MUSIC SERGE

POR QUÉ ESCUCHAR ESTAS BANDAS?

2012-01-04T22:39:00.000-08:00

THE CURE

"La historia de The Cure es la historia de la continua lucha entre Robert Smith y su deseo de permanecer ignorante de que existe una luz al fondo del túnel. Siempre puedes sentir que hay un elemento luminoso entre toda la gótica, siniestra oscuridad que gobierna sus canciones.

Podría tratarse de la manifiesta ternura de "Pictures Of You", las hermosas capas guitarreras de "A Forest", la inocente belleza de las melodías de "Boys Don't Cry" o la agridulce pero firme esperanza en las letras de "Friday I'm In Love".

La banda ha cubierto (y en algunos casos inició) muchas de las fases más representativas de la escena underground británica de los ochentas, al mismo tiempo que marcaba la estética visual de una generación entera de fans de la música popular.

Subrayando su versatilidad, sus primeros trabajos fueron piedras angulares para la música post/punk y gótica, sirviendo de arquetipo para toneladas de bandas que llegaron luego. Lo mismo va para su período college-rock de mediados de los '80s y los notables ejercicios de guitarra pop de sus años más populares.

Sus álbumes y singles siempre fueron una lección de maestría melódica y lirismo emocional, a pesar de que Smith, en realidad, estaba expresando su propia angustia a través de las canciones.

Esta particular combinación de honestidad y belleza musical ha convertido a The Cure en una de las bandas más icónicas de una década en particular y uno de los mejores productos que las Islas Británicas nos regalaron jamás."

CHARLY GARCÍA - YENDO DE LA CAMA AL LIVING

2011-12-20T10:58:00.000-08:00

En mi opinión, el disco que corroboró que estábamos ante un genio de la música popular latinoamericana.
Luego de haber pasado por 3 bandas estupendas, las cuales se destacaban por diferentes motivos (no detallaré eso aquí) Charly decide mandarse en solitario y cuajar todos los elementos sónicos y líricos que empleara luego de 12 años de colectivos.

Así, se fusionan aquí la vena del moderno trovador urbano, el contestatario rockero y el exquisito compositor de cámara, todo bajo un familiar filtro wave muy propio de este subcontinente (quizá por eso la producción no me aliena tanto como otros discos de la época. Eso lo citaré más abajo)

Las canciones tienen la virtud de ser accesibles, sofisticadas y suculentas a la vez. Hay mucha atención a los detalles, como las delicadas armonías vocales (de lejos, su mejor trabajo en ese aspecto) y las precisas pinceladas de teclados que ornamentan melodías involvidables. Invitados estelares hay de sobra, como su viejo compinche Nito; el otro gran genio argentino, el Flaco Spinetta; León Gieco, o incluso el que fuera un gran colaborador de García más adelante, Pedro Aznar. Cada uno aporta su estilo a las canciones, le brindan variedad e incluso vigencia.
"Peluca Telefónica", por ejemplo, es un absurdo irónico y maravilloso que los primeros 80s necesitaban. Algo similar va para "Vos También Estabas Verde". "Superhéroes" es un guiño al pasado que, extrañamente, suena en su lugar. Regresando a temas de producción, por ejemplo, "Yendo de la Cama al Living" tiene el típico sonido inorgánico y pleno de eco del funk 80s, pero las sardónicas letras y la gran performance vocal de Charly me mantienen en un lugar confortable y familiar. Incluso León Gieco, del cual no aprecio el canto, realiza un gran trabajo en la tremenda "Yo no Quiero Volverme Tan Loco", uno de los mejores poemas a la angustia juvenil argentina del régimen militar.

Punto aparte para "Inconciente Colectivo", la cual considero su mejor canción y el documento DEFINITIVO de su generación. Es tan hermosa la interpolación de las voces, tan apasionado el mensaje que el canto pareciera venir desde arriba hacia abajo y no al revés. No miento si digo que lo que Lennon intentó con "Tomorrow Never Knows" Charly lo logró con este tema. Contextualmente, no tienen nada que ver, pero a fin de cuentas ambos son un grito libertario que pretendió, sónicamente, tener una carga quasi-divina. En el caso de "Inconciente Colectivo", la cosa no se quedó sólo en pretensión. "Yendo de la Cama al Living" es un triunfo por muchas razones y el auspicioso comienzo del mejor artista solista de la década para la Argentina. Difícil que el propio Charly llegue, siquiera, a igualar ese nivel.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

2011-12-15T23:06:00.000-08:00

METALLICA

El inicio de la década de 1980 auguraba tiempos difíciles para el heavy metal. Seguro, Judas Priest, Motorhead y Maiden probaron ser los salvadores, añadiendo un tono oscuro y agresivo a sus composiciones, pero fue verdaderamente con el ascenso de Metallica en el colectivo headbanger que el metal expandió sus límites y alcanzó nuevos picos comerciales y artísticos.

El punk había tomado la posta como representante musical de la juventud contestataria, y el heavy setentero, con todos sus excesos y pompa, había quedado relegado.

Es entonces que el cuarteto de San Franciso empieza a probar su valía. Crecieron consistentemente de lanzamiento en lanzamiento (Ride The Lightning? Master of Puppets?) y supieron mantener su imagen callejera, atrayendo a miles de fans rabiosos, desadaptados. PUNKS.

Incluso la expulsión de un miembro clave en sus inicios y la muerte de uno de los mejores bajistas de la historia no los detuvo para convertirse en la voz de un movimiento. Porque el heavy metal era, finalmente, un movimiento, gracias a ellos.

El nacimiento del thrash abrió las puertas para muchas bandas geniales, pero, al incluir estructuras complejas (heredadas del progresivo) Metallica alcanzó un pico inédito que los colocó como la cabeza del estilo. Para cuando salió a la venta el "...And Justice For All" -con tremendo éxito pese a la falta de apoyo de las radios- se dieron el lujo de romper su promesa y produjeron su primer videoclip. 'One' no solo se convertía en su mejor canción (opinión personal) sino que proveía las bases para todos los videos metalheads que siguieron.

El metal ya no era un simple sinónimo de "más rápido, más pesado, más oscuro". El metal era arte. Cuando se dieron cuenta de que tenían que evolucionar, lanzaron su album más pesado - Metallica (AKA The Black Album)- y pese a los gritos de "vendidos" por parte de los ahora incontables seguidores del thrash, la banda decisió seguir adelante, y continuaron provocando amor y odio al mismo nivel...hasta hoy

No me importa si el "St. Anger" fue un desastre, o que se hayan cortado el pelo, o que hayan enjuiciado a Napster. Aún son una máquina del metal pesado, aún tocan música genial...en mi corazón, aún son la Banda del Pueblo.

Los peruanos fuimos testigos de ello el año pasado y con gusto y desparpajo nos animamos a gritar:

Metal up yer ass!!!!

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

2011-12-15T18:45:00.001-08:00

KING'S X

Es interesante ver lo criminalmente ignorada que fue esta banda en su momento. Empezando como una banda de metal quasi-progresiva con trazas de rock sureño (imagínense una versión jazz-rock de Lynyrd Skynyrd con un poco de Rush añadido a la receta y entenderán mi punto) hacia 1994 ya se habían reinventado a sí mismos y, rápidamente, se volvieron una de las mejores y más duras bandas alternativas de la era grunge, y una de las que poseía la mayor cantidad de recursos. Y todo esto sin abandonar jamás su sonido insigne (patrones rítmicos complejos, apasionadas armonías vocales y una intensidad generalizada)

Su virtuosidad técnica es incuestionable. Basta con que escuchen su actuación en Woodstock '94 (fueron las luminarias del show) y traten de demostrar lo contrario.

Existieron muchas razones para que se convirtieran en superestrellas, pero nunca lo fueron. En realidad, eso actuó a su favor, ya que nunca se vieron forzados a seguir las tendencias del mainstream y producto de ello es su más que consistente discografía. Incluso sus proyectos en paralelo son de interés inmediato para los fans y oyentes casuales.

Rock cristiano, las huevas, esta es música orgánica para el alma de nosotros, los herejes.

Faith, Hope, Love, brother!

NINE INCH NAILS - THE FRAGILE

2011-12-15T18:33:00.000-08:00

Trent Reznor dio una muestra definitiva de su capacidad con el lanzamiento de 'The Fragile', en 1999.

No sólo era el tercer LP de una banda(concepto, unipersonal...tú decide) que no había tenido momentos flojos hasta entonces, sino que también se trataba de un disco doble y de una actualización de su sonido.

10 años para 3 LPs pueden parecer muchos, pero se debe tomar en cuenta la calidad del material lanzado, y la cantidad de singles y EPs que se lanzaron en paralelo. A la positiva acogida de la crítica se debe añadir un respetable éxito comercial. El álbum debutó en el número 1 de Billboard y se vendió razonablemente bien.

Ahora, en lo estrictamente musical, The Fragile muestra similitudes con 'The Downward Spiral' en el sentido de que favorece texturas y atmósfera en lugar de las estructuras accesibles y efectivas melodías de su debut, 'Pretty Hate Machine'. Sin embargo, en lugar del sonido denso, profundo y abrasivo del disco anterior, The Fragile observa una especie de "apertura" sónica, menos saturado y en un efecto de capas(layered, perdón por mi vocabulario) el cual se compensa con guitarras de heavy metal en algunos casos, como en la demoledora "Starfuckers, inc" o la monstruosa "We're in this Together", dos de los mejores singles de la banda.

Los beats electrónicos tienen mayor presencia que en trabajos anteriores, lo cual , sin embargo, no hace al disco más accesible en su lectura. No abundan los ganchos, lo cual era el mayor aporte de NIN dentro de la música industrial. Reznor transformó a su bestia, convirtiéndola en un enorme lienzo donde descargar sus ideas y frustraciones, una propuesta más sui generis, no tan abierta al oído colectivo. A eso se añaden las siempre tortuosas letras, marca de fábrica de Reznor.

Dos cd's resultan un poco extensos y le quitan impacto. Ni siquiera el intento de reciclar melodías o riffs de otras canciones del mismo album(caso Into the Void) ayudan a enlazarlo mejor.

A pesar de todo, si el oidor es paciente, el disco lo recompensará con muchos momentos de gran calidad y riqueza instrumental. Gracias a su ambicioso concepto, debe ser uno de los discos mejor ensamblados sónicamente de los últimos 10 años.

Recomendable para aquellos que disfrutan del rock progresivo y experimental en su fase más ácida.

BANCO DEL MUTUO SOCCORSO - IO SONO NATO LIBERO

2011-12-15T18:28:00.000-08:00

'Io Sono Nato Libero' es el tercer disco de la tríada dorada de trabajos que le dieron a 'Banco del Mutuo Soccorso' uno de los lugares preponderantes en la escena progresiva italiana.

Ni tan legendario como el debut epónimo, ni tan aclamado como su predecesor Darwin!, éste tercer álbum tiene los méritos de haber mantenido a la misma formación, responder a los altos estándares señalados por sus antecesores, y lograr una gran cohesión a lo largo de sus 40 minutos.

El progresivo italiano ya había refinado sus bases, las cuales eran una continuación de los principales elementos de los grupos de prog inglés, y 'Banco del Mutuo Soccorso' se había afincado como uno de los principales exponentes del lado menos turbulento y experimental, pero más melódico del género. Afín a la influencia de bandas como Genesis, Gentle Giant y The Nice, su tendencia era más sinfónica que progresiva.

Sin embargo, luego de las conclusiones preliminares, se denotan los elementos vernaculares propios de la península. Un estilo vocal quasi-operático, una mayor presencia de los teclados, el uso de diferentes escalas con respecto a sus pares británicos, y un contenido lírico más luminoso, o menos negativo en todo caso, que hacía referencia a la literatura, a las ciencias y al arte.

El disco empieza con la portentosa "Canto nomade per un prigionero politico", de cierto tinte politizado, que nos ofrece un trabajo vocal de extrema vulnerabilidad y secciones de enorme complejidad rítmica que apoyan virtuosos pasajes de teclados y frases de guitarras. Uno podría imaginar que el plato de fondo ya fue servido, pero temas como la delicada balada "Non mi rompete", la asombrosamente compleja pero melódica "La città sottile" y la canción de cierre, "Traccia II" (la cual hace las veces de un perfecto coda) nos demuestra que aún queda mucho en el menú para los aficionados hambrientos de nuevos sonidos y colores.

Los aportes individuales destacan nítidamente en la suma total, sobresaliendo, especialmente, la expresiva voz de Francesco Di Giacomo, la mostruosa performance en los teclados de los Nocenzi, y la omnipresente batería de Pier Luigi Calderoni.

No sé si 'Io Sono Nato Libero' sea la mejor introducción al género, o incluso a la banda, pero su escucha sí es materia obligada para aquellos que ya se hayan curtido con el rock progresivo de la península.

VAN MORRISON - ASTRAL WEEKS

2011-11-25T17:04:00.000-08:00

El primer trabajo grande de Van Morrison tras dejar a los Them.

Por supuesto, en su primera entrega había cambiado radicalmente su música, con respecto a la que su ex agrupación ofrecía, pero es recién en éste álbum donde pone de manifiesto el cambio.

Morrison cuenta historias como un trovador, un juglar. Pero aquí modifica la naturaleza convencional del trovador, acompañádose de un fondo musical extraordinario, pleno de matices folk, pop, jazz y hasta música celta, que brillan por su belleza y acompañan perfectamente las letras evocativas y fuertemente espirituales del autor. Su poesía posee una gran carga de poderosas imágenes del entorno rural y suburbano de su Belfast natal.

Todo esto, sin mencionar el aporte innovador de Morrison al ser uno de los primeros en fusionar una canción de rock con acompañamiento de jazz y orquesta de vientos("The Way Young Lovers Do") pese a que el sonido general del disco rehúye cualquier afiliación directa con estilo musical alguno.

En resumen, uno de los discos más influyentes en el pop y folk-rock de todas las épocas.

Dale una sola vuelta al cd, y, de arranque, te enamorarás con el irresistible optimismo de la canción homónima.

THE WHO - TOMMY

2011-11-14T22:28:00.000-08:00

Desde la portada supe que me iba a gustar.

Apenas lo ví en oferta y en buena edición no lo dudé.

Aunque menos aclamado que otros trabajos suyos, 'Tommy' ocupa un lugar histórico en el catálogo de The Who. Es el momento en que concretan la visión fantástica de Pete Townshend...74 minutos parecen extensos, pero la banda le imprime suficiente magia para no perder el hilo.

El primer acorde del álbum descoloca a quien busca un disco afín al contexto rock de 1969. Es límpido, cristalino y cálido. Nada que ver con las locuras lisérgicas de las bandas en boga. "Overture" se beneficia de ese temprano shock y nos da la bienvenida con los brazos abiertos.

A medida que los tracks avanzan, se denota un patrón sónico recurrente (un conjunto de la perfectos riffs acústicos) el cual contrasta con el duro contenido lírico de la obra. Tommy resulta ser un niño que nunca debió nacer. Abuso infantil, adulterio, golpes en el colegio, vida callejera y demás desgracias se suceden, pero The Who logra lo impensable hasta entonces: que una banda pop maquille un concepto integral de gran carga dramática y cuyo valor musical sea equivalente al de la historia: finalmente, la primera ópera rock vio la luz.

Y una vez que pasamos al tema musical en sí, las bondades son muchas.
Entwistle y Moon, considerados como una de las mejores secciones rítmicas de la historia, dan cátedra acerca de cómo generar tensión en el background de un conjunto sonoro tan ambicioso, pleno de cambios súbitos de ritmo, teclados, múltiples capas de guitarras y voces que se alternan. Roger Daltrey, por ejemplo, me convence mucho más como cantante aquí. Es completamente mérito suyo el darle un tinte teatral a las interpretaciones y también brindarles un doble valor, en tanto musical como catalizadores de nostalgia. Es como volver nuevamente a nuestro tiempo de chicos y escuchar a los cuentacuentos en un auditorio añorado. Si no sientes nada en “Tommy Can You Hear Me?” entonces algo serio pasa en tu vida.
No puedo más que dejar al final al arquitecto del disco. Peter Townshend se luce aquí con un nutrido torrente de finos guitarreos y arreglos inéditos de teclados, vientos y cuerdas (“Amazing Journey”, “Sparks”, “Pinball Wizard”, “Acid Queen” y “I’m Free” lo prueban) que son como los personajes de una historia que no pareciera necesitar el respaldo lírico.

The Who, entonces, marca un eslabón entre décadas. El rock de los 60s demostró canalizar perfectamente los enormes talentos de multitud de músicos y lentamente se iba institucionalizando como el arte que el rock pretendió ser en la década siguiente. Es por eso que yo no considero a ‘Tommy’ como rock progresivo (como suelen hacerlo algunos), sino como uno de sus antecedentes inmediatos. Todavía se siente frescura. Posee el entusiasmo del explorador, no la pericia madura del historiador.

Y regresando a la portada del álbum, quizá sea una lectura particular mía, pero no dejo de relacionar los tormentos del niño protagonista con aquellos barrotes de una prisión perfecta: aquellos albergan los colores del cielo, las nubes y las siluetas de las aves. Es una paradoja.
La libertad creativa se volvía una obligación.

Sin embargo, los rostros del grupo aún asoman entre aquellos barrotes celestes. The Who aún tenía mucho por decir. Sacarían un grito de libertad enorme en 1971 y una obra maestra en 1973, con la cual cumplen su papel al cerrar su etapa como jóvenes en el mismo año donde las corporaciones absorben al rock y lo vencen como expresión espontánea y popular.

La historia de Tommy fue una premonición? WHO knows?

IRON MAIDEN - THE NUMBER OF THE BEAST

2011-11-08T21:09:00.000-08:00

'The Number of the Beast' es el disco que yo considero como el menos interesante de la discografía ochentera de la Dama de Hierro. Digo menos interesante, no sólo porque los hits han sido expuestos públicamente hasta la saciedad y son de referencia obligada para cualquier conocedor o fan incipiente del metal, sino porque el puto disco está citado en TODOS LADOS como una obra maestra.

Para citar ejemplos, la intro de "The Number of the Beast", así como el aullido de harpía bestial de Dickinson son ya marca registrada del "sonido Maiden" y suele ser el elemento introductorio a la banda. Lo mismo va para la galopante sección rítmica de "Run to the Hills". Las líneas de bajo de Steve Harris representan un muestrario para el aspirante a músico de este género en particular. Pero a veces resulta ya cansador encontrarlos por todos lados.

Otro punto en contra es el particular enfoque melódico del álbum. A comparación de la fresca furia punkera de los dos primeros discos, del sonido épico del 'Piece of Mind', de la potencia marcial del 'Powerslave' o la majestuosidad del 'Seventh Son of a Seventh Son', el debut de Dickinson con Iron Maiden demuestra cierta ligereza.

"The Prisoner" es una canción larga, que no cala en mi interior, le falta dramatismo. "Invaders" se esfuerza demasiado en su visión apocalíptica y "Hallowed Be Thy Name", aunque muy buena, no está a la altura de otros temas épicos de la banda. Los riffs y fraseos guitarreros son bastante dinámicos, pero no transmiten esa urgencia metalera, ese feeling del cual los headbangers se ufanan.

Sin embargo, 'The Number of the Beast' también supuso un tremendo paso hacia adelante en temas de composición. Las canciones no se suelen extender más de lo debido. La sección rítmica, todavía con Clive Burr en batería, gana complejidad. Las guitarras de Smith y Murray canalizan su virtuosidad de forma mucho más clara, aprovechando los duelos solistas y las armonías a plenitud. Ya no hay elementos que sobren, ya no hay secciones que pasen al olvido o un sonido en proceso.

Pero es, sobre todo, el trabajo vocal el que le da un tremendo valor agregado.

A pesar de que la etapa con Paul Di Anno me encanta, jamás Iron Maiden hubiera logrado el poderoso impacto del lamento de "Children of the Damned" sin el registro vocal de Dickinson. El vértigo de "22 Acacia Avenue" también se ve fortalecido por tal cualidad. Y estoy hablando de 2 de los mejores temas de una de los grupos más emblemáticos del movimiento. Aquél que grabaría su nombre de manera eterna en la lápida del panteón de los héroes del número de la bestia. Una lápida cuya tumba esta vacía, ya que Eddie es inmortal, así como el legado de la banda.

Y como decía antes, éste es el disco menos interesante de su mejor período, pero eso no significa que sea el de menor nivel. Y cuando hablamos de los estándares de la Dama de Hierro, estamos hablando de palabras mayores.

