.

Por supuesto, en su primera entrega había cambiado radicalmente su música, con respecto a la que su ex agrupación ofrecía, pero es recién en éste álbum donde pone de manifiesto el cambio.

Morrison cuenta historias como un trovador, un juglar. Pero aquí modifica la naturaleza convencional del trovador, acompañádose de un fondo musical extraordinario, pleno de matices folk, pop, jazz y hasta música celta, que brillan por su belleza y acompañan perfectamente las letras evocativas y fuertemente espirituales del autor. Su poesía posee una gran carga de poderosas imágenes del entorno rural y suburbano de su Belfast natal.

Todo esto, sin mencionar el aporte innovador de Morrison al ser uno de los primeros en fusionar una canción de rock con acompañamiento de jazz y orquesta de vientos("The Way Young Lovers Do") pese a que el sonido general del disco rehúye cualquier afiliación directa con estilo musical alguno.

En resumen, uno de los discos más influyentes en el pop y folk-rock de todas las épocas.

Dale una sola vuelta al cd, y, de arranque, te enamorarás con el irresistible optimismo de la canción homónima.

THE WHO - TOMMY

Desde la portada supe que me iba a gustar.

Apenas lo ví en oferta y en buena edición no lo dudé.

Aunque menos aclamado que otros trabajos suyos, 'Tommy' ocupa un lugar histórico en el catálogo de The Who. Es el momento en que concretan la visión fantástica de Pete Townshend...74 minutos parecen extensos, pero la banda le imprime suficiente magia para no perder el hilo.

El primer acorde del álbum descoloca a quien busca un disco afín al contexto rock de 1969. Es límpido, cristalino y cálido. Nada que ver con las locuras lisérgicas de las bandas en boga. "Overture" se beneficia de ese temprano shock y nos da la bienvenida con los brazos abiertos.

A medida que los tracks avanzan, se denota un patrón sónico recurrente (un conjunto de la perfectos riffs acústicos) el cual contrasta con el duro contenido lírico de la obra. Tommy resulta ser un niño que nunca debió nacer. Abuso infantil, adulterio, golpes en el colegio, vida callejera y demás desgracias se suceden, pero The Who logra lo impensable hasta entonces: que una banda pop maquille un concepto integral de gran carga dramática y cuyo valor musical sea equivalente al de la historia: finalmente, la primera ópera rock vio la luz.

Y una vez que pasamos al tema musical en sí, las bondades son muchas.
Entwistle y Moon, considerados como una de las mejores secciones rítmicas de la historia, dan cátedra acerca de cómo generar tensión en el background de un conjunto sonoro tan ambicioso, pleno de cambios súbitos de ritmo, teclados, múltiples capas de guitarras y voces que se alternan. Roger Daltrey, por ejemplo, me convence mucho más como cantante aquí. Es completamente mérito suyo el darle un tinte teatral a las interpretaciones y también brindarles un doble valor, en tanto musical como catalizadores de nostalgia. Es como volver nuevamente a nuestro tiempo de chicos y escuchar a los cuentacuentos en un auditorio añorado. Si no sientes nada en “Tommy Can You Hear Me?” entonces algo serio pasa en tu vida.
No puedo más que dejar al final al arquitecto del disco. Peter Townshend se luce aquí con un nutrido torrente de finos guitarreos y arreglos inéditos de teclados, vientos y cuerdas (“Amazing Journey”, “Sparks”, “Pinball Wizard”, “Acid Queen” y “I’m Free” lo prueban) que son como los personajes de una historia que no pareciera necesitar el respaldo lírico.

The Who, entonces, marca un eslabón entre décadas. El rock de los 60s demostró canalizar perfectamente los enormes talentos de multitud de músicos y lentamente se iba institucionalizando como el arte que el rock pretendió ser en la década siguiente. Es por eso que yo no considero a ‘Tommy’ como rock progresivo (como suelen hacerlo algunos), sino como uno de sus antecedentes inmediatos. Todavía se siente frescura. Posee el entusiasmo del explorador, no la pericia madura del historiador.

Y regresando a la portada del álbum, quizá sea una lectura particular mía, pero no dejo de relacionar los tormentos del niño protagonista con aquellos barrotes de una prisión perfecta: aquellos albergan los colores del cielo, las nubes y las siluetas de las aves. Es una paradoja.
La libertad creativa se volvía una obligación.