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN - FÜNF AUF DER NACH OFFENEN RICHTERSKALA

2011-09-29T11:46:00.000-07:00

'Fünf auf der nach oben offenen Richterskala' es, comúnmente, reconocido como el disco de trancisión para esta banda insigne de la música industrial alemana. (Y también un título bien complicado/pendejo de leer)

Similar a la propuesta posterior de Nine Inch Nails, pero salvando las diferencias del caso, las estructuras de las canciones se hacen más concisas y responden a una preponderancia de melodías en lugar de texturas. Aún así, tal sentido de construcción y de ritmo todavía está fuertemente marcado por progresiones y crescendos sónicos casi atonales, en lugar de riffs repetitivos y coro-verso-coro.
Esto es claro en temas como el clásico "Ich bin's" Por otro lado, "Zerstörte Zelle" es una estupenda y, a veces, espeluznante canción de apertura, heredera (en mi opinión) del Can más obscuro (Aumgn, para ser más exactos) donde múltiples capas de corrosiva distorsión se yuxtaponen y progresan en un siniestro crescendo a manera de marcha fúnebre.

El clímax es particularmente oscuro, similar al que se encuentran en temas como la exótica "12 Städte" y la ansiosa "MoDiMiDoFrSaSo"

Para un recién iniciado en este tipo de sonidos, el disco resulta sumamente estimulante. No es fácil de procesar en un inicio, pero tampoco es imposible de entenderlo. Y es, aparentemente, EL disco de 'Einstürzende Neubauten' al que se debe recurrir como punto de partida. Recomendaciones sobran.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

2011-09-29T11:22:00.000-07:00

QUEENS OF THE STONE AGE

La banda definitiva de hard rock de la última década, esta segunda aventura del guitar maestro Josh Homme(quitando al maravilloso colectivo Dessert Sessions) significó un giro de 180 grados con respecto a lo que se especializaba su banda anterior, Kyuss.
Afuera quedaron el cavernoso fuzz y las exploraciones sónicas. En su lugar, las Reinas Pedregosas se doctoraron en rock n' roll puro y duro y con harto huevo, el cual consigue combinar los brutales, secos riffs guitarreros y el énfasis con los tonos graves con un vértigo punky e incluso un toque de melodicismo pop.

Por supuesto, esto no significa que la banda no mantenga lazos con el pasado. Pareciera como si los hipnóticos pasajes sonoros de Kyuss se adaptaran en las absurdas letras, en sus excéntricos coros y armonías vocales (los cuales se acompañan, a veces, de aplausos y otros elementos exóticos del pop sesentero) cuyo fondo musical proviene de un ilimitado arsenal de bulleras -a veces, atonales- capas de guitarra y arreglos rítmicos tan intrincados que producen un robótico aunque dinámico sonido pleno de tensión sonora.
Peculiar, no? Olvidé mencionar sus videoclips chiflados? sus teatrales shows? la enorme lista de superestrellas que figuran como invitados en sus álbumes? Esta banda es tan singular como puede serlo y eso que hablamos de una banda americana de hard rock, las cuales tienden a seguir una fórmula cual corderitos.
Es por todo esto que Queens of the Stone Age es una de las pocas bandas contemporáneas cuyos lanzamientos espero con impaciencia de fan dedicado.
"Rated R" por "Recomendado"!"

CRÓNICAS

2011-09-23T11:41:00.000-07:00

THE B-52s

23 de Abril, 2009
Estadio Nacional de Lima

Acabo de regresar del concierto, y debo decir que, con la posible excepción de Iron Maiden y R.E.M., debe haber sido el mejor espectáculo que he presenciado desde que los impuestos por concepto de espectáculos bajaron.

Ahora, me gustaría destacar 2 cosas:

A) Que B-52s, pese a haber tenido un sabático de 16 años entre lanzamientos("Good Stuff" de 1992 fue el último antes del "Funplex") no ha perdido ni un ápice de su energía y originalidad en vivo.
Ni Schneider, ni Pierson ni Wilson demuestran efectos negativos por la veteranía. Su interpretación vocal fue impecable y para el aplauso. Strickland en guitarra y el resto de la banda, si bien se mantienen en un segundo plano visual, demostraron ser mucho más que capaces como soporte musical.
Pero la vitalidad va acompañada por un sentido del humor innegable. Me he reído y disfrutado como nunca, pese a haber estado en una zona relativamente alejada del escenario.
Basta con recordar la sección final de Rock Lobster, donde Schneider improvisa con la cantidad de animales que le pidió a Pierson y Wilson para que imitaran con sus extaños alaridos.

B)Siento que, musicalmente, todavía son relevantes como ente creativo, y han sabido sortear al tiempo.

Haciendo una pequeña extensión de las bases del artículo principal de esta página. Si bien B-52s fue uno de los grupos más mediáticos de la etapa new wave, su sonido tenía una originalidad muy fuerte, así como innegable es su identidad como colectivo musical.
Por ejemplo, la banda, en un inicio, carecía de bajo(una de las similitudes que guardan con The Doors). Ricky Wilson(hermano de Cindy y fallecido por sida en 1985) poseía un estilo de guitarra inigualable, tocando siempre notas bajas, en una combinación de rítmica y solista muy versátil. Punzante pero funky. El contrapunto melódico eran las notas agudas del teclado psicodélico de su hermana.
Punto aparte el trabajo vocal, donde un excéntrico Schneider sólo gesticula y se apoya en las armonías de las chicas, donde mezclan divertidas estrofas y coros kitsch, reminiscentes del surf rock(previo a The Beatles)
Se añade a esta receta una percusión extremadamente dinámica y punky para desarrollar un cóctel que guarda el colorido del new wave y la experimentación del post-punk, y dio lugar a los lanzamientos de The B-52s(1979) y Wild Planet(1980) que están presentes en la colección de todo fan que se precie de seguir al post-punk, y que están, tranquilamente, a la altura de cualquier disco de Talking Heads, Gang of Four, XTC, Elvis Costello, Wire, The Cars, o cualquier otra banda mencionada más arriba.
Luego de casi 10 años, y tras la muerte de Ricky, la banda lanza "Cosmic Thing", un disco decididamente pop, con algunos elementos de su propuesta anterior, donde Strickland deja la guitarra por la batería y se añaden 2 nuevos miembros a la banda. El disco, si bien perdía un poco la honestidad por el comercialismo, tenía una calidad melódica sin par y el sonido B-52s seguía siendo identificable.
Algo similar ha sucedido con el "Funplex", donde se adaptan a las concesiones del pop del nuevo milenio arrastrando elementos de su sonido de finales de los 80's.

Todo este recuento lo hago para describir el concierto que acabo de presenciar.
Tuvo momentos más movidos, momentos más reflexivos, un sonido más agresivo, un sonido más atmosférico, pero el recorrido por los clásicos de más de 30 años de carrera mantiene casi el mismo nivel y no existieron puntos bajos en realidad.

Pareciera que es 1980 y la fiesta de 2 horas es interminable. Una larga noche psicodélica y optimista donde, estoy seguro, cada asistente perdió el cable a tierra por completo.

Y, para rematar, nos regalaron 1 hora con los legendarios New York Dolls.
No se puede pedir más.

PARTY OUT OF BOUNDS!!!

Setlist:

Pump
Mesopotamia
Ultraviolet
Private Idaho
Give Me Back My Man
Funplex
Strobe Light
Quiche Lorraine
Juliet of the Spirits
Roam
Party Out Of Bounds
Love in the Year 3000
Hot Corner
Channel Z
Love Shack

Encore:

Planet Claire
Keep This Party Going

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

2011-09-23T11:11:00.000-07:00

R.E.M.

R.E.M. es realmente una anomalía. Debe haber algo especial en un colectivo musical que puede reconstruir su fórmula tantas veces como quiera y no saturar en el proceso. Desde sus inicios garajeros en Chronic Town, de claro sabor underground, lleno de una energía nerviosa y promisoria; a sus sublimes ejercicios pop en Automatic for the People y New Adventures in Hi-Fi, R.E.M. nunca cambió su sonido insigne y tremendamente influyente. Podría entenderse como una reinterpretación del sonido barroco y luminoso del folk rock y country rock sesentero por medio de un filtro punk, pero la banda tomó dichos elementos como propios y le añadió una frescura irresistible, convirtiéndose en una de las bandas definitivas de los 80s, con el agregado de poseer un sonido reconocible al instante (casi inconcebible para una banda de la década)

La lúdica sección rítmica de Bill Berry y Mike Mills apoyaba de forma brillante el arsenal melódico del gran Peter Buck y, aunque apenas entienda lo que Michael Stipe está tratando de comunicar en su canto, siempre he adorado su tono gentil y sincero, capaz de emitir su mensaje sin usar palabras (quizá "murmullos"?) haciéndote acordar que existen personas que aún disfrutan escuchando música pop sin pensar en ella como un placer prohibido y, al mismo tiempo, olvidar que eras testigo privilegiado del nacimiento y evolución de todo el rock alternativo.

Hace unos pocos días, en esta semana, la banda se separó.
Ya comienzo a extrañarlos...pero para eso están los discos, no?...And I Feel Fine!

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

2011-09-17T22:12:00.000-07:00

JIMI HENDRIX

Jimi Hendrix no era sólo un guitarrista, la guitarra era una extensión de su mente y alma. Era a través de su viola que Jimi se expresaba personalmente. Representaba la forma en que hablaba, caminaba o, incluso, respiraba. Dada esta extrema realcion entre un músico y su instrumento, Hendrix se convirtió en un maestro compositor, un cantante expresivo y sensible y un genio en el estudio que construyó, con suma facilidad, montones y montones de canciones que cobraban vida por sí mismas.

Esta orgánica cacaterística no tiene paralelo entre los músicos de rock. Desde su muerte, no ha existido un sólo guitarrista tan importante o revolucionario, pero su trabajo se mantuvo tan vital e inspirador que su influencia sobre el mundo de la música terminó por derrotar a su propia muerte.
De esa forma, el negro lindo que vino desde Marte directamente a tocar en Monterrey, ganó su inmortalidad.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

2011-09-07T11:52:00.000-07:00

JANE'S ADDICTION

Jane's Addiction es la propia definición de la palabra "singular" en el diccionario del rock. Probablemente no hubo otra banda tan oscura o marginal en entrar a las listas del mainstream o tener algún éxito comercial. Eran honestos, auténticos y nunca tenían el menor miedo de hablar sobre cualquier tema.
Cualquiera.

Aunque su música es altamente técnica, pomposa e imaginativa (más cercanos a la cámara que al garaje) el contenido lírico de sus canciones -repleto de historias acerca de asesinos seriales, violadores, muerte, sobredosis y orgías- era el retrato más lóbrego y más fiel de las calles del bajo fondo de Los Ángeles.
En teoría, esto es práctica común, pero, a diferencia de la mayoría de sus contemporáneos más destacados, ellos no glorificaban dichos temas, sino que los aceptaban como parte de sí mismos. Por ello, algunas de sus canciones más conocidas se convirtieron en himnos fieles de su ciudad y de una audiencia que pudiera ponerse en el lugar del grupo, tomándolos como iguales.

(Ojo, no confundirse: si bien Perry Farrell y Dave Navarro gustan de parecer divas en estos días, en el escenario la banda tenía y tiene una relación mucho más horizontal con los fanáticos...un commodity que escasea por todos lados)

Su discografía comienza con un álbum en vivo (el debut epónimo) lo cual no es casualidad. Sus conciertos eran verdaderos bacanales de mujeres desnudas, besos entre especímenes humanos andróginos y una atmósfera completamente gitana que rodeaba a un público compuesto por fans del punk, metal y música hippie, los cuales, por una vez, estuvieron de acuerdo en algo: Jane's Addiction era la siguiente gran banda del rock.

Este eclecticismo jugó en su favor y, pronto, la "nación alternativa" encontró a sus embajadores.

1992, y la revolución del grunge estaban cerca, pero Jane's no llegó. Luego de separarse en 1991, se convirtieron en una sensación de culto y sus fans más antiguos estaban orgullosos de contarte que, alguna vez, existió este cuarteto que inventó un sonido - luego atribuído a un pequeño grupillo de Seattle - que produjo dos discos de estudio inolvidables, plenos de riffs pesados y dinámicos al mejor estilo de Sabbath y Zeppelin; una percusión intrincada y casi tribal; líneas de bajo líricas; un cantante obsceno con una delgada pero intrigante voz (justo como una mezcla de Velvet Underground y los primeros The Cure) y un sentido del ritmo y tensión musical que podría hacer explotar tu cabeza en cualquier momento. Tal como un orgasmo femenino múltiple...justo como Xiola Bleu en el solo de "Three Days"."

WHITE STRIPES - ELEPHANT

2011-08-26T14:11:00.000-07:00

Si White Blood Cells fue el álbum donde el dúo de Detroit explotó, Elephant es el disco donde demuestran que los rumores eran verídicos, pero que todavía no le hacían justicia a los White.
Algunos criticaron el hecho de que el disco no tenía tantos temas destacados como en el trabajo anterior, pero es justamente esa equiparidad entre canciones lo que hace de Elephant un mejor disco, ya que el promedio se niveló hacia arriba, no hacia abajo.

El disco muestra una tendencia mucho más marcada por el blues rock, pero el fervor garajero esta ahí, clarísimo. Digno heredero del crudo rock de Detroit.
Temas como la furiosa bluesy "Black Math" demuestran el grado de personalidad de la guitarra de Jack White, donde técnica, sensibilidad y agresividad se funden en un sonido filoso e inmediato. La enorme "Ball and Biscuit", cuya súbita interpolación de versos calmados con solos agresivos resulta sorprendente, es el tema central de disco y un resumen del sonido que Jack buscó desde un inicio. Con un simple pero demoledor golpe de batería(vintage Meg White) la guitarra parece incendiarse en notas bluseras punzantes y te arrastra en su descontrol, controlado por un ritmo marcial.
La sorpresiva "In The Cold, Cold Night" es un número de blues acústico y nocturno, donde la suave pero seductora voz de Meg cautiva tejiendo hilos invisibles alrededor del aficionado.

¿Que no habían éxitos? "Seven Nation Army" fue el himno garage del 2003, con un riff sencillo pero potente y una interpretación vocal de claro sabor sesentero. La casi metálica "The Hardest Button to Button" fue otra canción que gozó de espacio en los medios. Ambos temas mostraron videoclips que resaltaban la imagen kitsch y minimalista de la banda, con las alusiones a los caramelos rojiblancos(los clásicos red and white peppermint gringos) y con una sucesión de planos visuales notable, que cimentaba la identidad de la imagen de la banda.

El resto de temas completan un disco monolítico por donde se le mire. Cada quien encontrará sus propias canciones favoritas, ya que el disco posee una buena diversidad de acercamientos musicales.
Como cima del catálogo de la banda, Elephant sería un disco difícil de seguir. El dúo intentó en el siguiente trabajo, Get Behind Me Satan del 2005, una propuesta distinta, pero que se sentía precocida. Se recuperaron con el Icky Thump del 2007, pero los fans que todavía esperábamos que el dúo repunte hasta alcanzar el nivel de Elephant nos quedamos en el aire dada su ruptura a comienzos de este año. Regresarán?. Mientras tanto, sigamos escuchando este discazo.

JEFF BECK GROUP - TRUTH

2011-08-26T13:34:00.000-07:00

Este es un disco importante, sin duda, en el desarrollo de lo que conocemos como rock duro, hard rock o heavy rock. Resulta difícil pensar en la música heavy metal de hoy sin reconocer la influencia de los furiosos acordes de Beck, así como el incendiario tono de sus solos, la apasionada voz de Stewart y una aplastante sección rítmica.

Todo comienza en 1966, en Inglaterra. Los Yardbirds le habían dado un lugar preponderante a la guitarra en la estructura de sus canciones, beneficiando los acordes duros y los solos de guitarra protagonistas en los puentes, pero todavía se ubicaba en el campo del pop y blues rock. Cream había expandido el concepto de lo que la guitarra podía crear en un contexto de improvisación en vivo, y Hendrix aún más, sólo que ambos se dedicaban aún a rescatar las raíces de la música negra norteamericana y a fusionarla con la psicodelia de moda(Clapton tenía una fluidez extraordinaria en las cuerdas y Hendrix realizaba verdaderos viajes astrales).

El punto de partida del endurecimiento del blues rock fue el encuentro de dos gigantes: Beck coincidió con Jimmy Page en la última formación de los Yardbirds, y, si bien esta etapa fue corta, resultó fructífera para ambos. El concepto original del supergrupo de Page incluía a Beck como compañero en guitarra, así como a la increíble sección rítmica de los Who y a Steve Winwood, Steve Marriot y hasta a Donovan en voces y teclados. Beck, sin embargo, se fue por su lado, y se dedicó a escoger a su propia superbanda. Escogió bien: Rod Stewart jamás cantaría mejor. Su poderosa y rasposa voz blues le daba un toque dramático a la interpretación vocal en las canciones, beneficiadas asimismo por un genial Ron Wood al bajo(nunca debió dejar el instrumento), Micky Waller como una locomotora en batería, y, como la cereza de la torta, Nicky Hopkins, uno de los tecladistas de sesión mejor considerados del momento en Inglaterra.

El disco debut del quinteto, entonces, viaja por una serie de versiones de viejos clásicos del blues, así como una potentísima "Shapes of Things", donde Beck le saca mayor punche a los arreglos de una de sus mejores canciones en los Yardbirds. Las canciones originales son buenas y efectivas: "Let Me Love You" es un blues rock denso y galopante, similar a "Rock My Plimsoul". "Blues de Luxe" es una joya de más de 7 minutos donde se luce la capacidad instrumental sobre todo de Nicky Hopkins y el propio Beck.
Pero es "Beck’s Bolero"(cuya composición aún se la disputan Beck y Page) la que resultaría uno de los mejores momentos del disco. La delicada guitarra slide, la gran rítmica de Page(cuya típica orquestación de guitarras resulta evidente) se lucen en un ritmo de bolero básico, para cambiar de súbito a una segunda y monolítica segunda sección donde el bajo de John Paul Jones y la atronadora percusión de Moon(que sacudió su propio micrófono) se asemejan a un ritmo marcial.

Si se hace un paralelo con el otro gran disco de heavy rock de finales de los 60’s, el Led Zeppelin I, se destaca el hecho de que el Truth todavía se mantiene bajo una fuerte influencia blues, una primera viola más compleja y con fraseos varios, mientras que el disco de Zeppelin es el primero que orienta su composición hacia los riffs más pesados de guitarra, apoyados en percusión(pese a que el tono y distorsión de Beck es más agresivo que el de Page, con solos de mayor rigidez y estructura).

Bastaría con comparar sus versiones del clásico "You Shook Me" (la del Truth con una genial introducción de Hopkins) donde la de Zeppelin es más pesada y oscura, así como en su famosa Dazed and Confused. Podría concluirse, entonces, que The Jeff Beck Group dio el primer paso y Zeppelín evolucionó con esas bases.

En suma, hablamos de un disco redondo, con identidad propia, con canciones plenamente disfrutables y de calidad, y una piedra angular para toda una movida.

EL AMIGO QUE NUNCA FALLA (A MENOS QUE EL EQUIPO ESTE CAGADO?)

2011-08-25T14:23:00.000-07:00

Para todos aquellos que aman la música, nuestra relación emocional con ella es plena y recíproca.
Por nuestro lado, cuidamos a nuestros discos como si fueran nuestras mujeres (u hombres): los limpiamos, los protegemos, les dedicamos gran parte de nuestro tiempo diario y tendemos a hablar de ellos con orgullo (y pedantería) frente a los demás.
Pareciera mucha atención otorgada pero, si analizamos a fondo, con las justas llegamos a corresponder.
La música SIEMPRE está allí. Siempre es poderosa; siempre responde a los estímulos correctos; siempre nos acoge; nos empila cuando andamos de buen humor; nos acurruca cuando estamos de malas. Incluso conozco el caso de un amigo al que una de sus álbumes favoritos le salvó la vida.

Pero este preámbulo es puro floro para contarles lo que en realidad me sucedía determinada época.

La vida había sido una mierda últimamente. Te sacas la mugre en doble turno de chamba para no ver frutos (retraso en los pagos, cabeceadores, clientes sin sesos) tus amigos de carne y hueso no aparecen; has tenido alguna bronca en la calle; pierdes tiempo valioso, pues te han obligado ir a determinado compromiso porque "NO PUEDES FALTAR" (odio esa frase)...pero sobre todo, uno de tus familiares más queridos se encuentra en muy mal estado de salud.

Casi todo esto me sucedió la última semana de Diciembre del 2010 y han habido días donde coincidían casi todos los síntomas.

Hay momentos en que dan ganas de abandonar el barco.

La noche de aquél Lunes fue la peor. Nisiquiera pude trabajar (bendición para algunos) por circunstancias ajenas. Estaba extremadamente ansioso y deprimido a la vez. Son los momentos en que te encierras en tu cuarto con la pc encendida y quisieras meterte a la pantalla para entrar a otra realidad y escapar.

Al principio, no reaccionaba...atinaba a los actos más básicos del ansioso: comer desmedidamente, miraba a un punto X sin razón aparente, empezaba a escribir un artículo y lo borraba al instante, hacía zapping en la tele sin parar (5 vueltas completas, mi récord personal)...hasta que recordé que tenía discos, un equipo y parlantes.

Me decidí por uno de mis 5 discos favoritos: el 'Made In Japan' de Deep Purple...pero su potencia y caudal sonoro me quitaban el balance. Entonces, siguiendo con mis favoritos agarré el 'Thick as a Brick' de Jethro Tull. Aquella inolvidable intro acústica, la flauta traviesa y en general su calidez instrumental me transmitió el calor necesario para relajarme. Poco después colocaba el maravilloso álbum debut de The Doors y su misteriosa, hipnótica atmósfera me abstraían aún más de mis problemas. El viaje estaba casi terminado, ahora esa cuestión de fundir esa dimensión alterna con el plano terrenal...cogí el 'Ritual de lo Habitual' de Jane's Addiction y su mezcla de perversión mundana con espiritualidad pagana me daban la fuerza para afrontar los problemas con ironía y suficiencia...regresando al 'Made In Japan' (ya listo para semejante cañonazo heavy) empecé a imitar a Blackmore en el solo de "Highway Star sobre mi cama y terminé el itinerario con el 'Appetite for Destruction' de Guns N' Roses...carajo que me solté las mechas, agarré una escoba y me creía Slash en el estadio de los Yankees en 1988 eyaculando notas con el solo final de "Paradise City" (como en la foto de abajo XDDDD).

Yo había llegado a las 6:30 pm a mi casa derrotado....y a las 11:00 pm salí a la calle dispuesto a destruir estrellas con los puños. Sólo bastó con recurrir al amigo más fiel.

Fue una noche completa, debo confesar...y regresé feliz, dispuesto a susurrarle a mi almohada mis hazañas (pueden reírse, si quieren) pero antes quise poner otro disco...EL HORROR...la lectora de cds se había malogrado. Hay gente que sobrevalora la alta fidelidad, las ediciones de super audio y demás frutas...las huevas, al amigo se le escucha siempre. No digo que la cosa es recíproca?

A duras penas, alcoholizado y muerto de sueño Me traje al cuarto el minicomponente de la sala y puse el 'Wednesday Morning 3 AM' de Simon & Garfunkel (ese dúo que aparece en la puerta de mi clóset en la foto de arriba), el cual me hizo dormir como un bebé, recordando aquellos lindos días de 8 años antes, cuando recién descubría la música y pasaba días enteros sin pensar en nada más, encerrado en mi mundo.

Es cierto que para el 2010 otras cosas ocuparon espacio en mi vida (trabajo, pareja, etc...) pero la amistad perdura aunque no haya un contacto directo constante...como leí en algún lado, el plástico es eterno...y es una suerte que mis 800 amigos sean de plástico.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

2011-08-23T11:46:00.000-07:00

ALICE IN CHAINS

Los inicios de los '90s fueron tiempos interesantes para la llamada Generación X. Miles de chicos habían quedado atrapados dentro de los límites comerciales del rock que fuera popular en los '80s. La escena subte era, muchas veces, impenetrable.
Por lo tanto, la necesidad de una banda que pudiera brindar un mensaje trascendental pero, al mismo tiempo, permitir a los fans el poder cantar sus canciones como himnos generacionales, era urgente. Cuando Nirvana y Pearl Jam se convirtieron en las voces del movimiento alternativo parecía que, finalmente, la música tenía un manifiesto de nuevo.

Pero algo faltaba. Algunos aficionados necesitaban mayor sustancia. Un enfoque de mayor masividad y un acercamiento más personal con la música de sus ídolos.

Ese nicho particular fue llenado cuando Alice In Chains llegó. Resultaba irónico, dado que fue la primera de los Seattle Big Four en cimentar un lugar para el grunge cuando el vídeo para "Man In The Box" tuviera mediano éxito en el aire en 1990.
Con el formidable tándem compositor de Layne Staley y Jerry Cantrell, AIC fusionó la oscuridad y desolación del sonido de Black Sabbath con la agresividad y postura contestataria del punk, desarrollando un sonido poderoso, lóbrego y claustrofóbico, con armonías vocales tan dolorosas y profundas que te ponían la piel de gallina.

La mayoría se identificaba con las letras depresivas y suicidas de Cobain, pero las composiciones de Staley eran aún más tristes y peligrosas. Él ya parecía cantar desde el más allá. Ya no se encontraba en una encrucijada. Ya había tomado un camino y nos decía adiós por medio de sus canciones. Por contraparte, el trabajo de guitarra de Jerry Cantrell era el complemento perfecto. Con una virtuosa oleada de acordes y solos y un sentido sumamente versátil para la construcción de melodías y arreglos, su guitarra le daba un valor agregado a las tortuosas letras de su compa, así se trate de un riff monstruoso o un hermoso arpeggio acústico.

La gente aún los adora hoy en día (no olvidar el gran éxito de su álbum regreso sans Staley). Pero, a fin de cuentas, qué adolescente noventero no lo haría? If I Would Could you?
RIP Layne Staley.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS?

2011-08-12T14:25:00.000-07:00

TALKING HEADS

Llamada en alguna ocasión "la mejor banda americana de los 80s" este cuarteto ciertamente hizo mucho para merecer tal mote.
A mediados de los 70s, el cerebral y excéntrico enfoque musical de David Byrne encontró al fin un rincón confortable en la compañía de otras 3 personajes notables: el dinamismo puro y absurdo del dúo compuesto por el gran Chris Frantz y la irresistible Tina Weymouth en la sección rítmica se complementaba fácilmente con la virtuosidad guitarrera y en los teclados del ex-Modern Lovers Jerry Harrison. Ellos desarrollaron un sonido angular, nervioso y psicótico, ahorrativo pero con sumo cuidado en los detalles que los convirtió en una de las bandas wave y post-punk con mayor personalidad y uno de los tempranos engreídos de la CBGB.

3 años después habían abandonado progresivamente este sencillo pero extrañamente efectivo sonido en favor de una especie de torbellino rítmico que fusionaba a la perfección la estética musical blanca con la negra y que incluía no menos de 8 miembros extra cuando subían a un escenario, donde sus performances eran tan funky que parecían un desafío directo al propio George Clinton. En la época de rescate de la llamada "world music" destacaron con luz propia y hasta se dieron el lujo de marcar las pautas para el regreso de nada menos que King Crimson (Adrian Belew era uno de los músicos invitados a los shows y sesiones de los Heads)

Luego, cuando la estrella new wave empezaba a declinar, los Heads empezaron a incorporar estructuras cada vez más pop a sus canciones pero sin comprometer su identidad. En el proceso, lanzaron el arquetipo de las películas basadas en conciertos (Stop Making Sense) y muchos singles que fueron no sólo populares, sino brillantes.

Con un apetito insaciable para innovar, los Talking Heads tuvieron éxito en experimentar de forma accesible pero con la consigna arty y un sello peculiar que los convirtió en una de las fuerzas definidoras de la música de toda la década de 1980 y uno de los pocos grupos pop de esa década en continuar vigente y tremendamente influyente hasta hoy.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS

2011-08-10T07:49:00.000-07:00

GUNS N´ROSES

Por qué es Guns N' Roses mi banda de rock favorita de todos los tiempos? Bueno, tendría que remontarme a 23 años atrás, justo en el momento en que salió al aire, por primera vez en la TV peruana, el vídeo de "Sweet Child O' Mine", una rockera canción de amor por la nueva sensación salida de Los Angeles.
Mi hermana mayor era una gran fan de todas las bandas de glam metal que sonaban en aquél tiempo (quería casarse con Bon Jovi, según recuerdo :S) y me incentivaba a escucharlas con ella, hacer "air guitar" juntos en el patio trasero de la cas y comprar pins, polos y toda esa mierda que no apreciaba tanto a la tierna edad de 6 años.
Lo que sí llegué a apreciar plenamente fueron los escalofríos que me produjeron el solo de guitarra y la performance vocal de la canción. Pese a ser sólo un niño, ya sabía que esta banda era diferente a los demás. Una banda especial. No tenía la menor idea del mainstream rockero hacia inicios de 1988, así que Guns N' Roses era la única banda que acaparaba mi atención. Fue el grupo que me introdujo al rock, el que me enseñó que los hombres con pelo largo no ncesariamente eran gay o afeminados, tal como te lo indicaba la sociedad retrógrada local. Era una agrupación diametralmente distinta a todos los pueriles, aniñados Kiss wannabe que colmaban al MTV de entonces.
Tristemente, nunca me volví un melómano en el colegio. Estaba más interesado en juegos de mesa, de video, en chicas y deportes. El primer contacto había sido hecho, pero eso fue todo.

Once años más tarde, habiendo eludido todas las modas musicales, decidí gastar mis ahorros navideños en mis primeros CDs. Entre ellos estaba Appetite For Destruction. Esa noche puse el disco en el equipo y no abandonó ese nicho por semanas. Un nuevo horizonte se abría frente a mis ojos. No lo entendí bien en el momento, pero de repente sentí una desesperada necesidad de destruir todo, mear en la calle, atacar a los tombos y tirarme a docenas de chicas sólo porque sonaba de la puta madre. SU música es ASÍ de poderosa, y no está basada en el sombrero de copa de Slash, los lentes de aviador de Axl, el guardarropa gitano de Izzy, la vincha punky de Duff o la chiflada sonrisa de Steven. La portada del álbum era tan sugestiva: cinco calaveras a manera de cruz que revelaban el la naturaleza honesta y cruda de la música contenida, la cual representaba el soundtrack más brutal del inferno urbano. Siendo, sin duda alguna, los embajadores por excelencia del Skid Row, la decadencia de la Ciudad de los ángeles no era exclusiva: las 12 historias de ira, resentimiento, apatía mundana, sexo animal y todo tipo de perversiones presentes en el Appetite podrían compartir espacio, al mismo tiempo, con las declaraciones de amor más sinceras. Es tan representativo de la naturaleza humana que resultaban tan inquietantes como adictivas. Porque Guns N' Roses es una droga. Esa fue la noche que descubrí por qué el rock 'n' roll significaba tanto para tanta gente. Poco después ya tenía la discografía completa y, aunque ninguno de los otros discos producían un impacto emocional como el Appetite, tú tenías que usar tu ilusión (Use Your Illusion) para poder ver a través de todas las mentiras (Lies) de la industria discográfica y entender por qué el sonido de GNR produjo tal impacto comercial. Era porque dicha industria necesitaba desesperadamente una patada en el culo en 1988, pero también, simplemente porque la música de la banda era genial.

Y 22 años después, yo aún viajo hacia Paradise City con el Nightrain, en mi Locomotive, empapado por la November Rain mientras que sigo Estranged de mi Michelle. Y Back Off Bitch, Don't Damn Me. You Could Be Mine, sé que tú estás Out 'ta Get Me, It's So Easy el Get in the Ring contigo, pero tú eres solo otra Rocket Queen, You Ain't the First, sólo eres One in a Million, eres sólo Dust N' Bones. Así que Don't Cry, Move to the City y no comiences una Civil War, ya que yo simplemente me quito a The Garden (of Eden) con mi eterna Sweet Child O' Mine.

POR QUÉ ESCUCHAR A ESTAS BANDAS

2011-08-04T12:25:00.001-07:00

BLACK SABBATH

Black Sabbath.
Carajo, hasta el nombre le darían escalofríos al novato.
Hablar de Black Sabbath es contar la historia completo del género musical favorito de Satán. Un enorme riff después de otro, los Sab no solo se convirtieron en la fuerza definitoria de un género completo, sino en la banda más influyente de todos los tiempos, sólo por debajo de los Beatles. E incluso eso puede discutirse.

Surgiendo desde el sombrío, industrial Birmingham de finales de los '60s, todo el asunto empezó el día que Tony Iommi laboraba por última vez en su viejo trabajo en una fábrica metalúrgica ... las circunstancias pueden sonar banales en principio, pero después de procesar su interminable capacidad "riffica", uno se pone a pensar si es que la máquina que le cercenó 3 de sus falangetas también tomó posesión de su alma ese día. Su lóbrego, claustrofóbico sonido guitarrero no sólo era inédito en su tiempo, sino que transmitía fielmente la mecánica y oscuramente monótona naturaleza de su medio. La combinación de este sonido con las demenciales performances vocales de Ozzy Osbourne, en conjunto con una temática lírica plena de magos y demonios fue el catalizador del heavy metal.
Por supuesto, no debemos olvidar a la poderosa sección rítmica: Las insanamente graves líneas de bajo de Geezer Butler proveían la cimentación necesaria para el apoyo de las melodías, mientras que la batería de Bill Ward, compleja y precisa, encapsulaba el fondo industrial donde la banda creció. Encima de todo esto, el redescubrimiento del malvado tritono – supuestamente prohibido en tiempos medievales - le dio a la banda un sabor "vintage", una interpolación de atmósferas del pasado y el futuro que los hizo únicos. Heaven and hell.

En una década marcada por sonados escándalos socio-políticos y represión generalizada, recordada por sus icónicos filmes de terror y el pico de la decadencia y excesos en el rock 'n' roll, los Black Sabbath produjeron la banda sonora y se ganaron su lugar como los reyes indiscutidos del rock pesado, expandiendo su influencia sobre incontables bandas por los siguientes 30 años.

El "Prince of Fuckin’ Darkness" y compañía hicieron un pacto con el Cornudo. Si no, explíquenme por qué su sonido es todavía tan relevante hoy como lo fue en 1970, sobreviviendo al movimiento punk y al odio de los críticos, o por qué miles de jóvenes bandas aún veneran álbumes como 'Paranoid' y 'Master of Reality' en proporciones alarmantes.
Será quizá porque son los Lords of this World???

HUSKER DU - NEW DAY RISING

2011-05-24T21:57:00.000-07:00

‘New Day Rising’ es la segunda obra maestra de Husker Du, y el comienzo del abandono del formato hardocore por parte del trío de Minneapolis.

Las diferencias con su fantástico antecesor, Zen Arcade, son varias y se dan en distintas aspectos de la grabación.

Por ejemplo, el número de canciones se ha reducido, por lo que ganan mayor individualidad. Esto también se ve favorecido por la inclinación de la banda por un enfoque más melódico que en sus trabajos anteriores. Asimismo, el estilo de los 2 compositores de la banda, Bob Mould y Grant Hart, se ponen en evidencia y se complementan mejor.
Si en ‘Zen Arcade’ existían un “Something I learned Today” o un “Never Talking to you again", aquí existe un mayor número de temas a destacar, como la bulliciosa aunque pegadiza "Girl Who Lives on Heaven Hill” la poderosa en extremo "Terms of Psychic Warfare” o la perfecta canción de cierre “Plans I Make”, entre otras.

Otro tema importante es la producción. ‘New Day Rising’ es, definitivamente, un disco menos ambicioso que el anterior, pero uno de sus mayores aciertos es la mayor claridad sonora de sus detalles. Aquí no existe tanta variedad musical, no hay un monstruo experimental como “Reoccuring Dreams”, ni tampoco experimentos con el folk, pero pese a la mayor convencionalidad de la propuesta, la producción del disco favorece la lectura de su sonido como un todo y por partes.
La riqueza del sonido se hace más evidente, como por ejemplo los inmortales primeros acordes de "New Day Rising", cuyo oleadas de distorsión se confunden entre lo etéreo y lo tangible. El vértigo de las interpretaciones resulta mucho más claro, se sienten los rasgueos, mientras que la terrífica sección rítmica recibe mayor peso específico.

Finalmente, al carecer del concepto unificador de su predecesor, existe una mayor libertad para procesar cada canción. Por ello, la mayoría de temas de ‘New Day Rising’ no sólo sobrepasan los 3 minutos, sino que ya responden una estructura más accesible, como la fabulosa "Celebrated Summer". Esta joya ya presenta una verdadera introducción; una furiosa sección central, donde la fuerza interpretativa se contrasta con el melódico trabajo vocal y cromáticos riffs; una pausa de inéditos arpeggios, y una inesperada progresión de acordes a manera de coda. Y es precisamente este tema, en particular, el que indica la dirección que seguiría la música punk y el rock alternativo. Al descontrol del hardcore se le imprimen fuertes sensibilidades pop que matizan el efecto y facilitan su expresión. Muchas bandas de pop-punk y grunge bebieron de las fuentes de éste disco. El año es 1985, y sin embargo ya predecía el futuro musical de toda la década siguiente.

Es por todas estas razones que ‘New Day Rising’ es uno de los referentes definitivos de la escena underground y college rock de mediados de los 80’s. Aunque no llega a ciertos picos musicales del ‘Zen Arcade’, el impacto es mucho más directo, y representa la cristalización de más de 10 años de lucha por la certificación del punk rock como un estilo viable.
Si con ‘Zen Arcade’ la banda parecía ser capaz de todo, ‘New Day Rising’ es la confirmación y la puerta abierta para los no iluminados.

HAWKWIND - SPACE RITUAL

2011-05-24T21:45:00.000-07:00

El space rock es un género que no he explorado a plenitud. Apenas conozco los primeros trabajos de Pink Floyd, UFO, Gong, y más recientemente, algo de Spacemen 3 y Mercury Rev.
De la primera oleada, Hawkwind labró su lugar como banda arquetípica del rock espacial, regalando festivales gratuitos(como el que ofrecieron a las afueras del Festival de la Isla de Wight de 1970) donde la increíble sensación de amplitud del espacio-tiempo y profundidad de sus canciones se veía reforzada por un trabajo audiovisual notable y por la ingesta de todo tipo de drogas, lo cual embarcaba a la audiencia a un extenso viaje colectivo por varias dimensiones, sin descanso, por más de hora y media.

Y el documento definitivo de estas largas sesiones de hipnotismo es 'Space Ritual' de 1973.
Sónicamente no es complicado definirlo. Dominado por una incesante y difusa cadencia de batería, bajo, guitarra y voces(sí, la voz es un elemento rítmico aquí), la cual sirve de cimiento para los acentos psicodélicos de los teclados, saxos, flauta, letras, entre otro efectos especiales, el álbum se separa en varias piezas que parecieran estar unidas desde siempre, sin pausas, bajo un halo de difusión que se hace un tanto extenso por partes, pero que no llega a perder su fuerza tras sus casi "88 minutos de daño cerebral"

Dadas las características del disco, no hay "canciones" que verderamente resalten sobre las demás, aunque algunos pasajes de "Born To Go", "Space is Deep" y "Orgone Accumulator" sean destacables por su elasticidad sónica y por ser los temas más extensos, lo que los convierte en una especie de escalas dentro de toda la travesía.

Aunque la sensación verdadera de dicho espectáculo sea complicada de imaginar, 'Space Ritual' la traduce con gran efectividad en un cd doble, y su portada resulta más que sugerente. Pero si se desea un acercamiento mayor, la nueva edición viene con un dvd, por lo que la experiencia resulta casi completa. Sólo te falta un pequeño cóctel de LSD y su respectivo troncho.

Nota: Para los fanáticos de Motörhead y de Lemmy, aquí no hay ningún "Ace of Spades"

OS MUTANTES - OS MUTANTES

2011-03-14T11:27:00.000-07:00

El disco debut de Os Mutantes es lo que yo suelo entender como una "locura linda"
Y es que el disco entero pareciera una celebración. Una celebración por los tiempos de libertad musical e ideológica, del redescubrimiento de la cultura musical local y finalmente, una celebración por la perfecta química entre los miembros del trío (entre los cuales figura una novel Rita Lee).
Y es que resulta difícil no captar una lectura tal. Cada nota musical, cada sílaba, cada compás no sólo pareciera hecho con amor sino con una sonrisa de oreja a oreja.
Y resulta aún más fascinante y espontáneo por el hecho de que sus integrantes eran unos completos novatos en el campo instrumental.
El disco, en primera instancia, fusiona la psicodelia de Los Angeles (la más atrevida de la Costa Oeste) con los ritmos tribales y bailables del glorioso Brasil de los sesentas, justo en el boom del tropicalismo. Llevada a la práctica, esta fusión resulta inmejorable, dadas las enormes posibilidades de improvisación que ambos estilos sugieren.
El álbum arranca con “Panis et circenses”, un tema bastante sui generis, que, sin embargo, vence a los Beatles en su propio juego, logrando un cuadro lúdico demencial, el cual se somatiza pese a que nuestros cuerpos se resistan en un inicio. “A minha Menina” es una preciosa canción de samba con dulces coros contrapuestos a acentos lisérgicos y distorsión que no le envidiarían nada al Zappa de 1967-68. “Bat Macumba” es un alocado y contagioso ejercicio de disonancias, mientras que “Tempo no Tempo” resulta inclasificable pero genial.
Y así, tema tras tema se suceden, completando la representación áurea del país de origen. Representación que resulta mucho más honesta en su organicidad, dada la naturaleza exuberante y generosa del país del Maracaná, el Carnaval y la cachaça.