Sin embargo, los rostros del grupo aún asoman entre aquellos barrotes celestes. The Who aún tenía mucho por decir. Sacarían un grito de libertad enorme en 1971 y una obra maestra en 1973, con la cual cumplen su papel al cerrar su etapa como jóvenes en el mismo año donde las corporaciones absorben al rock y lo vencen como expresión espontánea y popular.

La historia de Tommy fue una premonición? WHO knows?

IRON MAIDEN - THE NUMBER OF THE BEAST

'The Number of the Beast' es el disco que yo considero como el menos interesante de la discografía ochentera de la Dama de Hierro. Digo menos interesante, no sólo porque los hits han sido expuestos públicamente hasta la saciedad y son de referencia obligada para cualquier conocedor o fan incipiente del metal, sino porque el puto disco está citado en TODOS LADOS como una obra maestra.

Para citar ejemplos, la intro de "The Number of the Beast", así como el aullido de harpía bestial de Dickinson son ya marca registrada del "sonido Maiden" y suele ser el elemento introductorio a la banda. Lo mismo va para la galopante sección rítmica de "Run to the Hills". Las líneas de bajo de Steve Harris representan un muestrario para el aspirante a músico de este género en particular. Pero a veces resulta ya cansador encontrarlos por todos lados.

Otro punto en contra es el particular enfoque melódico del álbum. A comparación de la fresca furia punkera de los dos primeros discos, del sonido épico del 'Piece of Mind', de la potencia marcial del 'Powerslave' o la majestuosidad del 'Seventh Son of a Seventh Son', el debut de Dickinson con Iron Maiden demuestra cierta ligereza.

"The Prisoner" es una canción larga, que no cala en mi interior, le falta dramatismo. "Invaders" se esfuerza demasiado en su visión apocalíptica y "Hallowed Be Thy Name", aunque muy buena, no está a la altura de otros temas épicos de la banda. Los riffs y fraseos guitarreros son bastante dinámicos, pero no transmiten esa urgencia metalera, ese feeling del cual los headbangers se ufanan.

Sin embargo, 'The Number of the Beast' también supuso un tremendo paso hacia adelante en temas de composición. Las canciones no se suelen extender más de lo debido. La sección rítmica, todavía con Clive Burr en batería, gana complejidad. Las guitarras de Smith y Murray canalizan su virtuosidad de forma mucho más clara, aprovechando los duelos solistas y las armonías a plenitud. Ya no hay elementos que sobren, ya no hay secciones que pasen al olvido o un sonido en proceso.

Pero es, sobre todo, el trabajo vocal el que le da un tremendo valor agregado.

A pesar de que la etapa con Paul Di Anno me encanta, jamás Iron Maiden hubiera logrado el poderoso impacto del lamento de "Children of the Damned" sin el registro vocal de Dickinson. El vértigo de "22 Acacia Avenue" también se ve fortalecido por tal cualidad. Y estoy hablando de 2 de los mejores temas de una de los grupos más emblemáticos del movimiento. Aquél que grabaría su nombre de manera eterna en la lápida del panteón de los héroes del número de la bestia. Una lápida cuya tumba esta vacía, ya que Eddie es inmortal, así como el legado de la banda.

Y como decía antes, éste es el disco menos interesante de su mejor período, pero eso no significa que sea el de menor nivel. Y cuando hablamos de los estándares de la Dama de Hierro, estamos hablando de palabras mayores.

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN - FÜNF AUF DER NACH OFFENEN RICHTERSKALA

'Fünf auf der nach oben offenen Richterskala' es, comúnmente, reconocido como el disco de trancisión para esta banda insigne de la música industrial alemana. (Y también un título bien complicado/pendejo de leer)

Similar a la propuesta posterior de Nine Inch Nails, pero salvando las diferencias del caso, las estructuras de las canciones se hacen más concisas y responden a una preponderancia de melodías en lugar de texturas. Aún así, tal sentido de construcción y de ritmo todavía está fuertemente marcado por progresiones y crescendos sónicos casi atonales, en lugar de riffs repetitivos y coro-verso-coro.
Esto es claro en temas como el clásico "Ich bin's" Por otro lado, "Zerstörte Zelle" es una estupenda y, a veces, espeluznante canción de apertura, heredera (en mi opinión) del Can más obscuro (Aumgn, para ser más exactos) donde múltiples capas de corrosiva distorsión se yuxtaponen y progresan en un siniestro crescendo a manera de marcha fúnebre.

El clímax es particularmente oscuro, similar al que se encuentran en temas como la exótica "12 Städte" y la ansiosa "MoDiMiDoFrSaSo"

Para un recién iniciado en este tipo de sonidos, el disco resulta sumamente estimulante. No es fácil de procesar en un inicio, pero tampoco es imposible de entenderlo. Y es, aparentemente, EL disco de 'Einstürzende Neubauten' al que se debe recurrir como punto de partida. Recomendaciones sobran.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

QUEENS OF THE STONE AGE

La banda definitiva de hard rock de la última década, esta segunda aventura del guitar maestro Josh Homme(quitando al maravilloso colectivo Dessert Sessions) significó un giro de 180 grados con respecto a lo que se especializaba su banda anterior, Kyuss.
Afuera quedaron el cavernoso fuzz y las exploraciones sónicas. En su lugar, las Reinas Pedregosas se doctoraron en rock n' roll puro y duro y con harto huevo, el cual consigue combinar los brutales, secos riffs guitarreros y el énfasis con los tonos graves con un vértigo punky e incluso un toque de melodicismo pop.

Por supuesto, esto no significa que la banda no mantenga lazos con el pasado. Pareciera como si los hipnóticos pasajes sonoros de Kyuss se adaptaran en las absurdas letras, en sus excéntricos coros y armonías vocales (los cuales se acompañan, a veces, de aplausos y otros elementos exóticos del pop sesentero) cuyo fondo musical proviene de un ilimitado arsenal de bulleras -a veces, atonales- capas de guitarra y arreglos rítmicos tan intrincados que producen un robótico aunque dinámico sonido pleno de tensión sonora.
Peculiar, no? Olvidé mencionar sus videoclips chiflados? sus teatrales shows? la enorme lista de superestrellas que figuran como invitados en sus álbumes? Esta banda es tan singular como puede serlo y eso que hablamos de una banda americana de hard rock, las cuales tienden a seguir una fórmula cual corderitos.
Es por todo esto que Queens of the Stone Age es una de las pocas bandas contemporáneas cuyos lanzamientos espero con impaciencia de fan dedicado.
"Rated R" por "Recomendado"!"

CRÓNICAS

THE B-52s

23 de Abril, 2009
Estadio Nacional de Lima

Acabo de regresar del concierto, y debo decir que, con la posible excepción de Iron Maiden y R.E.M., debe haber sido el mejor espectáculo que he presenciado desde que los impuestos por concepto de espectáculos bajaron.

Ahora, me gustaría destacar 2 cosas:

A) Que B-52s, pese a haber tenido un sabático de 16 años entre lanzamientos("Good Stuff" de 1992 fue el último antes del "Funplex") no ha perdido ni un ápice de su energía y originalidad en vivo.
Ni Schneider, ni Pierson ni Wilson demuestran efectos negativos por la veteranía. Su interpretación vocal fue impecable y para el aplauso. Strickland en guitarra y el resto de la banda, si bien se mantienen en un segundo plano visual, demostraron ser mucho más que capaces como soporte musical.
Pero la vitalidad va acompañada por un sentido del humor innegable. Me he reído y disfrutado como nunca, pese a haber estado en una zona relativamente alejada del escenario.
Basta con recordar la sección final de Rock Lobster, donde Schneider improvisa con la cantidad de animales que le pidió a Pierson y Wilson para que imitaran con sus extaños alaridos.

B)Siento que, musicalmente, todavía son relevantes como ente creativo, y han sabido sortear al tiempo.

Haciendo una pequeña extensión de las bases del artículo principal de esta página. Si bien B-52s fue uno de los grupos más mediáticos de la etapa new wave, su sonido tenía una originalidad muy fuerte, así como innegable es su identidad como colectivo musical.
Por ejemplo, la banda, en un inicio, carecía de bajo(una de las similitudes que guardan con The Doors). Ricky Wilson(hermano de Cindy y fallecido por sida en 1985) poseía un estilo de guitarra inigualable, tocando siempre notas bajas, en una combinación de rítmica y solista muy versátil. Punzante pero funky. El contrapunto melódico eran las notas agudas del teclado psicodélico de su hermana.
Punto aparte el trabajo vocal, donde un excéntrico Schneider sólo gesticula y se apoya en las armonías de las chicas, donde mezclan divertidas estrofas y coros kitsch, reminiscentes del surf rock(previo a The Beatles)
Se añade a esta receta una percusión extremadamente dinámica y punky para desarrollar un cóctel que guarda el colorido del new wave y la experimentación del post-punk, y dio lugar a los lanzamientos de The B-52s(1979) y Wild Planet(1980) que están presentes en la colección de todo fan que se precie de seguir al post-punk, y que están, tranquilamente, a la altura de cualquier disco de Talking Heads, Gang of Four, XTC, Elvis Costello, Wire, The Cars, o cualquier otra banda mencionada más arriba.
Luego de casi 10 años, y tras la muerte de Ricky, la banda lanza "Cosmic Thing", un disco decididamente pop, con algunos elementos de su propuesta anterior, donde Strickland deja la guitarra por la batería y se añaden 2 nuevos miembros a la banda. El disco, si bien perdía un poco la honestidad por el comercialismo, tenía una calidad melódica sin par y el sonido B-52s seguía siendo identificable.
Algo similar ha sucedido con el "Funplex", donde se adaptan a las concesiones del pop del nuevo milenio arrastrando elementos de su sonido de finales de los 80's.