MEGADETH - RUST IN PEACE

2011-03-14T11:18:00.000-07:00

Agregar algo a lo que muchos han dicho de este clásico se me hace un poco ocioso...pero me esforzaré en darle la mejor perspectiva posible a mis palabras.

Megadeth(o Megadave, como prefieran uds.) era una de las bandas líderes del movimiento thrash metal en los 80's, pero siempre guardó el estigma de estar a la zaga de Metallica.
En teoría, esto no debería pasar, ya que Mustaine participó en la composición de muchas de las mejores canciones de su ex banda, y su nivel instrumental era altísimo, al igual que el de los músicos de los que procuró rodearse desde un principio(quizás haya sido el tono demasiado nasal de su voz, quién sabe)

Habiendo cubierto el tema compositivo y musical de las capacidades del buen Dave, sólo quedaba 1 posibilidad: Las drogas y el alcohol, el mismo motivo por el cual fuera expulsado de Alcoholica.

Hacia 1988, año del lanzamiento del poco uniforme 'So Far, So Good, So What', Mustaine estaba en su peor forma física.
Para poder continuar su carrera(y seguir vivo) debió limpiarse el organismo. Una vez rehabilitado, puso en marcha su proyecto más ambicioso. Contrató al excepcional Nick Menza en batería y al guitar-hero Marty Friedman para la primera viola. La formación se completaba con el consistente Dave Ellefson al bajo.

Una vez limpio y con su banda completa, es cuando Dave tuvo la capacidad de componer a sus anchas y expander las fronteras del sonido que él y Hetfield habían desarrollado. Y 'Rust In Peace' sería, entonces, el álbum que compensaría con creces todos sus esfuerzos y privaciones. Justo premio para un genio incomprendido que luchó contra todo y contra todos.

Musicalmente, estaba a años luz de cualquier cosa que la banda hubiera compuesto antes. También estaba un escalón más arriba en el nivel de complejidad comparándolo con los trabajos de sus contemporáneos.
A la tremenda potencia del trabajo rítmico del thrash, se agregaron unos cambios rítmicos frenéticos, con una precisión que asusta. La interpolación de las guitarras en los solos y los acordes es cosa de arte, así como perfecta es la matemática de la sección rítmica. La capacidad de contrastar potencia con virtuosidad, rabia con neuronas, es el gran aporte del disco.

Ya no era sólo cosa de "más fuerte, más rápido, más agresivo" Esto es música cerebral, con mayor oxígeno en las secciones instrumentales y los arreglos, pero sin perder la urgencia en ningún momento.

Pruebas? Basta con que escuchen el casi computarizado riff de apertura de la inmortal "Holy Wars... The Punishment Due", el solo apocalíptico de "Tornado of Souls", la bestial precisión en los cromáticos riffs y solos de la legendaria "Hangar 18" o la controlada agresividad de "Take No Prisoners". Furia intelectual.
Resulta increíble que con la cantidad de elementos, arreglos y detalles el disco no suene exagerado, sobrecargado. En ningún momento pierde su capacidad melódica, incluso dándose el lujo de recurrir a influencias musicales del medio oriente y de darle un aire mecánico, tecnológico al conjunto.
Rust In Peace es un álbum exacto, así de simple.

Luego del lanzamiento de este disco, Megadeth ya nunca más estaría a la zaga de Metallica o de nadie más. Todo trabajo que lanzaron desde ese momento fue un acontecimiento y fue incluído entre los top de las listas especializadas (exceptuasndo el Risk, sabihondos), superando por lejos a su sombra negra.

Si se cuestionara la validez del hecho, bastaría con entender que 'Rust In Peace' no sólo marcó el cierre de toda una década, resumiendo todos sus conceptos y perfeccionándolos, sino que desarrolló una propuesta concreta para afrontar la siguiente.
No es casualidad que todos los trabajos más ambiciosos de metal extremo se lanzaran a partir de 1991.
Quien quiera quejarse, está un poco tarde. Mustaine ya puede dormir tranquilo desde hace 18 años.

X - LOS ANGELES

2011-02-12T16:10:00.000-08:00

De lejos, mi álbum favorito del punk de todos los tiempos.
Los Angeles, tal como su nombre lo indica, es uno de los mejores y mas fieles homenajes que se la hayan hecho a la ciudad.

A lo largo de sus 9 surcos(incluyendo su excelente cover de Soul Kitchen) X redacta el bestiario del gran monstruo de 1000 cabezas, detallando el lado lóbrego de una ciudad llena de vicios, decepción y decadencia. Y vaya que su manifiesto no es solo lírico, sino tambien musical.

El que Ray Manzarek este ocupando la silla de productor no es casualidad, ya que no existía mejor banda que le tome la posta al cuarteto más legendario de California.
Su hipnótico trabajo de teclados, esparcido en temas como Nausea o la legendaria Johnny Hit & Run Pauline, se amalgama a la perfección con el flexible y divertido dueto vocal de John Doe y Exene Cervenka, los cuales juegan con tonos y melodias como les da la gana, generando una dinamica irresistible; en especial en el tema del título, donde los furiosos y constantes cambios de ritmo y acordes, así como el "call and response" en las voces, provocan en tu cuerpo una inevitable sensación de poguear, como ningún otro album del genero puede lograr.

Los Angeles llegó despues de que el punk muriera como movimiento, pero demostró que la música cerebral y visceral no es patrimonio exclusivo de la costa este, y que en la tierra de las calabacitas reposa el mejor talento.

KING CRIMSON - DISCIPLINE

2011-02-12T16:00:00.000-08:00

Favorito de muchos fanáticos de King Crimson, 'Discipline' es un disco que sorprende por el grado superlativo que poseen todos sus componentes. Se le mire por donde se le mire, es un disco redondo.
Dicho esto, voy a cambiar el formato usual de mis reseñas y colocaré, punto por punto, el por qué considero a este monumento el segundo mejor disco del Rey Carmesí, y uno de los 10 mejores álbumes de los 80.

A) Tomando en cuenta que éste album es el retorno de la banda luego de 7 años, resulta increíble la solidez que posee como unidad musical. Ninguno de sus 7 temas está de más, y los highlights abundan como en pocos otros discos. Canciones como la cósmicamente funky "Elephant Talk", la imposiblemente polirítmica "Frame by Frame", la sublime "Matte Kudasai", el furioso caos controlado de "Indiscipline" y la virtuosidad excéntrica de "Thela Hun Ginjeet" son para resaltar.
Van 5 de 7, no? Por qué no mencionar el resto? Por qué no mencionar la texturada delicadeza de "The Sheltering Sky" y la atmosférica canción del título? Por qué no rendirse al homenaje y decir que todas las canciones son excelentes?
Por qué sí?
Porque se lo merece.

B) Siguiendo la orgullosa tradición de Fripp de transformar y dar evolución a su criatura, ésta nueva encarnación del grupo desarrolla un concepto sónico diametralmente opuesto al de la última formación de 1974. Su propuesta ya no se basa en las influencias del jazz, sino en las angulares cadencias funky del período 78-83. Aún así, el sonido está perfectamente logrado y sigue siendo reconocible.

C) Añadiendo lo dicho en el punto anterior, debo recordar al lector que K.Crimson es una de aquellas bandas donde los aportes individuales resultan igual de importantes que el conjunto. Y tomando en cuenta el nivel de los integrantes, y que se trata de un cuarteto casi nuevo(Fripp y Bruford se mantienen) es más que una proeza el haber sabido combinar los ingredientes y brindar un plato de 5 tenedores.
Sólo el haber tenido los huevos de incluir a un "bajista" como Levin, el cual utiliza el stick(¿¿¿????) como punto central en muchos momentos del álbum es suficiente. Pero si a eso le añadimos el interminable intercambio de la guitarra futurista de Belew y la creativa -hasta niveles intolerables- guitarra de Fripp, y atreverse a apoyar dicho conjunto en la caja de ritmos humana que es Bruford, entonces mejor cerrar la boca y asentir a todo lo que yo diga aquí.

D) Nuevamente haciendo mención al punto B, afirmo que K.Crimson no es una banda que se someta a las concesiones comerciales de la época. Sin embargo, pareciera -en la superficie- que la movida new wave hubiera impactado en cierta medida en la concepción musical del guitarrista. La producción es brillante y plena de reverb y espacio.
Pero el genio de Fripp no parece tener límites en cuanto a saber sacar provecho de los elementos. Los complicadísimos arreglos se benefician por dicho trabajo de estudio, como la línea rítmica del bajo en "Elephant Tack", la guerra de guitarras en "Frame by Frame", las recitaciones de Belew en "Indisciplice" y el absoluto bacanal de layers en "Thela Hun Ginjeet" son buenos ejemplos. Los admiradores del rock progresivo podían mirar de tú a tú a los new wavers y 'Discipline' era su carta de presentación.

Para concluir, creo necesario decir que 'Discipline' no sólo es materia obligada en las discotecas de cualquier conocedor, sino también de cualquier fan que está en la primera fase coleccionista.
Una banda sólo se conoce bien si uno se documenta sobre todas sus facetas. King Crimson es un grupo de muchas etapas, cierto, pero ninguna de ellas está tan bien definida como la que nos presenta 'Discipline'.
Pierde el miedo, y gozarás de un viaje inigualabale.

SIMON & GARFUNKEL - PARSLEY, SAGE, ROSEMARY AND THYME

2010-12-17T11:19:00.001-08:00

Fans de Simon & Garfunkel hay por montones, no es novedad.
Lo que les da cierta individualidad es que cada uno tiene un disco favorito.
Hay los que adoran el perfeccionismo musical de 'Bridge Over Troubled Water'; los fanáticos del pop de avanzada de 'Bookends'; los que se rinden ante el efectivo melodicismo de 'Sounds of Silence'; por último, también están los puristas del folk que tienen en un altar a Wednesday Morning 3 AM.

Yo, en cambio, estoy enamorado del sonido barroco y luminoso de 'Parsley, Sage, Rosemary & Thyme'.

Desde un comienzo se nota que el dúo neoyorkino decidió abandonar el inmediatismo del disco anterior por la búsqueda de nuevas propuestas. El folk electrificado cedió el protagonismo a un sónido acústico, orquestado de forma sublime, sobre el cual se sostiene el mejor trabajo vocal del grupo.

Prueba temprana de ello es el clásico "Scarborough Fair / Canticle", un delicado arreglo vocal y melódico de una canción folk tradicional, donde las armonías del grupo suenan vitales como nunca, y donde el misterioso clavicordio del último verso suena tan natural que parece haber nacido junto con la versión original.

"Homeward Bound" es otro de los muchos clásicos presentes aquí, con una de las mejores guitarras de Simon.
"The Dangling Conversation", con sus letras melancólicas y onírico arreglo de cuerdas, así como el positivo y juguetón mensaje de "The 59th Street Bridge Song" son otras de las canciones que dejaron huella. Lo mismo va para la hermosa "A Poem on the Underground Wall", donde la obsesión de Simon con los filósofos del subterráneo cobra en esta ocasión mayor fuerza y sinceridad.

Pero así como Simon se luce con la parte instrumental y contenido lírico, Garfunkel brilla con luz propia en mi canción favorita del grupo, "For Emily, Whenever I May Find Her", donde realiza con maestría y valentía un solo vocal cuya poderosa interpretación retrata, de forma inmejorable, el sueño más romántico.

La preponderancia acústica está presente en "Patterns" y "Cloudy", 2 joyitas menores, que suenan integradas al sonido general y le dan unidad. "Flowers Never Bend With the Rainfall" y "The Big Bright Green Pleasure Machine", poseen una estructura y enérgicos coros que responden a la sencillez folk-rock del álbum antecesor. "A Simple Desultory Philippic" es uno de los últimos intentos de Simon en emular a Dylan y su discurso socializado. Más efectiva, sin embargo, resulta la experimentación de "7 O'Clock News / Silent Night", donde el mensaje antibélico está representado por la yuxtaposición de la canción de cuna con el noticiero de fondo. Simon, inteligentemente, desnuda las intenciones del gobierno gringo de presentar un país ideal en medio de una época tormentosa.

Si me he dado el trabajo de describir las cualidades de cada tema, es porque cada uno posee una individualidad innegable pero forman, en conjunto, parte del mejor material del dúo, y el comienzo de su evolución.

Parsley, Sage, Rosemary and Thyme es el punto de partida desde donde el dúo partió a la cumbre, y es quizás, su disco más infravalorado, pero, por esas mismas razones, también el mejor. Y es, definitivamente, el trabajo más representativo del dúo en la época de la contracultura.
Si no me creen, existe una película muy conocida de 1967, donde actúan Dustin Hoffman y Anne Bancroft, y donde la confusión juvenil habla a través de la música de este disco ;)

LYNYRD SKYNYRD - (pronounced 'lĕh-'nérd 'skin-'nérd)

2010-12-13T10:43:00.000-08:00

La primera mitad de los 70's suele asociarse con el éxito masivo de bandas de heavy rock y prog rock inglesas. Led Zeppelin, Pink Floyd, Black Sabbath, Deep Purple y Yes, entre muchas otras, son íconos de ese período en particular.
En Estados Unidos, aparentemente, con la disolución de la escena hippie, se había sufrido un bajón en cuanto a la música rock potencialmente rentable. Grand Funk Railroad, CC Revival, Bread y poco más.

Otro dato interesante del contexto musical hacia 1973 era la ausencia de bandas de rock renombradas que tengan su origen en los estados sureños o centrales del país. Las costas dominaban todo, y no existía discución.
La irrupción de The Allman Brothers Band fue un impacto feroz en la búsqueda por formar una escena de "rock sureño": guitarras de blues rock, una sección rítmica basada en las jam bands(tipo Grateful Dead) y un trabajo vocal que se debate entre el blues, el country, e, incluso(y me dirán loco) algo de soul.

Poco después del éxito de Allman, otras bandas como Black Oak Arkansas, Little Feat y Blackfoot harían aparición. Y entre ellas, la más legendaria agrupación de los rebeldes pelucones de los estados racistas: Lynyrd Skynyrd.

Escuchar a la banda, es escuchar décadas de formación de un estilo de rock puramente norteamericano. Cierto, The Band ya existía, pero Lynyrd Skynyrd representaba un paso más allá: era un estilo heredero del desenfado de CC Revival, del virtuosismo en escena de Allman Brothers y de la destilación de las influencias de incontables artistas country.
Pero, más que nada, Lynyrd Skynyrd era ROCK, con las 4 letras en mayúscula.

La portada del disco debut es una especie de arquetipo entre las bandas southern, mostrando a la banda completa de cuerpo entero, apoyados en la fachada de un edificio ubicado hacia la izquierda. Como si estuvieran a punto de salir(o entrar) al bar, al saloon.

Otra característica que marcaría los trabajos de la banda sería la inusual yuxtaposición de estados de ánimo. Canciones joviales y serias se intercalan, así como algunas de sus melodías más alegres contienen letras no tan luminosas.

Desde el arranque, "I Ain't the One" nos muestra a una banda voraz, con una rítmica sincopada,el típico boogie sureño, y con tendencia al hedonismo más decadente con aceitosos riffs provenientes de sus 3 violeros.
"Tuesday's Gone", uno de sus grandes clásicos nos revela el lado sensible de la banda. Un portento de balada de country rock cuyas guitarras parecieran llorar al unísono con el cantante, el mítico Ronnie Van Zant, inmejorablemente acompañados por los teclados de Billy Powell y por el descubridor de la banda, el genial Al Kooper en mellotron y coros.
"Gimme Three Steps", con su ritmo incontenible mostraba la cara más alegre del disco con sus coros defendados. "Simple Man", otra poderosa balada, bordea con el heavy metal en los dolorosos coros (dedicados a la madre de Van Zant y la abuela del principal guitarrista, Gary Rossington), mientras que "Things Goin' On" regresa al lado más descarado de Lynyrd con unos fraseos de teclado y un ritmo casi irónico, que pareciera diseñada para los bailes de los Jueves en el Sur(pese a que la letra involucraba temas tan serios como la presevación del medio ambiente)
Finalmente, el disco cierra con el tema insigne del southern rock. "Freebird" es una canción que no necesita presentación, ya que recibe alta rotación incluso en nuestras radios. Pero la sentida intro de slide, conjuntamente con Al Kooper en mellotron y Van Zant recitando un poema al eterno Duane Allman es inolvidable, así como asombrosa la furiosa segunda parte, donde la sección rítmica y las guitarras parecieran competir entre sí por el límite de la dinámica y decretar el futuro de la banda en los solos de tinte casi apocalíptico.

(pronounced 'lĕh-'nérd 'skin-'nérd) es un disco redondo por donde se le mire. Se puede esuchar a toda hora, y de principio a fin, y se mantiene como uno de los mejores discos debut de la historia, aunque esto no se mencione a menudo.
Obligado en cualquier discoteca del simple aficionado y del conocedor.

VOZ PROPIA - VOZ PROPIA (1998)

2010-11-02T21:11:00.000-07:00

Comprè este recopilatorio de casualidad(pensè que se trataba de su primer àlbum, viveza del vendedor) pero, por el precio, igual resultò siendo una gran compra.

Voz Propia es, sin dudarlo, una de las bandas clave del underground peruano de los 80´s, pionera en el sonido post punk(dark para los fanas peruanos) y que tuvo en sus filas a artistas dotados en campos no necesariamente musicales(Natalia Gianella era modelo, Marcel Velaochaga era pintor) lo cual tambièn se ve reflejado en la libertad lìrica de la que gozan sus canciones. Si bien eran tiempos difìciles para el paìs y cada pieza musical de nuestras bandas ochenteras eran una declaraciòn de principios, las letras de este grupo se destacaron por su desgarradora sinceridad y desnudez; una profunda tristeza que respondìa a la perfecciòn con el sonido que desarrollaron.

El trabajo de teclado y guitarra es excelente. Ambos se debaten entre la rìtmica y lìder, añadièndole, el primero, mayor profundidad a la expresiòn sònica, mientras que la segunda posee un gran peso especìfico y gran fluidez. La voz es profunda y expresiva, mientras que la secciòn rìtmica provee la suficiente dinàmica para que las canciones se digieran con asombrosa facilidad.

En cuanto a las canciones en sì, el disco compila varios pasajes importantes de la banda, tomando temas de todos sus discos y etapas. Destacan, sobre todo, las 2 canciones de su segundo cassette, No Puedo Irme, de 1987. Mientras que el tema homònimo es una conmovedora rockera que destila 80´s por todos lados en sus nocturnos devaneos guitarreros y graves armonìas vocales, Hasta el Fin es una vertiginosa pieza de esquizofrènico post-punk, donde la secciòn rìtmica de Magan y Quiroz y la guitarra Raùl Montañez parecen competir entre sì sin dar cuartel.

Te Voy a Exterminar es uno de los himnos de la banda y uno de los màs enèrgicos manifiestos del rock nacional de la època, con una letra inmediata, contundente y desafiante y un sencillo pero emotivo riff de sintetizador a cargo de Marcel Velaochaga. Adagio es una pequeña joya de pop oscuro, recitada por Natalia Gianella hacièndole ecos a la movida dream pop(ya obsoleta por 1996) y el cover del ahora extremadamente famoso Demoliciòn de los Saicos resulta bastante efectivo en la versiòn punkera vozpropiana. El Sueño tambièn resulta otra entrañable visiòn hacia la escena subte, con gran trabajo en conjunto.

Las versiones que se encuentran aquì fueron regrabadas en 1997 por una formaciòn actualizada de la banda(despuès de tanto reencauche en 10 años de carrera) pero siempre con los miembros màs representativos de la banda, liderados por el inacabable vocalista y cabeza Miguel Angel Vidal, uno de nuestros ìconos rockeros.

Los puntos en contra? El inevitable peso del legado de Joy Division sobre sus hombros y la relativa similitud entre varios de los temas. Sin embargo, la banda logra zafarse en varios pasajes de las molestas comparaciones, logrando un sonido particular.

Sin duda, una de las màs gratas sorpresas que la mùsica local me ha regalado. Con tanta gente en foros latinos hablando de los Saicos, Traffic Sound, Fràgil, Arena Hash, Leusemia y Laghonia, pienso que ya es hora de que le den su merecido lugar a uno de nuestros mejores representantes, y darlo a conocer de forma internacional.

QUEENS OF THE STONE AGE - RATED R

2010-10-22T10:35:00.000-07:00

Cuando le comento sobre Queens of the Stone Age a algún amigo que tenga conocimiento sobre heavy metal, él suele ningunearla y citar a su banda predecesora, Kyuss, como lo mejor que ha sido creado por la especie humana.