Todo este recuento lo hago para describir el concierto que acabo de presenciar.
Tuvo momentos más movidos, momentos más reflexivos, un sonido más agresivo, un sonido más atmosférico, pero el recorrido por los clásicos de más de 30 años de carrera mantiene casi el mismo nivel y no existieron puntos bajos en realidad.

Pareciera que es 1980 y la fiesta de 2 horas es interminable. Una larga noche psicodélica y optimista donde, estoy seguro, cada asistente perdió el cable a tierra por completo.

Y, para rematar, nos regalaron 1 hora con los legendarios New York Dolls.
No se puede pedir más.

PARTY OUT OF BOUNDS!!!

Setlist:


Pump
Mesopotamia
Ultraviolet
Private Idaho
Give Me Back My Man
Funplex
Strobe Light
Quiche Lorraine
Juliet of the Spirits
Roam
Party Out Of Bounds
Love in the Year 3000
Hot Corner
Channel Z
Love Shack

Encore:

Planet Claire
Keep This Party Going

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

R.E.M.

R.E.M. es realmente una anomalía. Debe haber algo especial en un colectivo musical que puede reconstruir su fórmula tantas veces como quiera y no saturar en el proceso. Desde sus inicios garajeros en Chronic Town, de claro sabor underground, lleno de una energía nerviosa y promisoria; a sus sublimes ejercicios pop en Automatic for the People y New Adventures in Hi-Fi, R.E.M. nunca cambió su sonido insigne y tremendamente influyente. Podría entenderse como una reinterpretación del sonido barroco y luminoso del folk rock y country rock sesentero por medio de un filtro punk, pero la banda tomó dichos elementos como propios y le añadió una frescura irresistible, convirtiéndose en una de las bandas definitivas de los 80s, con el agregado de poseer un sonido reconocible al instante (casi inconcebible para una banda de la década)

La lúdica sección rítmica de Bill Berry y Mike Mills apoyaba de forma brillante el arsenal melódico del gran Peter Buck y, aunque apenas entienda lo que Michael Stipe está tratando de comunicar en su canto, siempre he adorado su tono gentil y sincero, capaz de emitir su mensaje sin usar palabras (quizá "murmullos"?) haciéndote acordar que existen personas que aún disfrutan escuchando música pop sin pensar en ella como un placer prohibido y, al mismo tiempo, olvidar que eras testigo privilegiado del nacimiento y evolución de todo el rock alternativo.

Hace unos pocos días, en esta semana, la banda se separó.
Ya comienzo a extrañarlos...pero para eso están los discos, no?...And I Feel Fine!

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

JIMI HENDRIX

Jimi Hendrix no era sólo un guitarrista, la guitarra era una extensión de su mente y alma. Era a través de su viola que Jimi se expresaba personalmente. Representaba la forma en que hablaba, caminaba o, incluso, respiraba. Dada esta extrema realcion entre un músico y su instrumento, Hendrix se convirtió en un maestro compositor, un cantante expresivo y sensible y un genio en el estudio que construyó, con suma facilidad, montones y montones de canciones que cobraban vida por sí mismas.

Esta orgánica cacaterística no tiene paralelo entre los músicos de rock. Desde su muerte, no ha existido un sólo guitarrista tan importante o revolucionario, pero su trabajo se mantuvo tan vital e inspirador que su influencia sobre el mundo de la música terminó por derrotar a su propia muerte.
De esa forma, el negro lindo que vino desde Marte directamente a tocar en Monterrey, ganó su inmortalidad.