Puedo decir que he escuchado Kyuss y, si bien me gustaron mucho, no veo la razón del fanatismo ni de la comparación.

Para empezar, QOTSA es una banda de vértigo y con cojones, mientras que Kyuss es bullera y surrealista. Ambos están en extremos opuestos del espectro comercial, y eso está comprobado por el éxito que la actual banda del maestro Josh Homme está gozando.

Segundo, QOTSA se ha ganado un nombre por derecho propio en la escena metalera. Y gran parte de ese nombre se lo dio éste lanzamiento.

'Rated R' no difiere mucho de los otros álbumes del catálogo de las Reinas Pedregosas, en cuanto a la propuesta potente y enérgica de sus sección rítmica y los masivos bloques sónicos que Homme pareciera arrancar con facilidad de su hacha. Los guiños pop no son abundantes, pero existen, aunque siempre de forma idiosincrática. Las absurdas inflexiones vocales del ex-bajista y también leyenda stoner Nick Oliveri en "Quick and to the Pointless", la hiveractividad de "Better Living Through Chemistry" y los pegadizos aunque alienantes coros de "Monsters in the Parasol"(incluida como una de las canciones trabajadas en The Desert Sessions por miembros de Kyuss, Fu Manchu entre otros, lo cual demuestra que el espíritu estaba vivo aún) son todos buenos ejemplos.
Una de las características del sonido de la banda es, precisamente, su extraordinario dinamismo pese a manejar elementos sónicos de gran peso específico. La guitarra de Homme seguía conectada a un amplificador de bajo como en los viejos días, y si a eso le sumamos el...bajo, y la batería, nos topamos con una aplanadora que guarda similitudes con un Black Sabbath hardcoreano. La facilidad para los súbitos cambios de ritmo es pasmosa, cosa evidente en la canción de apertura, "Feel Good Hit of the Summer".

Sin embargo, pese a la naturaleza monolítica de la mayoría de los temas, 'Rated R' se destaca por una mayor variedad en comparación con el resto de la obra del grupo. Canciones como la pausada "In the Fade" o la acústica "Lightning Song" brindan la necesaria cuota de oxígeno, cosa de la que carece 'Songs For The Deaf', por ejemplo.

En suma, uno de mis discos favoritos del nuevo milenio y uno de los que mejor define la palabra "rock" tal y como se le concoce en estos tiempos. Pero rock del bueno, claro.

THE MELVINS - BULLHEAD

2010-10-01T11:44:00.000-07:00

'Bullhead' de 1991 es uno de los álbumes más queridos por la fanaticada de esta particular banda de Aberdeen.
Una vez superados los diferentes escollos con respecto a la solidez de sus composiciones de estudio y de la producción de sus trabajos, finalmente el sonido del grupo se asienta y define.

Resulta irónico pensar que, para una banda pionera en el sludge metal y grunge, recién llegue el momento del "despegue" tantos años después. Exactamente el mismo año en que el movimiento al cual contribuyeron a dar vida explotó cambiando los esquemas de la música popular de toda una década.

Y es precisamente la total carencia de concesiones comerciales la cual hace que los Melvins pasaran desapercibidos al oìdo público, mientras sus herederos se convertían en los nuevos héroes del rock gringo.
Basta con darle un pequeño repaso a los temas del disco:

"Boris" abre con un riff penosamente lento, opresivo y pesado, sello de fábrica del maestro Buzz Osborne, el cual se repite incansablemente a lo largo de sus 8 minutos y medio, en una especie de metálico trance de sabor industrial.
La ausencia de color del trabajo guitarrero se repite igualmente en canciones como "Anaconda" y "Ligature", densísimos ejercicios de distorsión y feedback, en contrapunto con cortas secciones de quasi-drone metal, las cuales podrían resultar cansinos para oídos no entrenados en este tipo de sonidos. Pero para aquellos ya iniciados, la impenetrable estructura de "If I Had an Exorcism" y "Your Blessened", así como la aplanadora "Zodiac"(que rompe el esquema con su velocidad inusitada) así como la más flexible "It's Shoved"(el tema más conocido del disco) representan un regalo del cielo, ejerciendo una hipnótica influencia sobre el oidor, que siempre pensará que el disco duró mucho menos de lo que pensaba y el cual se encontrará confundido luego de que el solo de batería del genial Dale Crover en "Cow" llegue a su repentino fin.

Es un álbum complicado, pero que recompensa con creces la paciencia. Y una vez que lo proceses te podrás dar el lujo de reírte con la irónica portada y con el conocimiento de que la bajista es nada más y nada menos que la hija de Shirley Temple.

EL ARTE DE COMPRAR UN DISCO

2010-09-23T20:25:00.000-07:00

Como todas sabemos, hoy en día la música digital es la que está en boga. Domina con claridad la demanda de música en formato físico (cd, lp, cassette, blue ray, lo que quieran) y su versatilidad es notable a la hora de crear una comunidad virtual o tangible de aficionados.

Ahora bien. Yo empecé bastante tarde como aficionado de rock. Recién es a los 18 años que me animé a escuchar con dedicación mis temas favoritos y los no tan conocidos de bandas de rock en español. Las más ubicuas, claro. Figuraban en mi "discografía" de entonces los Enanitos Verdes, Hombres G, Arena Hash, La Liga del Sueño, Los Fabulosos Cadillacs, Vilma Palma e Vampiros (!!!!) y, entre los más destacados para mí, Los Prisioneros, Soda Stereo y Charly. Ojo que también escuchaba wadas tipo Chichi Peralta, Gianluca Grignani o Carlos Vives.

No era una colección muy variada y representaba el cliché de todo universitario peruano de gustos prefabricados (sólo faltaba el poster de los miembros de Pink Floyd, Led Zeppelin, Velvet Underground, Nirvana y Radiohead...todos calatos)
El booklet (librillo) era lo de menos, apenas y servía para conocer las letras de los temas o el nombre del que tocaba saxo en “Stress” de Arena Hash, por ejemplo.

En fin, una de esas tardes de caminata por Larco para Discocentro, rumbo a comprar cd’s, recordé el coro y el solo de guitarra de una canción que se me había quedado prendada desde muy niño. Recordaba el look muy personal del guitarrista (todos los rulos en la cara) y las agudas inflexiones del cantante. Se trataba de “Sweet Child O’ Mine” de Guns N’ Roses, de la cual ni sabía el nombre. Una canción de fama universal y no tenía idea de cómo pedírsela al vendedor de la tienda.
Así de despreocupado era yo con la música en ese entonces.

Por suerte, el tipo me ubicó el “Appetite For Destruction” y fue toda una revelación. El booklet era diferente, agresivo, temático y con bastante sustancia. Me aprendí todas las canciones de memoria y aprendí a crear mis propios “favoritos” ajenos a la radio o al MTV del período 1998-2000. Fue así también que dominé mejor el inglés y abrí mis oídos hacia nuevos sonidos.

Pero lo más importante fue que descubrí el “ritual”. Había aprendido el itinerario del aficionado y lo había disfrutado mucho. Recuerdo que pasé una semana escuchando el cd en mi cuarto, faltando a clases y leyéndome las anécdotas más caletas de la banda.
Poco tiempo después, mi primer afán como coleccionista fue comprar (con dinero que le pelé a mi vieja) un compilado doble de Los Prisioneros que estaba repleto de temas raros, demos y un librillo enorme.

Ya había sembrado en mí, entonces, los dos principios fundamentales del coleccionista de rock: el saber elegir el disco y gozar su adquisición.

Un par de años después me acostumbré a acompañar a un pata en sus incursiones semanales a La Cachina. Acostumbrado a los precios criminales de las discotiendas limeñas, ver discos ofertados a 20-25 soles fue un shock. Al poco tiempo, yo ya iba solo a comprar mis propios discos, sabiendo que podía adquirirlos en masa. Y aún recuerdo con cariño los primeros viajes hacia aquél maravilloso antro de la avenida Argentina, cruzando pampones, esquivando a choros y zampándome un “aeropuerto” en el chifita de la feria.

No contento con eso, me dediqué a explorar música, sus estilos, influencias y desarrollo. Ya sea por revistas, tertulias o por Internet (la fuente más útil, paradójicamente)

Aún tengo fresco en la memoria el momento en que me emocioné con el rock progresivo (gracias a esa maravilla que era allmusic.com) y me bajé “Roundabout” de Yes. No sólo el sonido era inédito y luminoso, sino que la portada del ‘Fragile’, disco que lo alojaba como track de apertura, me empezó a obsesionar. Tanto que falté a una importante entrega de trabajo en la facultad para pedir plata prestada y darme dos vueltas y media en La Cachina hasta encontrarlo y encerrarme en mi bunker por días.

De hecho, el rock progresivo fue el catalizador para que me convirtiera en coleccionista compulsivo. Me iba con un amigo, cada uno con lista propia, y nos comprábamos discos distintos de King Crimson, por ejemplo, para escucharlos en orden cronológico al regreso.

Es desde esos tiempos que mi vida social cambió. Las saliditas a discotecas terminaron y dieron lugar a reuniones en casa de alguien (con música de fondo escogida para la ocasión). El floro del día a día también cambió y siento que me volví más tolerante.

Otro momento especial fue la vez que tenía la utópica esperanza de encontrar el ‘Ritual de lo Habitual’ de Jane’s Addiction en La Cachina. Pero el asunto es que lo encontré…y en la tienda más inhóspita del lugar. Y cada vez que escucho “Classic Girl” recuerdo los primeros días que salía con mi enamorada de entonces. Cada ves que escucho “Three Days” recuerdo una de las más brutales juergas con la mancha.

Cada canción empezó a dejar una huella. Cada melodía, cada sonido.
Cada detallito de las portadas empieza a agudizar tu codicia.

Y es cuando empiezas a tener imágenes mentales de una pared recubierta con portadas de discos que notas un cambio decisivo en tu vida.

Tener una colección considerable de álbumes es un orgullo personal. Pero más aún lo son los momentos que me sugieren cada uno de ellos. Porque todos tuvieron, tienen y tendrán su historia. Y la tuya propia se cimenta en muchas de esas anécdotas.

Yo aún procuro tener la superficie del cd pita, sin rayas, manchas o nada por el estilo. Aún me esfuerzo por colocarlos en la caja de forma derecha. Aún tengo los libros lisitos y pulcros.
También soy de los que pierde los nervios en Ebay, pujando en una subasta por un cd original pirata de un concierto caletaza de REM, por ejemplo.

Ser aficionado es cosa seria. No es para todos. Te puedo dar mil motivos económicos, sociales, culturales e intelectuales…pero carajo que vale la pena.

A todos los que sólo disfrutan de la música digital teniendo los medios para acceder a la compra en físico, sólo les digo que se pierden de bastante. Dejen de pajearse en esas conferencias virtuales de las comunidades melómanas de la red. Salgan un poco al mundo.

Aunque bueno, yo qué derecho tengo a decírselos, si mi mundo casi podría resumirse en mi cuarto, el equipo, las tiendas, y, sobre todo, mi cama y mi almohada de Mafalda para apoyar la cabeza y deleitarme en la apreciación del arte del álbum, con el oído atento a los parlantes.

Un abrazo a todos.

AEROSMITH - GET YOUR WINGS

2010-09-22T11:21:00.000-07:00

Sinceramente, yo no llego a entender por qué 'Get Your Wings' no recibe el crédito que merece. Entiendo que, dentro del canon de la fanticada de Aerosmith, sólo 'Toys In The Attic' y 'Rocks' son los discos considerados clásicos, pero al pasar de largo su segundo LP están perdiendo una oportunidad de oro para degustar el mejor rock n' roll americano.

Algunas razones?

- Se percibe una clara evolución musical y compositiva desde su disco debut. Aparte de temas como "Spaced", "Woman of the World", o incluso "S.O.S". los cuales podrían ser interpretados como relleno de lujo, el álbum en su totalidad goza de gran consistencia, y es el primero que les brindó la etiqueta de album rock band, colocándolos en el mismo lugar del mapa que compartían bandas como los Stones o The Who.

- 'Get Your Wings' es un disco de pocos temas, pero muchas joyas. De arranque, "Same Old Song and Dance" nos contagia con sabrosos ejercicios de funky blues rock. Los riffs son extremadamente pegadizos, al igual que los de "Lord of the Thighs", uno de las tantas joyas perdidas para los que recién captaron a la banda en los 80's. Ésta posee una de las mejores y más perversas letras de Steven Tyler (cuando todavía escribía letras con sustancia) "Pandora's Box" es una sólida canción de cierre con otra sesión de riffs magistrales. Como siempre, los temas denotan una sensualidad (o sexualidad) poco sutil, con un fluido y cachondo trabajo de guitarras y secciones de vientos que acogen la poderosa voz de Tyler.

- Son, sin embargo, las 2 canciones faltantes las que sellan la mística de "Get Your Wings" como el gran álbum olvidado de la banda y favorito de los conocedores.
La primera es la que yo considero la mejor balada del grupo: "Seasons of Wither". Comienza con un efecto de viento invernal y con un arpeggio de guitarra hermoso pero sombrío, el cual provee una atmósfera etérea y siniestra al conjunto. La voz de Tyler es excelente, apasionada y con gran técnica para los coros en tono agudo.
La segunda es mi canción favorita de Aerosmith de todos los tiempos, sin importar que se trate de un cover...porque no sólo es uno de los mejores, sino que representa la versión ideal del clásico "Train Kept a Rollin'. Superando a los propios Yardbirds(influencia básica de los Bad Boys from Boston), una primera sección sincopada lleva el duelo de guitarra rítmica y solista de Joe Perry y Brad Whitford a alturas inéditas; con una clase, precisión y energía propios. Perry es la estrella aquí: logra que sus solos suenen tan fáciles que tus manos tocarán air guitar contra su voluntad. La atronadora sección rítmica es más que sólida, en especial Joey Kramer cuyo soberbio fill-in hace explosión en la agresiva segunda sección de la canción.

"Get Your Wings" es, finalmente, la piedra angular del catálogo del grupo, la que modeló su sonido propio y que convirtió a Aerosmith en lo que es. Una gran colección de canciones, contenidas en una unidad artística de cortos 38 minutos que no te arrepentirás de explorar.

LA DÉCADA SUBTERRÁNEA

2010-09-04T15:34:00.000-07:00

Hace ya bastante tiempo, me hicieron esta pregunta:

Cual es la década más significativa y trascendental en la historia de la música. Por qué?

Yo pienso que la década de 1980 es crucial para la recuperación y posterior desarrollo de la música.

A finales de 1970, muchas de las formulas de rock popular se estancaron, y, si bien la aparición del punk fue un soplo de viento fresco, no duró mucho tiempo por el instinto autodestructivo de sus miembros mas representativos y desapareció como movimiento. Pronto, el new wave se aburguesó, y muchas bandas grandes de los 60’s y 70’s, como Black Sabbath, Led Zeppelin, Deep Purple, The Who y Aerosmith, se desintegraban.

La primera mitad de 1980 mostraba el cenit de popularidad de las dos bandas mas grandes de EE UU e Inglaterra: Van Halen y The Police, así como el surgimiento de artistas con una capacidad mediática sin precedentes como M.Jackson y Madonna.
Pero es debajo de la corteza, debajo de la superficialidad de la música popular, que se preparaba la reconstrucción que menciono.
Surgieron incontables bandas del underground gringo, como R.E.M. Replacements, Husker Du, Pixies, Jane’s Addiction, Melvins, Faith No More, entre muchos otros, los cuales darían forma al rock alternativo que Nirvana popularizó en 1992, y que darían un vuelco en nuestra forma de entender el rock. Dejando a un lado la trivialidad, la poca sustancia en la lírica de las mercantiles bandas setenteras, y de los grandes contratos y conciertos fastuosos; la música se volvió mas sincera y básica en su concepción, regresando a las raíces, pero sin dejar de explorar nuevo territorio sónico. Se abandonó el exceso por el balance, los solos por la textura, la complejidad por la complejidad melódica.
Inglaterra tampoco se quedaba atrás y contaba con infinidad de bandas que iban constantemente en orden ascendente como Depeche Mode, New Order, The Cure, Echo & the Bunnymen, The Smiths y Stone Roses, muchos de los cuales lanzaron sus mejores trabajos al final de la década.

Punto aparte para el inmenso desarrollo que el heavy metal experimentó, con decenas de nuevas variantes y propuestas que crearon una nueva bestia en acción. Los conciertos resultaban mucho más dinámicos y la interacción con el publico se volvió más poderosa y directa. Metallica y Iron Maiden se convirtieron en las bandas más importantes del género. Incluso el metal comercial, dominado por las denominadas bandas de ”hair metal” fue borrado de un plumazo por la aparición de Guns N’ Roses, y el regreso de la autenticidad brutal al rock n’ roll.

Para resumir, como leyera hace unos años en una revista local: muchas bandas de 1980 contaron el chiste, y los últimos en escucharlo fueron los que compraron los muchos Nevermind, Ten y OK Computer de una década(los 90’s) que prometió mucho y terminó descalabrada.

Yo prefiero quedarme con el recuerdo de esa promesa, pues lo que queda al final del día es la música. Los 80’s no sólo fueron innovadores como los 60’s o increíblemente prolificos como la primera mitad de los 70’s, sino que tuvieron que bregar muy duro para recuperar a un animal, el rock, el cual se encontraba herido de muerte.

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Ahora, no podemos dejar de lado un contexto más familiar para nosotros.
Dentro de una zona geográfica golpeada psicológicamente por gobiernos autoritarios y genocidas, resulta lógico que la música de las masas tenga un mensaje con mayor peso y desborden a la música académica.

En el plano sudamericano, es obvio que la explosión del "rock en tu idioma" (Los Prisioneros, Soda Stereo, Charly, Los Abuelos, Sumo, Los Secretos, Nacha Pop, los inicios de Héroes del Silencio y Caifanes, Virus entre las bandas que valían) marcó una época imborrable y fue el catalizador para una nueva forma de expresión musical para los hispanoparlantes.

Ni qué decir de nuestro golpeado rock local, donde el surgimiento de la "Movida Subte" aún resuena fuerte sobre los nostálgicos muros de Quilca y en las retinas rebeldes de los cachimbos de los campus de la Católica o San Marcos, por ejemplo. En cualquier barcito aledaño a la plaza San Martín, algún parroquiano desaliñado y zampado te puede contar acerca de la pinta "a la mierda" de Daniel F, los escándalos de los Voz Propia en las ferias, de la lucha de Narcosis y Zcuela Cerrada y del súbito éxito comercial del gitano Miki Gonzáles y Arena Hash.

Entonces, es justo decir que los 80's constituyen el período primordial para nuestra música popular?
Personalmente, la respuesta es un categórico SÍ.

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Bandas básicas de los 80's (sólo angloparlantes) :

- R.E.M.
- U2
- Talking Heads
- The Soft Boys
- Pixies
- Sonic Youth
- Stone Roses
- The Smiths
- The Replacements
- Husker Du
- X
- Black Flag
- Bad Brains
- Nine Inch Nails
- Ministry
- Einsturzende Neubauten
- Nitzer Ebb
- Killing Joke
- Echo & the Bunnymen
- The Cure
- New Order
- Depeche Mode
- Simple Minds
- My Bloody Valentine
- The Jesus & Mary Chain
- Cocteau Twins
- The Cult
- Crowded House
- Talk Talk
- Galaxie 500
- Flaming Lips
- The Pretenders
- Run DMC
- Public Enemy
- Butthole Surfers

En el metal:

- The Melvins
- Faith No More
- RHCP
- Jane's Addiction
- Soundgarden
- Guns N' Roses
- Iron Maiden
- Metallica
- Slayer
- Death
- Bathory
- Venom
- Motorhead

En fin, hay muchas más, pero no me tomé el tiempo de seleccionar.

Luego les añadiré los videos de los 10 singles más significativos de la década, en mi opinión.
Saludos a todos!

BORIS - AT LAST/FEEDBACKER

2010-08-20T15:56:00.000-07:00

Habiendo empezado a hurgar en los claustrofóbicos pasillos de la fortaleza stoner y drone, decidí animarme con uno de los discos que RYM recomienda con mayor urgencia.

‘Boris at Last –Feedbacker’ me llama la atención desde el inicio, debido a la portada. Japón ha abierto sus puertas al mundo desde hace décadas, pero es recién en los últimos 30 años que el fenómeno visual y áureo del arte popular japonés (comprendido por el anime, manga, j-pop, entre otras expresiones) ha calado hondo en la comunidad extranjera. Y dicho fenómeno actúa como una especie de onda retro (feedback, precisamente), dentro de un contexto de rock. No olvidar que Japón siempre fue una audiencia ávida y fiel para con las bandas de heavy y progre angloparlantes y representó uno de los más grandes soportes de comunicación entre las culturas masivas de Oriente y Occidente.

Regresando al tema, en la carátula del álbum se presenta la imagen de una chica japonesa como las hay varias en la NHK, por ejemplo. Vestida a la usanza occidental y usando un peinado contemporáneo, me pregunto si la sangre que evidencia su muerte simboliza la caída de una barrera natural entre la forma de entender el arte, entre el comportamiento humano y la vida en general de 2 mundos originalmente opuestos.

La música es un elemento poderosísimo para hacer cambiar la mente de la gente. Cuántos conciertos no han gestado movimientos sociales o han encabezado alguno de ellos? Cuántas canciones no influenciaron individuos y colectivos? Pues bien, pareciera que uno de dichos movimientos, acaso el más importante en el mundo de la música, finalmente triunfó, aunque a su manera. La idea del hippismo era la unión universal. Partiendo de ello, quizá no se consiguió el objetivo en el aspecto social, pero sí en el artístico.

Tanto preámbulo no es exagerado. Feedbacker se me antoja como una de las piedras angulares del matrimonio de dos formas de vida. Contiene la sutileza, el misticismo oriental en los repetitivas pero magnéticas cadencias rítmicas y profundidad sónica. Al mismo tiempo, la arrogancia y la testosterona occidental está presente en la potencia y suficiencia de los inmensos riffs.
La tecnología juega un rol importante. Aunque el booklet no lo detalle (no detalla casi nada), el sonido ha sido muy trabajado. Si existe la teoría del “menos es más”, en este caso Boris le saca la vuelta.
Ciertamente, la propuesta es minimalista en la instrumentación y estructura, pero la abundancia de matices en uno sólo de sus acordes es impresionante. El uso de distintos efectos, pedales y distorsión posee la máxima efectividad en su expresión sonora.
Por ejemplo, el track 2 (aquí no hay canciones, sino secciones) nos muestra un lento, pero constante crescendo que capta completamente la atención del oyente. Dicho proceso llega a un clímax de proporciones tan monstruosas en el caso de la guitarra, que el baterista debe haberse quedado idiota tocando la misma letanía.
No bromeo, eh, el sonido guitarrero de Boris debe ser uno de los más grandes jamás grabados. No por nada la banda le debe su nombre a una de las canciones más pesadas e invulnerables de los Melvins. Prueba irrefutable de que estamos ante un documento unificador de civilizaciones.
O creen que una banda absolutamente indie del noroeste de EE UU puede tener tanto éxito para que una banda de drone y noise japonesa le deba el 50% de su éxito?

‘Boris at Last –Feedbacker’ es una experiencia única. Y se la recomiendo a cualquier oyente, de cualquier parte del mundo.

JETHRO TULL - THICK AS A BRICK

2010-08-20T15:51:00.000-07:00

Jethro Tull ya lo había hecho todo, en teoría:
Había desarrollado un sonido propio; superado cambios de formación y pulido una gran identidad como banda en vivo. En el ámbito comercial, se había ganado a pulso una sólida base de fanáticos con su último lanzamiento, Aqualung, el cual les brindó una popularidad en EE UU a la par del gran éxito que venían disfrutando en Inglaterra, con un álbum número 1 en las listas - el maravilloso Stand up- inclusive.
Pero la naturaleza de Ian Anderson le impedía darse por satisfecho. El genial vocalista/flaustista/guitarrista es uno de los mayores genios de la música popular, precisamente porque siempre sabe reinventarse y nunca es conformista. Y el resultado de su nueva inquietud por innovar fue una sola canción de, nada menos, 43:50 minutos.

¿Qué hacemos con esto? deben haber pensado en Chrysalis. Entonces, se dieron a la vieja tarea de partir una canción en 2. La particularidad es que esa era una práctica común con los singles, no con álbumes enteros. Así que el reto mayor era conseguir que el impacto no se diluya en ningún momento.

Y una vez más, Anderson les taparía la boca a todos: sello disquero, críticos y excépticos.
Demostró que la banda ya no quería seguir el formato de canciones, sino de movimientos. Demostró que una banda cultora del blues y del folk podía ambicionar más y experimentar con nuevas estructuras y fusiones musicales. El trabajo lírico ya era bastante sui generis, por así decirlo, así que la nueva bestia destilaría personalidad por todos lados.

Me faltan palabras para describir la introducción de la canción, una bellísima invitación de guitarra acústica, flauta y trova hacia el interior del bosque y sus juguetona naturaleza.
Una vez adentro, se suceden, uno tras otro, los súbitos cambios de secciones, donde parecieran convivir, por momentos, la furia del rock duro con la delicadeza de una declamación; enérgicos crescendos de la portentosa guitarra del compadre Martin Barre con el cálido tono vocal de Anderson; una rítmica marcial que se intercala con luminosos fraseos de teclados.
En suma, luz y sombra.
Es como una expedición completa hacia el corazón de dicho bosque, justo en el momento en que el sol se afirma en el horizonte y la penumbra de las copas va dejando paso a los primeros rayos dorados. El instante mágico en que se reúnen las ardillas con los carpinteros, los osos y los castores.
Un viaje en un instante. Un viaje de 44 minutos. 44 minutos que pasan como el agua. Un álbum igual de efectivo que un single.

Y es ese paisaje de contrastes donde 'Thick as a Brick' toma su lugar. En teoría debería estar destinado a acumular polvo en los rincones de las discotecas, y a esperar años en las góndolas de las discotiendas, pero llegó a ser número 1 en EE UU y un éxito a nivel mundial. Era una empresa insólita, pero que triunfó sin atenuantes.

Y lo mejor de todo es que, siendo uno de los documentos más fehacientes de lo que significó la escena progresiva de los 70's, aún se mantiene vigente tras casi 4 décadas.

Y estoy seguro que seguirá riéndose de todas las barreras que aparezcan.

FAITH NO MORE - THE REAL THING

2010-07-06T06:54:00.000-07:00

'The Real Thing' fue mi introducción hacia un nuevo estilo musical base, el funk metal, y, a la vez, hacia una serie de nuevas posibilidades que se apoyaban en tal base, y que serían explotadas por la banda en su siguiente lanzamiento.

Hacia 1989, Faith No More tenía 2 LPs en su haber y un éxito comercial menor (los singles de "We Care a Lot" y "Anne's Song"), pero que los ayudó a entrar de a pocos en el subconsciente de la nueva generación de aficionados. Fue en ese tiempo que un joven Mike Patton llegó, reemplazando al vocalista Chuck Moseley, y la relación simbiótica entre artista-banda se dio de forma mágica. El cantante aportó sus enormes dotes musicales, mientras que el nivel instrumental y compositivo de la banda le permitió desarrollar sus talentos plenamente.

Es en ese año que los Red Hot Chili Peppers, una suerte de primos hermanos (y futuros enemigos), aprovecharon el momento y golpearon fuerte con 'Mother's Milk'. Faith No More ya había lanzado 'The Real Thing' previamente, y se benefició por la popularidad del nuevo disco de sus rivales.

El single de "Epic", una de las canciones clave en el desarrollo de la escena alternativa fue, entonces, el caballito de batalla de la banda, y abrió las aguas del mainstream de manera total.

Ahora, "Epic" no sólo es un single de éxito. Es una de las pocos ejemplos donde el single principal de un álbum no abandona la estética musical de la banda, convirtiéndose, al mismo tiempo, en una perfecta destilación de las mejores cualidades de la misma. Y un cúmulo de influencias se denotan a través de cada una de dichas cualidades: La experimentación de un cantante que se debate entre el absurdo y la virtuosidad; el metal de una guitarra sólida y dinámica; el funk de un bajo de tono poderoso y fluido, en conjunto con la precisa sincopación de la batería. Finalmente, una firme base de teclados que soporta todo el peso instrumental.

Estas mismas características están presentes a lo largo de los 55 minutos del disco, pero la enorme capacidad y creatividad del grupo permiten una alta variedad de propuestas sonoras, sin que la compilación de todos estos elementos resulte excesiva.

Así, se suceden la punkera "From Out of Nowhere", la divertida y funky "Falling to Pieces", la explosiva complejidad rítmica de "Surprise! You're Dead!", el cósmico funk metal de "Zombie Eaters", y las extensas piezas experimentales de "Woodpecker From Mars" y de la canción del título.

Como para sopesar tal crisol de sonidos, se decidió incluir un estupendo cover del todopoderoso "War Pigs" de Black Sabbath, aparentemente idéntico a la versión original, pero que desnuda una completa reinterpretación tras sucesivas escuchas.

Todos estos adjetivos no sobran, en realidad, cuando se trata de describir el impacto que 'The Real Thing' produjo en el futuro del rock. Incontables bandas de metal seguirían las bases de este álbum, y la fusión de estilos tan gramaticalmente disímiles como el rap y el rock se solidificaría gracias al mismo. Sin mencionar su papel como uno de los documentos determinantes en la conformación de una nueva escena de gran potencial artístico y comercial en el rock.

EL AIRE - EL CONFLICTO DE LAS EMOCIONES

2010-07-06T06:34:00.000-07:00

Como un impulso patriota momentáneo, procederé a reseñar esta segunda parte del disco triple 'Noiculover y La Fantástica Circunstancia' del proyecto unipersonal El Aire de Jose Javier Castro.

'El Conflicto de las Emociones' es un disco de ambient music/electrónico-experimental, que mantiene un sentido de continuidad musical entre los tracks, por lo que destacar alguno es innecesario para describir su impacto.

Resulta una agradable sorpresa saber que si se cuenta con el empeño necesario se pueden descubrir joyas escondidas en medio de la nublada oferta musical local. Castro ya tenía cierto recorrido en la escena limeña(La Liga del Sueño, Humo Rojo entre otros) cuando El Aire lanzó su primer disco en 1992, y así nacía una de las bandas de culto más importantes de los últimos tiempos en tierras lorchas.

Como ya dije con anterioridad, citar algún tema como pico musical es ocioso, ya que la unidad sónica le permite al aficionado la libertad de escoger sus propios "momentos favoritos" Es de resaltar, claro está, el nivel de creatividad y la valentía de experimentar por senderos poco recorridos por nuestros músicos: 'Noiculover...' está planteado como un gran cuadro teatral de 3 actos que fusionan el realismo con una onírica propuesta sónica, todo producido en una consola de sonidos cuyas posibilidades, limitadas en apariencia, resultan amplísimas en colores y trazos, sobre todo en 'El Conflicto de las Emociones', el primero de los 3 discos.

Influido por el space rock(en especial el Pink Floyd de 1968-1975) e incluso algo de drone al estilo de Fripp & Eno, Castro superpone con maestría finísimas capas de textura sónica que logran un contrapunto notable. El título de este trabajo resulta obvio más que acertado, ya que su escucha produce una serie de interminables sensaciones que colisionan entre sí mientras que el disco progresa.

A diferencia de´'Como Un Día en la Radio' y 'En la Era de la Luz'(los otros dos álbumes del 'Noiculover') 'El Conflicto de las Emociones' evita el inmediatismo del primero y la abstracción del segundo, logrando un balance donde el oidor es capaz de controlar el viaje sónico, sin someterse a la interpretación del autor pero tampoco despegando los pies del suelo tanto como para perder el sentido del espacio-tiempo.

Imprescindible si buscas un espacio de relajo en medio del stress diario, ya sea en tu casa o en las espóradicas tocatas en La Noche o en algún otro local donde todavía le dan cabida al artista peruano.

THE CARS - THE CARS

2010-07-06T06:30:00.000-07:00

The Cars es una de las bandas emblemáticas del new wave americano y la más exitosa a nivel comercial. La mayoría de sus compilatorios son éxitos rotundos en ventas y son la pizarra perfecta para la apreciación de su música. Sin embargo, la mayoría de sus mejores canciones (y de las más populares también) se encuentran en su disco debut homónimo, una suerte de álbum-compilatorio.

Para 1978, el gusto popular estadounidense había cambiado. Led Zeppelin, Jethro Tull y demás dinosaurios del llamado heavy rock ya no dominaban las radios. Un nuevo movimiento musical invadía no sólo las emisoras, sino también las pistas de baile. El fenómeno disco lo acaparaba todo y no parecía querer irse.

Sin embargo, la introducción de nuevos y sofisticados elementos sonoros en el pop/rock había creado un nicho para el estilizado new wave, una de las últimas corrientes en boga, y que sacaba la cara por el rock en el mainstream, por decirlo de alguna forma.

The Cars tomaría ambos enfoques y los explotaría al máximo.

Este primer álbum nos muestra una banda con un sonido definido y claro. No se trata del pop cerebral de bandas como Talking Heads, por ejemplo, pero la mecánica fórmula de canciones pop, con potentes riffs y solos de hard rock, en conjunto con una colorida producción, acentos melódicos y gran sentido de la dinámica, resulta sencilla y tremendamente efectiva, no sólo para escuchar sino también para bailar.

"Good Times Roll" y "All Mixed Up" las dos canciones que demarcan el disco, son 2 efectivos ejercicios de pop minimalista, con ciertos guiños al art rock en sus sintetizadores, y que encierran, entre ellas, un cúmulo de excelentes temas que varían poco en su propuesta, pero que guardan una gran consistencia. Clásico tras clásico, el soundtrack de la nueva juventud americana, enamoradiza y víctima de una época particularmente superficial, se nos devela.

Entre estos temas se destacan 2.

"My Best Friend's Girl" hace eco al pop sesentero en el uso de palmas para la percusión, los coros beatlescos y una estructura sencilla de bellas melodías y una activa interpolación en el trabajo vocal.

"Just What I Needed" la canción de bandera de la banda, es, asimismo, uno de los himnos new wave más trascendentes e identificables. La ya clásica introducción power pop de potentes riffs guitarreros, así como el sorprendente solo, cortesía del gran Elliot Easton le da un carácter más punky a la canción, en contraposición a su conmovedora performance vocal y letras. Los dulces fraseos de teclados y poderosa sección rítmica sólo redondean el resultado final.

'The Cars' es, en suma, uno de los documentos básicos para entender lo que significó el new wave y el período que dicho movimiento dominó, así como uno de los más grandes placeres prohibidos para el aficionado. Basta con ver la portada repleta de elementos kitsch, consumistas, pero dueños de una juguetona despreocupación. Si deseas un viaje de vuelta a la radio de tu infancia, éste disco es una de las garantías.

ECHO & THE BUNNYMEN - CROCODILES

2010-06-03T08:03:00.000-07:00

Cuando yo hablo de mis bandas favoritas, casi siempre considero a las que supieron desarrollar su sonido en un nivel superlativo desde un inicio. Dado el caso, me resulta complicado encontrar entre mis bandas favoritas, un álbum debut que sea superior a 'Crocodiles' de Echo & the Bunnymen.

El sonido característico de la banda resulta poderoso y perfectamente identificable desde un inicio. Su propuesta une su explosiva potencia post-punk con las influencias psicodélicas de fines de los 60's. En la teoría, esta fusión resulta pertinente, ya que el fetichismo por la oscuridad, presente en la escena británica de inicios de los 80's, dialoga a la perfección con los sombríos senderos recorridos por bandas como The Doors(una de las bandas héroe del cuarteto)

Ejemplos en la práctica de dicho matrimonio son la siniestra atmósfera de los teclados y voces en "Pictures on My Wall", los acentos lisérgicos de la vertiginosa "Going Up" o el sonido casi pesimista(si cabe el término) de la interpolación guitarra-teclados de la intro de "Villiers Terrace". Los principales responsables detrás de éste coctel sonoro son Ian McCulloch y Will Sergeant. La gruesa y expresiva voz de McCulloch danza entre calmos lamentos graves y furiosos arrebatos barítonos , que se complementan con la inacabable paleta de texturas del Sergeant, uno de los pocos guitarristas que privilegia a los acentos melódicos y fraseos antes que a la simple rítimica o solista, guardando las virtudes y suprimiendo los excesos de ambas. La simbiosis de ambos aportes generan verdaderos poemas nocturnos. Es una extraña belleza, donde los colores se producen por contraste con el negro y sus matices. Donde la luz es la sombra y viceversa. Tal y como sucede en la portada.

Si los Beatles tuvieron a Lennon-MacCartney como pareja creadora, sus herederos en Liverpool les tomaron la posta sin temor. Y así como los 'Fab Four' tuvieron un gran soporte en Harrison y Starr, la sección rítmica de los 'Liverpool's Finest', compuesta por el lírico melodicismo del bajo de Les Pattinson, y la poderosa simpleza del eterno Pete de Freitas no quedaba como mera comparsa en absoluto. Y es precisamente este último par el que destaca en la otra cara del sonido del disco. La contagiosa energía de la clásica "Rescue", la sorpresivamente colorida "Pride" o los súbitos estallidos instrumentales de "All that Jazz" destacan por una gran fluidez y dinámica, donde las diferentes cadencias y secciones se suceden con facilidad pasmosa, y donde, por momentos, la voz y la guitarra intercambian puestos con sus pares rítmicos en un juego de melodías y contramelodías.

Este cúmulo de diferentes percepciones le brindan una gran variedad al conjunto. Las canciones que cité anteriormente son parte de las clásicas del grupo, pero las demás se encuentran al mismo nivel. Lanza cualquiera al aire y resultarás satisfecho. Y justamente esta consistencia hacen que el disco pueda escucharse sin pausa. A fin de cuentas, son sólo 37 minutos, pero la intensidad y la opresiva atmósfera del disco hacen de 'Crocodiles' un viaje más que un álbum. Un viaje por los sectores más recónditos de la psiquis humana, donde realidad y ficción, lógica y absurdo convergen, y donde estarás de acuerdo en que los hombres muertos son felices.

PD: Recomiendo severamente la edición con bonus tracks del 2003, la cual contiene las dos canciones que sólo se incluyeron en EE UU, "Read it in Books" y la fabulosa "Do it Clean", así como el EP 'Shine so Hard' al completo.

DECONSTRUCTION - DECONSTRUCTION

2010-06-03T07:59:00.000-07:00

'Deconstruction' está catalogado, con toda justicia, como el mejor producto de proyecto paralelo alguno de los miembros de Jane's Addiction.

En mi opinión, una de las canciones más infravaloradas de la banda madre era "Obvious" del 'Ritual de lo Habitual', la cual se sale un tanto del contexto sonoro de la cara A de aquél álbum, con un ritmo constantemente en tensión y crescendo, alejándose de las cadencias funky y enfatizando el cromatismo de las guitarras.

Bueno, en este disco homónimo pareciera que el elusivo Eric Avery y Dave Navarro, los principales ejecutores del juego de colores y dimensiones sonoras de aquella canción maravillosa parecieran querer expandir las bases de la misma, añadiendo los acentos funk-metal aquí y allá, y el resultado lo reparten entre 15 temas.

Ahora, salvo "L.A. Song", es difícil que cualquier hijo de vecino haya escuchado alguna canción del trío angelino. Es así de subte su propuesta, la cual podría resumirse en largos ejercicios de bellos contrapuntos de texturas, sorprendentes por su profundidad y posibilidades. Es un tono guitarrero inédito para mí.

Tracks como "Single", "Big Sur" o "America" representan extensos mantras donde el aficionado pierde la noción de perspectiva y se sumerge en las diferentes capas de reverberación, beats electrónicos y percusión.

El trabajo vocal neutro está dispuesto como un desesperado cable a tierra, lo cual de alguna forma permite que el sonido no se les escape de las manos. Es música trascendental, pero que aún así no deja de pertenecer a un contexto mundano.

Es una experiencia tan efectiva que la primera vez que lo coloqué en el equipo provocó que apagara las luces y le prestara TODA mi atención. Eso nunca me ha sucedido.

Ahora, no todo es perfecto, el disco en su totalidad es extenso y los temas se alargan un poco. El escucha necesita ser paciente para procesarlo y entender que la intención de los creadores es la de modificar tu espacio-tiempo por 70 minutos. Y creéme que si los empleas con concentración, son 70 minutos ganados.

BLOOD, SWEAT AND TEARS - CHILD IS FATHER TO THE MAN

2010-06-03T07:56:00.000-07:00

Este es un disco muy especial de reseñar para mí. Por muchos años escuché hablar de una banda contemporánea de The Doors o Traffic que era capaz de amalgamar el pop-rock, el jazz, la psicodelia, blues y hasta música clásica como si fuera la cosa más sencilla del mundo.

Busqué sus canciones como loco en internet. Conseguí 4 y me encantaron. Era difícil definir su sonido en ese momento: era un sonido mucho más maduro, más delicado de paladear que el rock ácido en el cual estaba inmerso en esos días. Sin embargo, entiéndase, no es un sonido adulto. Posee la urgencia romántica y el feelin-good de una juventud(los 60's) llena de contradicciones.

Una vez en mis manos, el disco se convirtió rápidamente en uno de mis favoritos. La portada me parece genial y divertida, mostrando que nuestro niño interno nunca desaparece. Y eso es justamente el tema de reflexión que me sugieren las canciones.

El álbum comienza con una cómica obertura con la que no puedes evitar reírte, para luego, casi de inmediato, pasar a la dramática I Love You More Than You'll Ever Know, una dolorosa pieza de jazz rompecorazones cuyo trabajo vocal posee un blues tan potente que muchos envidiarían. Le suceden Morning Glory, con una preciosa intro de vientos; la dinámica My Days Are Numbered, con una sección ácida al medio que resulta extrañamente adecuada; el perfecto bossa-nova de Without Her, la emotiva Just One Smile, y la burlona The Modern Adventures of Plato, Diogenes and Freud, entre muchas otras joyas que sugieren la dulce confusión del adolescente que quiere sentirse como adulto. Como diría Bryce Echenique: "una elegancia poco preparada" que corresponde a la juventud.

Musicalmente, los temas poseen un grado de fineza y sofisticación que es difícil de encontrar en otro lado. La precisión de los detalles en los arreglos, el contrapunto de instrumentos de vientos y cuerdas, los colores de sus melodías...es un disco que escucho de principio a fin embelesado.

Una vez que Al Kooper, un maestro, se separó de la primera formación, la banda lanzó muchos álbumes de éxito comercial, pero ninguno tuvo la genialidad del debut. Y Child is Father to the Man es justamente el documento de que Blood Sweat and Tears fue, en su momento, una de las mejores bandas del planeta.

LA EDAD DE LAS CANCIONES DE AMOR

2010-01-26T18:16:00.000-08:00

Estoy sentado frente a la computadora, son las 9 de la noche y es un 14 de Febrero del 2008. Me encuentro con una sensación de angustia constante y densa; de esas que no llegan a la desesperación, pero que alteran tu humor por varias horas.
Como comprenderàn, para una persona que no cuenta con muchos ingresos y con una enamorada en su casa esperando para salir sì o sì a algùn lado “porque es el dìa del amor”, èsta no es una situación muy favorable.
Trato de ver de què forma evitar el vacìo que se va formando en el estòmago. Pienso en mùsica, en algo poderoso que capte todos mis sentidos, pero el tràfico que me anuncia la ventana es tal que no me deja concentrarme.
Cierro las ventanas y elijo el disco que en ese momento me pareciò el màs apropiado: El Ocean Rain de Echo & the Bunnymen. Dramàtico y càlido como pocos, es el disco perfecto para aquellos que gustan de la noche y sus misterios; un disco que define la palabra èpica en la mùsica.
Lo escucho de principio a fin hasta llegar al ùltimo tema, tambièn llamado Ocean Rain, el cual hace un hermoso paralelo del amor, comparando la calma y la tempestad de un profundo mar nocturno con los vaivenes de una emotiva relaciòn.

Tanto romanticismo sincero me hizo recordar lo mucho que detesto las cursilerìas a las que fechas como èsta se encuentran atadas. Las canciones a las que recurren los tìpicos spots de San Valentìn me desesperan.
Me pregunto si èsta hubiera sido la situación de nuestros padres o abuelos. Melòmanos o no, una fecha especial tiene una connotación particular, y ellos debieron haber preferido(o haber sido sometidos a) una mùsica determinada esa precisa noche.

¿Què canciones definieron los 14 de Febrero de nuestros padres?
Probablemente algo de nueva ola, boleros, algo de los Beatles, Motown, Los Iracundos, en fin…el asunto es que la juventud de esos tiempos tenìan gustos similares a sus padres en cuanto a cuàles canciones recurrir para una declaraciòn de amor, por ejemplo, o bien la promesa de la uniòn eterna.

Siguiendo con mis reflexiones acerca de este dìa es que llego a la conclusión de que las generaciones cada vez se separan màs.
Paradójicamente, siendo èste un paìs perteneciente a una zona del globo donde la sociedad todavía mantiene un fuerte sentido patriarcal, es justamente el lugar donde la separaciòn es màs notoria en el campo musical.
Mientras la generaciòn de nuestros viejos aùn es fiel a los “oldies”, la juventud peruana escucha reggateon o baladas de productos industriales baratos como Britney Spears, Manà y Paulina Rubio.

Siguiendo con las paradojas, es importante notar que la transmisión del gusto por la mùsica es un aspecto importante en la relaciòn padre-hijo en los paìses angloparlantes; muchas veces siendo el ùnico nexo que mantiene firmes los lazos de familia.
¿Cuàntos de los freaks de ahora no habràn empezado a explorar la mùsica con los LP´s antiguos de papà?

De acuerdo con muchas revistas y webs dedicadas a la mùsica, el ùltimo gran disco de nuestro tiempo fue el OK Computer, àlbum de Radiohead lanzado en 1997. No se si estoy de acuerdo 100%, pero la afirmación tiene mucho de verdad. No existen referentes de fuerza ahora. No encuentro artistas que engloben un pùblico importante y que gocen de respeto por parte de la crìtica. La audiencia resiente esta carencia desde finales de la dècada pasada y no hay signos de recuperaciòn.

Para no aburrir a mis lectores con tanto tecnicismo y para no perder el hilo de la cuestión, dirè que esta situación tambièn puede aplicarse a casos como el del bendito 14 de Febrero. No hay que olvidar que gran parte del atractivo de la mùsica popular se apoya en la carga emocional de sus letras de amor.

Y es ahora que extraño mis tiempos de chibolo.
Al menos en los ochentas existìan salsas romànticas decentes, como las de Frankie Ruiz y Eddie Santiago, dulces baladas como ‘Eternal Flame’ de los Bangles, ‘The Flame’ de Cheap Trick, ‘Don’t Stop Believin’’ de Journey, ‘What it Takes’ de Aerosmith, o las cortavenas ‘With or Without You’ de U2 y ‘Every Breath You Take’ de The Police, por citar los ejemplos màs comunes.

Los noventas tambièn se defendìan con ‘Enjoy The Silence’ de Depeche Mode, ‘November Rain’ de Guns N’ Roses, la rescatada ‘Somebody To Love’ de Queen y las lentas de Juan Luis Guerra(un clàsico de las fiestas)

Ahora, sin embargo, es posible escuchar a un padre colocando a ‘Woman’ de John Lennon o ‘How Deep is Your Love’ de los Bee Gees en el tocadiscos, mientras que a 10 metros de ahì, en el cuarto del hijo, nuestros oìdos se retuercen gracias a un impresentable que le aconseja al muchacho que le rompa el buche a su amiguita.

Todo eso me hace pensar…¿que hago en este momento escuchando a una banda tan underground en medio de tanta desgracia sònica?(mis vecinos no dejan de escuchar un afiebrado merengue, de esos baratazos).
No sè si sea uno de los pocos aficionados serios, o tal vez un terrible posero que quiere sentirse mejor a expensas de los demàs por ser “diferente”.
La verdad es que me gusta mi mùsica y punto. Al diablo lo demàs.

Por cierto… ya debo dejarme de tanta huevada y empezar a alistarme y descifrar que hacer con los 30 lucas que tengo en el bolsillo para no hacer de èsta una noche para “recordar”.

Ah, lo olvidaba. Ahì les dejo mi top 10 de canciones de amor de todos los tiempos. Ojalà se den el tiempo de buscarlas. Si les gustan, bien, y si no les gustan…mal, pes.

Ocean Rain – Echo & The Bunnymen
Thirteen – Big Star
For Emily, Whenever I may Find Her – Simon & Garfunkel
Reasons for Waiting – Jethro Tull
Fall at Your Feet – Crowded House
Enjoy the Silence – Depeche Mode
Chloe Dancer/Crown of Thorns – Mother Love Bone
Kiss Me on the Bus – The Replacements
Classic Girl – Jane´s Addiction

Serge Quilodràn

DOLORES DELIRIO - CERO

2010-01-24T21:49:00.000-08:00

'Cero' es un disco que, musicalmente, me ubica en el año 1985. Exactamente 10 años antes de ser publicado.

Mezcla influencias varias, casi todas británicas. El estilo vocal se debe al post-punk, perteneciente al espectro college-alternativo(Simple Minds? Echo? The Cure?), conjuntamente con las melódicas líneas del bajo. La potente batería y la inolvidable guitarra poseen el sentido de amplio espacio, típico de las producciones de synth-pop de mediados de los 80's (Tears for Fears? Killing Joke?) pero al mismo tiempo, el reverb, el eco y el ambiente onírico generado por las melodías denotan claras influencias del movimiento dream pop (Jesus & Mary Chain? Cocteau Twins?). La guitarra, especialmente, se emparenta con el trabajo de Brian Eno con U2 entre 1984-1987. Oleadas constantes y oscilantes, que trazan una envoltura mágica, invisible y que le dan mucho más carácter a los temas, cosa muy necesaria, debido a que la cantidad de influencias foráneas puede quitarle mérito a éste tremendo disco.

Si bien la voz es buena y expresiva, la estrella aquí es el conjunto de "Paisajes Azules" que la viola no se cansa de pintar. Su ingravidez resulta fundamental para conjugar luz y oscuridad. El dolor de las letras con la luminosa belleza instrumental. No hay yuxtaposición sonora aquí sino un contrapunto perfecto. El sonido es denso, pero permeable. Te enamoras de "Carmen" a la primera escucha, así como quieres volar "A Cualquier Lugar" luego de haber realizado el "Aprendizaje" respectivo, el cual consta de 42 cortísimos minutos (el álbum se te escapa de las manos)

Plagio? Quizá. Falta de originalidad? Puede ser. El asunto es ubicar las cosas en su contexto.

La escena peruana estaba muerta y bien muerta hacia 1994 y este disco reventó maravillosamente, como un segundo grito de libertad entre los sombríos cafetines del "circuito" limeño y que, felizmente, suena nuestro, y bien nuestro.

Si fuiste un adolescente en el Perú de los 90's te sentirás identificado con esa sensación de incertidumbre...existía el rock peruano? nos habíamos quedado en los 80's? dónde estaban las bandas? Habían muchos fans, como tú, que escuchaban a las bandas gringas de moda (probablemente grunge) o las vintage ochenteras, pero que las sentían lejanas. Aquí aún no habían conciertos de calidad y sólo nos quedaban los cd's y MTV para sentirnos en ambiente. Los bares locales rebosaban de bandas con talento pero con Cero popularidad.

Es por eso que yo me identifico con 'Cero'. Dolores Delirio supo encapsular todo el conocimiento musical y las frustraciones almacenadas por 10 años en el seno de la fanaticada local y lo plasmó en un álbum. No representa un sonido anacrónico, sino que logró trepar en el tiempo por una cuestión emocional, atravesando modas.

Pero más que nada, es un disco de la puta madre.

CAN - SOUNDTRACKS

2010-01-01T22:09:00.000-08:00

Sountracks encuentra el momento exacto en que Can empieza a dejar las influencias psicodélicas de lado por un sonido minimalista y experimental, y los resultados son asombrosos.

Siendo un disco, en principio, disgregado, debido a que cada canción responde a un contexto determinado(cada una pertence a distintas películas) la cohesión del álbum en su totalidad es destacable.

Desde el comienzo se nota que Jaki Liebezeit y Holger Czukay intentan enrumbar a la banda hacia una propuesta sonora en la que predomina la rítmica por sobre la melodía.

Ahora, tomando en cuenta el nivel instrumental y compositivo de los dos individuos en cuestión, el éxito está garantizado. Y más aún si contamos con el guitarrista Michael Karoli, quien toca incesantes frases que se yuxtaponen, a la vez que cambian progresivamente de tono, dando como resultado un complejo conjunto sónico de resminiscencias tribales pero futuristas.

Este es un sonido orgánico pero artificial, un extraño contrapunto donde las voces de Malcolm Mooney, y, sobre todo, del nuevo miembro Damo Suzuki, se funden en la parte instrumental como un elemento más en el juego de texturas.

"Deadlock" arranca el viaje como una pequeña joya de tintes progresivos en la emotividad de su interpretación instrumental y vocal, pero con la potencia de una banda de hard rock de tendencia minimalista, si cabe la posibilidad de que eso exista. "Don't Turn The Light On, Leave Me Alone" demuestra el por qué Can no tiene nada que envidiarle a la sección rítmica de casi cualquier banda funk, con una percusión de gran riqueza sin la necesidad de poseer mayor complejidad. "Soul Desert", un tema sencillo, pero que destaca por la particular performance vocal de Mooney, prepara la antesala a la canción central, la portentosa "Mother Sky". Éste es un jam monstruoso, donde Can rememora la crudeza de sus bases de garage rock y ácido en un ejercicio rítmico de enormes proporciones, donde por momentos el bajo y la guitarra intercambian posiciones en el trabajo rítmico y solista(increíble construcción de capas y punteos de guitarra, en conjunto con las oleadas de teclado distorsionado de Irmin Schmidt), y cuyos casi 15 minutos no abandonan la intensidad en ningún momento.
La canción de cierre, "She Brings The Rain" es un relajado número jazzy que brinda al oyente el necesario descanso tras semejante trance musical, y culmina el disco con broche de oro.

La gente suele hablar de la famosa trilogía experimental Tago Mago-Ege Bamyasi-Future Days, o rescata los inicios psicodélicos de Monster Movie, pero suelen dejar de lado a esta maravilla, lo cual me causa perplejidad. 'Soundtracks' es, definitivamente, uno de los mejores documentos del krautrock y de la música de avant garde en general.

GLENN BRANCA - THE ASCENSION

2009-11-29T16:32:00.000-08:00

No soy muy conocedor del no-wave. De hecho, llegué a tener conocimiento de la escena debido a que en un momento me rodeé de gente fanática de Sonic Youth(péguenme un tiro!) Aparentemente Glenn Branca se había constituido en una especie de institución de la escena experimental de NY a fines de los 70´s reclutando a algunos de los mejores músicos del circuito, incluyendo a Lee Ranaldo, futuro guitarrista de los ubicuos Youth.

La discografía de Glenn Branca es un tanto complicada. Similar a la de Stockhausen o quiza Merzbow en el hecho de que sus trabajos son denominados justamente "works", no álbumes. Pero como punto de referencia se yergue The Ascension, recomendado por muchas revistas y webs especializadas.

Dió la casualidad que un día me encontraba comprando cds y uno de los vendedores puso el disco en cuestión en los parlantes. Quedé totalmente embobado y no paré hasta comprarlo.

'The Ascension' es muy similar en estructura al 'White Light White Heat' de la Velvet. Ambos poseen pocos temas, de los cuales sobresalen 2 por su duración. Las canciones cortas funcionan como engranajes que mantienen todas las principales piezas del conjunto en perfecto funcionamiento. Su inmediatez y contundencia sonora son la antesala perfecta para el acto principal.

Resulta curioso que este sistema responda adecuadamente, considerando que la propuesta de Branca se basa en la deconstrucción del rock. Reclutando a un ejército de guitarristas y un baterista, su música nos muestra una cacofonía estructurada, una serie de pasajes rítmicos atonales, exentos de melodías convencionales que no cesa en su marcha demencial, únicamente apoyados por los golpes de la percusión, que sirve más bien como un cable a tierra. "The Spectacular Commodity", por ejemplo, sobresale del colectivo porque sus múltiples capas de guitarras poseen la propiedad de ser rítmicas pero solistas. Dictan una melodía sin melodía y un ritmo sin aparente estructura. Sin embargo, poniendo atención, se devela un sentido de composición heredado directamente de la música clásica. Se perciben movimientos y secciones.

He aquí el mayor aporte de Branca: El poder hilvanar 40 minutos de música sin gancho alguno, pero que logra mantener en vilo al aficionado sin problemas. Es un sonido que carece de emocionalidad alguna, en teoría, pero que sugieren sensaciones como visceralidad, esquizofrenia y abstracción en un contrapunto que muchos quisieran lograr. Es el sonido de nuestra mente.

ARCADE FIRE - FUNERAL

2009-11-29T16:29:00.000-08:00

'Funeral' es, de lejos, uno de los mejores álbumes del nuevo milenio, y es uno de los mejores trabajos de música independiente en mucho tiempo. Trataré de no expandirme demasiado en esta ocasión.

En breve, diré que el disco expresa belleza por donde se le mire(excepto en la calidad del digipak) Con una delicada propuesta sonora que incluye el aire barroco de las orquestaciones de Echo & the Bunnymen, la emotividad de Bowie y la extrema sinceridad de los Pixies, el efecto es conmovedor y dramático.

Absolutamente todas las canciones son buenas, y arman un conjunto de extrema vulnerabilidad en su aspecto lírico, donde las voces Win Butler y Reginne Chassagne no se guardan nada de nada(y considerando su situación personal, es perfectamente entendible). A la vez que gemas como "Neighborhood #1 (Tunnels)" y "Neighborhood #2 (Laïka)" desnudan una soledad y abandono arrebatadores, acentuados por los arreglos de cuerdas y teclados, las fluidas cadencias post-punk de "Neighborhood #3 (Power Out)" y el ritmo vertiginoso á la Roxy Music de "Rebellion(Lies)" denotan una urgencia ineludible.

Con la sombría belleza de "Crown of Love" como la cereza de la torta, Funeral es un disco que entrega un mensaje honesto, sí, pero que posee un carácter mundano y onírico a la vez. Narra sueños callejeros con la fragilidad y ternura de los cuentos de hadas, y todo ello sin perder la calidad musical, cualidades que rara vez se encuentran juntas en un sólo trabajo.

ANATHEMA - A NATURAL DISASTER

2009-11-29T16:20:00.000-08:00

'A Natural Disaster' es un disco que me sorprendió bastante. Lo adquirí como parte de un lote promocional de discos de metal extremo, y me dispuse a darle un par de oídas antes de terminar de escuchar al resto.

De la discografía de Anathema yo no estaba muy informado. Sabía que se trataba de una de las bandas más importantes del doom metal (en su caso, death-doom) así que me imaginaba el típico sonido cavernoso y opresivamente lento del estilo.

Y cuando comenzó a sonar la maravillosa "Harmonium" quedé lelo. El sonido respondía al de una banda de rock progresivo contemporánea que privilegia las largas y azules texturas atmosféricas del post/rock con una performance vocal limpia y una guitarra poderosa(aunque no necesariamente metálica) que sirven de guía sonora para no perder de vista la progresión de las canciones. El suyo es un sonido increíblemente expresivo. No necesita del volumen o agresión excesiva del estilo inicial de la banda para canalizar la urgencia de su mensaje. Yo, sin llegar a entender las letras del todo, tampoco las necesito, ya que la parte instrumental sugiere más que suficiente.

Temas como el mencionado "Harmonium", la canción del título o la extensa "Violence" representan lienzos impolutos para el ejercicio de pinceladas sónicas de inusitada riqueza y potencia que se superponen en un idílico efecto.

Es una propuesta que conjuga la complejidad sonora con un sentido de construcción lo suficientemente claro como para procesar su música fácilmente. Es un disco inmediato y que recompensa a la primera escucha. No necesita de un público en particular para ser apreciado

13th FLOOR ELEVATORS - THE PSYCHEDELIC SOUNDS OF THE 13th FLOOR ELEVATORS

2009-11-29T16:16:00.000-08:00

Para mí existen dos tipos claros de psicodelia: la alegrona, contestataria y luminosa del movimiento de San Franciso es la que suele ser recordada por el público en general. Al fin y al cabo, fueron los grupos más famosos y que participaron en los festivales más importantes de música pop. Pero también existió la otra rama, la más experimental e inclasificable, aquella cuyo sonido se asocia con una franca esquizofrenia. Este "otro" tipo de música influenciada por el LSD y drogas diversas fue germinándose lejos de las costas Este u Oeste, más precisamente en Austin, Texas, considerada actualmente como la capital de la música en vivo. Y estoy seguro que tal reputación se debe, en cierta parte, a su historia. El nacimiento del rock psicodélico fue forjado en sus calles y centros comerciales (si, centros comerciales).

Uno de los miembros originales de aquella camada, un tal Roky Eriksson, ya tenía cierto tiempo dándole al micrófono y buscando una banda estable, que permitiera fluir sus particulares ideas musicales. Encontró a los compañeros que necesitaba, peleó por un contrato con la incipiente International Artists (hogar de los legendarios Red Krayola y de Bubble Puppy) y se mandó con el álbum debut, luego de cierto éxito local con el tremendo single de "You're Gonna Miss Me"

Ahora, "You're Gonna Miss Me" es una de aquellas canciones que llegan cada 10 o 20 años. Fue una especie de parte-aguas en la dirección que tomaría la música popular. Su efectiva y furiosa simpleza garage, su parentesco con la ubicua "Gloria" y, en especial, los chiflados alaridos de Eriksson la volvieron inmortal. Pasó muchos años en la oscuridad, pero nunca desapareció del todo y se dio el lujo de aparecer como referente para nuestra enciclopédica época, y hasta figurar en películas de primer orden.

Alentado por tal suceso, los 13th Floor Elevators armaron espartanamente el resto del LP, le añadieron una portada tan icónica como tosca y así, de forma tan simple, le dieron el punto de partida al rock ácido. Pero lo que extraña más es el contenido. Si tú eres uno más de los incautos que se esperaba un álbum lleno de cortes garajeros y enérgicos, debiste darte un masazo cuando los siniestros primeros acordes de "Rollercoaster" aparecieron. Un producción paupérrima, una total anarquía vocal, una sección rítmica amateur, y, como la cereza, un ornamento sonoro más que bizarro (electric jug, que hasta ahora no se que m... es) es la mezcla teórica que ofrece 'The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators'. Digo teórica, porque el resultado final es mucho más complejo de definir. Es un sonido absolutamente alienante, que no parece pertenecer a este plano. Es un viaje violentísimo hacia el interior de una mente turbada como la de Eriksson, donde la dulzura de "Splash 1 (Now I'm Home)" choca con la locura de "Fire Engine" en sólo unos instantes. Es un disco muy bueno, pero muy bizarro también.

Y si eres capaz de obviar su importancia histórica y tener paciencia con la horrorosa calidad de grabación, corre y búscalo. Este es un disco de materia obligada no sólo por su papel en el desarrollo de la música contemporánea, sino como ente individual. Pero las advertencias están, no lo tomes a la ligera. No es un disco que se procese en un día.

THE FLAMING LIPS - THE SOFT BULLETIN

2009-04-24T22:00:00.000-07:00

Luego de màs de 15 años intentando superar el estigma de "banda indie que se quedò a las puertas del mainstream" los Flaming Lips deciden dejarse de "poserìas interesantes pero caras"(Zaireeka) y sacò un disco que rompiò completamente los esquemas sin necesidad de llegar a extremos.

La banda siempre habìa recorrido senderos neo-psicodèlicos, pero adaptàndolos a un sonido relativamente tangible(lèase 'canciones basadas en riffs de guitarra') Es entonces que el genio de Wayne Coyne amplìa las posibilidades sònicas de la banda aùn màs, y lo logra, creando el àlbum que siempre quiso hacer.

The Soft Bulletin es un disco barroco, pleno de orquestaciones y melodìas onìricas.

Sin embargo, tal riqueza instrumental no resulta excesiva gracias a una propuesta sonora que, si bien no deja de ser orgànica, añade elementos un tanto insustanciales en la mezcla o producciòn(yo soy un negado para esas cosas) añadiendo efectos y pinceladas que resultan siendo una agradable sorpresa.

Ante nosotros tenemos un disco èpico y lìrico a la vez, pleno de dulces melodìas que soportan el siempre vulnerable trabajo vocal de Coyne. Uno podrìa perderse en la alienante emotividad azul de "Race For The Prize"(las dos partes), o en las vaporosas texturas de temas como "Waitin' For a Superman" o la maravillosa "Feelin Yourself Disintegrate"(un tìtulo màs que apropiado) con una atmòsfera de cuento de hadas, donde la banda da fe de que el dream pop no habìa muerto ni mucho menos.

Luego de un sòlido andar por las 90's, The Flaming Lips lanzan el trabajo que muchos consideran como su obra maestra, y uno de los mejores discos de la dècada. Parece que algunos artistas si son como el vino.

VENOM - BLACK METAL

2009-04-24T21:53:00.000-07:00

Desde que empece a escuchar metal extremo, el género musical que se me hizo más impenetrable fue el black metal. El saber que este disco es considerado como una piedra angular en el desarrollo no sólo del black, sino de varios estilos importantes del rock pesado, tales como el thrash o incluso el death, quise poner mis manos en él.

Tuve la suerte de encontrarlo en una disquera local de discos usados, y, pese a que la caja de cartón que lo contenía estaba severamente dañada, ese hecho, más que frenar mi interés, me impulsó aún más a comprarlo.

Una vez en casa, procedí a darle varias escuchadas. De forma contradictoria, pese a no ser en absoluto un disco sutil, fue necesario un largo tiempo para procesar su impacto. La producción es pésima, y la escasa variedad temática y musical tampoco contribuyen a descifrar propuestas que vayan más allá de un disco garajero, compuesto por fanaticos de la feroz velocidad metálica de Motorhead y adolescentes aficionados a la wouija. La portada, asimismo, reúne todos los clichés que harían caer al género en el terreno de lo ridículo.

Sin embargo, cuando estaba a punto de tirar la toalla, me di cuenta de que la respuesta estaba en mis narices todo el tiempo. Si se analiza fríamente, sería difícil encontrar una banda del periodo con un ataque guitarrero tan furioso y rápido, una voz más agresiva y una atmósfera mas asfixiante. La cancion homónima es un arquetipo de lo que, sónicamente, conformaría el estilo thrash, con un riffing vertiginoso y seco, acordes bajos y voces raspadas. Pero, al mismo tiempo, un clima de oscuridad recorre todos los pasajes del disco, cuyo sonido nebuloso y vagamente siniestro, sería sin duda influyente para el futuro black metal de bandas como la genial Bathory y los Darkthrone.

No es la influencia de Mercyful Fate, cuya virtuosidad instrumental, su imagen y la voz esquizofrénica de King Diamond definirían la propuesta de la movida; la influencia de Venom es, exclusivamente, de actitud.

Sucediéndose, una tras otra, las canciones van armando poco a poco el soundtrack del averno hasta llegar a la no despreciable "At War with Satan", un buen instrumental que representa un perfecto corolario para la obra y que determinaría el título del siguiente disco en la carrera de este trío de Newcastle por llegar a ser dignos de Satanás.

THE STOOGES - THE STOOGES

2009-04-24T21:44:00.000-07:00

El debut de Iggy Pop y The Stooges resultaría sorprendente para los fans de sus temas más conocidos, como "Raw Power" o "Search and Destroy", no porque no posea la demencial furia de la interpretación y la crudeza del sonido de la banda, sino porque el enfoque es muy diferente. Aquí, el sonido Stooges es aún más primigenio, pero, irónicamente, más experimental y revolucionario.

El cuarteto de Detroit es, probablemente, el primer grupo que desnudó al máximo la instrumentación del rock, dejando efectivos sólo los elementos necesarios: un cantante, una guitarra, un bajo y una batería. No había lugar para más, ni tampoco se necesitaba.

Si los Doors fueron la primera banda "oscura" del rock, la Velvet Underground la respuesta de la Costa Este, y Frank Zappa & the Mothers of Invention la desfachatez total, The Stooges representó la consolidación, la prueba de la existencia de un sector marginado y marginal de la sociedad: Los renegados, los sucios, los que carecen de atractivo, los que quieren romper el molde porque no encajan, los que quieren evadir los convencionalismos porque ocultan la verdad. Eran aún más peligrosos porque no pretendían ser desadaptados, sencillamente lo eran.

Pese a que carecían del bagaje cultural de Jim Morrison, de un mentor como Andy Warhol o de un genio como Zappa -cuya banda, pese a su facha de freaks incorregibles, eran músicos de nivel de conservatorio-, The Stooges se las arreglaron para cambiar el rock para siempre.

Y lo hicieron con estilo.

La tosca distorsión del riff de entrada de "1969" avisa que estamos ante un álbum diferente. Y mientras riffs y solos crudísimos son acompañados por la sección rítmica más básica que puedas encontrar, Iggy Pop redacta su bestiario y lo hace de la forma más perversa. En "1969" predice el resultado de la apatía de una generación que prometió mucho y no logró nada. En "I Wanna Be Your Dog" la degeneración carnal llega a niveles insospechados, mientras que la icónica "No Fun" le hace eco a "1969" y profundiza la sensación de inanición. Les suceden la notable y venenosa "Real Cool Time" y otros ejercicios de rock cuadrado y garajero que cierran un disco inmediato y brutal, con la sola excepción de "We Will Fall" un absurdo tema de más de 10 minutos donde intentan emular innecesariamente a la Velvet, dando como resultado un enorme bostezo y un rotundo skip en el equipo.

Iggy Pop había empezado a cimentar su sitial entre los frontman inmortales del rock. Demente y contestatario como pocos, sus performances lo elevarían a nivel de héroe e ícono indiscutible del nacimiento del punk, una escena de la cual es padrino indiscutible. Pero ojo que sus compañeros no son mera comparsa. Los hermanos Ron y Scott Asheton, en guitarra y batería respectivamente, así como Dave Alexander, sentarían escuela por la furia anárquica y grosera de sus interpretaciones. Sid Vicious, Johnny Thunders y G.G. Allin tomaban nota. The Stooges fue el primer álbum de una propuesta que, pese a los arrebatos de velocidad y volumen que sus bandas perpetran con tal de llegar cada vez más lejos, nunca volvió a encontrar unos representantes más auténticos.

SEX PISTOLS - NEVER MIND THE BOLLOCKS, HERE'S THE SEX PISTOLS!

2009-04-24T21:14:00.000-07:00

Este disco fue importante, revolucionario y visionario también(lástima que su legado haya sido adoptado por muchas banditas de medio pelo que se hacen llamar punks en estos días) Mostraba que la formación básica de rock n' roll, que contara con sólo 3 o 4 acordes para una sola canción podía ser tan o más poderosa como expresión musical que el rock progresivo, por ejemplo, el cual fuera objeto directo de los ataques histriónicamente clasistas de Johnny Rotten. Esto se observa en la propuesta de los Pistols, que no era la misma de los Ramones, ni mucho menos la de otros colegas neoyorkinos como Patti Smith, Richard Hell o Television. Los Pistols eran sucios, contestatarios y rabiosos, sin ningún ánimo de intelectualidad lírica o fineza en la interpretación, por lo que se entiende su tirria hacia dinosaurios como Pink Floyd o Yes.

Los conciertos que precedieron y sucedieron al lanzamiento de esta piedra angular fueron manifiestos de anarquía total. Los pogos se hicieron populares. La formación de una subcultura y una nueva escena había sido creada. En 1977 nacía un movimiento y sus protagonistas eran los Pistols. Historias como las de Sid Vicious sólo alimentaron aún más el mito.

Hasta aquí todo bien si se analiza desde un punto de vista histórico, en referencia a la influencia ejercida. Pero una vez que dejas de lado su impacto, el disco pierde toda interés, al menos para mí. No sé si sea correcto decir que si hubiera sido lanzado un par de años después hubiera pasado desapercibido, pero lo que sí puedo asegurar es que, de ser así el caso, difícilmente lo hubiera comprado. Puedo poner con frecuencia God Save the Queen o Holidays in the Sun en el reproductor, pero me aburre escucharlo completo. Y es un disco punk!

Para citar una frase de Gonzalo Torrente Ballester: "valía más lo que significaba que lo que era"

PRIMAL SCREAM ' SCREAMADELICA

2009-04-22T11:03:00.000-07:00

Screamadelica es un disco que yo descubrí por casualidad, en una tienda de discos usados. Estaba botado en un rincón y con la caja rota en una esquina, pero el precio al que lo ofrecían valía la pena. El vendedor se deshizo en elogios, y logró convencerme de llevármelo.

Una vez en el equipo, me asaltó esta extraña sensación de esuchar una canción nueva, pero que no lo era.

Quiero decir, en mi vida había escuchado "Movin' on Up", pero su sonido se me hizo muy familiar. Con una fuerte influencia dance, pero con excelentes fraseos de guitarra como acento melódico y un trabajo vocal orientado al soul. Algo así como los Soup Dragons, pero muuucho mejor.

El cover de 13th Floor Elevators, "Slip Inside this House" es excelente en el sentido de que no pierde ese dejo de psicodelia esquizofrénica a la que me acostumbró la versión garage de Roky Eriksson. Con enormes loops electrónicos, la canción sigue siendo un viaje astral. "Come Together", aparentemente el tema más conocido del álbum, es otro punto notable en su rítmica irresistible, la cual se se acentúa en su versión extendida(la otra es el single). El resto de canciones, aunque no tan brillantes, suman al resultado final. Éste es un disco muy bien ensamblado, y relativamente sencillo de escuchar de porrazo si es que tienes paciencia.

En cuanto a su importancia histórica, bueno, yo no conozco mucho del madchester o del C86. Sé que fue una corriente que le imprimía a la electrónica una potencia mayor en su desempeño al brindarle algunos elementos de rock. O quizá al revés, melodías de rock con un soporte dance y desviaciones neo-psicodélicas. Es un estilo clave en el desarrollo del house y del cual bebieron también grupos alternativos exitosos, como Garbage.

La música pop británica a inicios de los 90's no estaba tan muerta. Era cosa de hurgar un poco en las manifestaciones indie. Algo así como le pasó al rock americano en los 80's.

C86

acid house

FUNKADELIC - MAGGOT BRAIN

2009-04-22T10:58:00.000-07:00

Maggot Brain es la primera obra maestra indiscutible del genio George Clinton.

Ahora, a título personal, pienso también que es el mejor disco de lo que yo clasifico como "rock negro"

Al naciente funk se le agregaron 3 ingredientes básicos que completaron una receta de 5 tenedores: Una sección rítmica imponente, el aporte lírico del universo mitológico Funkadelic-Parliament, y un guitarrista capaz de hacerte pensar que las canciones pueden ser creadas sólo con tocar las 6 cuerdas.

Sin alegorías al tema culinario, creo que el disco guarda un esquema de sandwich, donde los dos temas más extensos emparedan 5 deliciosos ejercicios de soul psicodélico, marcados por los sólidos riffs de la guitarra de Hazel, y que encandilan con su gran arsenal de recursos rítmicos.

Ejemplos sobran, como el versátil trabajo vocal de "Can You Get to That" y el irresistible groove de "Super Stupid", donde Funkadelic parece lanzar un desafío a su propia banda hermana, logrando una de las piezas más funkys jamás concebidas.

En cuanto a las épicas, "Wars of Armageddon" es el indicativo de que las bandas negras podían ejercer un efecto tan o más alucinógeno, sónicamente hablando, que el de sus pares caucásicos. En un intrincado caleidoscopio donde se funden ritmos tribales, musique concrete y hasta comedy rock, George Clinton lanza un mensaje apocalíptico, una visión del futuro del mundo que aún sigue vigente luego de casi 40 años.

"Maggot Brain", por su parte, es una canción que no necesita ser descrita...si hay un solo de guitarra que puede conmoverte hasta el punto en que pierdes la orientación, éste es. A Hazel se le describía como el sucesor de Hendrix en cuanto a su técnica y capacidad de expresarse mediante la viola, pero me atrevo a decir que sería complicado encontrar un solo guitarrero de Hendrix que sea tan PODEROSO como éste. Es así de impactante.

Funkadelic lanzaría muchos discos esenciales después de éste, pero ninguno lo representaría mejor o resultaría más trascendente. Un nuevo movimiento musical había nacido.

funk

psychedelic soul

GALAXIE 500 - ON FIRE

2009-04-22T10:19:00.000-07:00

Hay discos que con muy poco dicen mucho, y este, quizà, sea uno de los mejores ejemplos.

Sin dejar de lado la capacidad instrumental de los ejecutores, la cual favorece el entendimiento del mensaje musical y su disfrute aùn màs, he llegado a la conclusiòn de que una buena melodìa y una interpretaciòn sentida y sincera resultan claves para establecer el nexo necesario entre mùsico y oyente.

Existe un lirismo interpretativo, una inocente dulzura que colman los 10 surcos de este disco que los hace cautivantes y adictivos al escucha. Esta es mùsica hecha con el amor del fanàtico que sòlo toca como desea y que se expresa mediante ella sin pretensiones.

Sin embargo, aùn en las situaciones màs inesperadas surgen verdaderas obras maestras.

Probablemente sin saberlo, Dean Wareham inventò un nuevo lenguaje guitarrero, de lentas oleadas de discreta distorsiòn, pese a que, convencionalmente, no es un buen guitarrista. Damon Krukowski y Naomi Yang descubrieron, de improviso, una nuevo patròn rìtmico, calmo y envolvente, sobre el cual descansan melodìas càlidas y una voz en extremo vulnerable, que le da un aura de ensueño al conjunto.

Lanzado en 1989, poco antes de la boom del rock alternativo, èste es uno de los muchos discos que mantuvieron el perfil bajo pero que cimentaron una subcultura de la cual bebieron los que luego encarnarìan la afamada revoluciòn del 92'. Dentro del cajòn de joyas guardadas de la dècada, èste àlbum serà una de las mayores sorpresas para el que decida explorar.

Recomendada la ediciòn remasterizada, que incluye el EP Blue Thunder. Si el genial cover de Isn't It a Pity de George Harrison te gustò, las conmovedoras versiones de Ceremony de New Order, y de Victory Garden de la Red Krayola te dejaràn con la boca abierta. Si te quedas enganchado, no me eches la culpa despuès ;)

neo psicodelia

slowcore

BIG STAR - #1 RECORD

2009-03-25T22:34:00.001-07:00

En una década que no se destacó por el optimismo, precisamente, este disco debe ser una de las rarezas más grandes.

Totalmente fuera de contexto, el afán de Alex Chilton, Chris Bell y compañía, el cual buscaba rescatar el lado más gentil de los Beatles, Beach Boys y hasta de los Kinks sesenteros, y expresar su amor por las melodías hermosas con una inusual potencia sónica, resultó siendo uno de los sonidos de culto más importantes de todas las épocas.

Es un disco sincero y sensible, con una inusual carga emocional en sus letras que logra tocar las fibras más ligadas a la nostalgia, a la melancolía y la inocencia de cualquier ser humano que se precie de escucharlo.

El álbum abre con "Feel", y, de arranque, se puede notar el contraste entre las sublimes armonías vocales y los intercambios melódicos de las guitarras con una sección rítmica atronadora, anunciando claramente lo que vendrá a continuacion.

Joya tras joya se suceden, llenando de luz al oyente y lo que lo rodea de una mágica forma. Sin embargo, las canciones que destaco de este disco son las baladas y las acústicas, curiosamente, las cuales desnudan el lado más vulnerable de la banda.

En la gema "Watch the Sunrise", con el simple trabajo de guitarras acústicas logran darle el suficiente color a las melodías para hacerte pensar que realmente estás viendo la ascención del sol. "Give me Another Chance" es uno de los mejores ejemplos de como se debe acoplar una sección de cuerdas a una canción para hacer poesía de verdad. "The India Song" es una pequeña y bonita rareza, tal vez haciéndole guiños al Revolver o al Sgt. Pepper´s.

Pero el tema que hace de este disco un clásico es "Thirteen". Tal vez, o mejor dicho, con toda seguridad, no hay canción que mejor evoque el nostálgico amor adolescente, donde los sueños aún existen, y donde todo se puede. La voz de Chilton parece deshacerse de ternura, mientras que los coros y las guitarras acústicas contribuyen aún mas a convertir el tema en uno de los más bellos que haya oído.

Piedra angular para el desarrollo del power-pop y alternativo, es difícil creer que solo 4 chicos en su garaje hayan intentado lo que nadie en la epoca, y logrado tanto. Imposible no ponerle 5 estrellas.

power pop

pop rock

musica

BECK - SEA CHANGE

2009-03-25T22:23:00.000-07:00

Beck era un artista que yo desconocía por completo antes de acceder a mejores medios especializados en música. Según la información que pude obtener, se trataba de un artista revolucionario, que podía sacar canciones ridículamente pegajosas a la vez que inteligentes(Loser) pero, sobre todo, valiente a la hora de mezclar influencias que producían un collage de sonidos y samples sin paralelo desde el Paul's Boutique de los Beastie Boys o, incluso, desde el Zappa sesentero.

Es curioso, entonces, que el primer disco del artista que cayera en mis manos fuera éste. Sea Change es el disco más "calmado" de la colección de Beck, si es que el término se aplica en su sentido más extenso. Es un disco de cantautor, donde el melancólico aspecto lírico se basa en situaciones personales(llámese corazones rotos y visiones crípticas sobre el futuro de un apestado) y se apoya, principalmente, en una base de guitarras acústicas de sorprendente belleza.

Resulta difícil no sucumbir ante el dulce lamento de "The Golden Age", los acentos lo-fi en "Lost Cause" o "It's All in Your Mind", o sentirse alucinado por el siniestro crescendo de cuerdas en "Lonesome Tears", uno de sus mejores temas. Una vez que adquiriera los aclamados Odelay! y Mellow Gold(que no me causaron la misma grata impresión) fue entonces que entendí la naturaleza de Beck.

Si bien el notable eclecticismo de dichos discos no aparece en Sea Change, sí existe una sorprendente osadía por romper sus propios esquemas y lanzar un disco introspectivo y desnudo, de altísimo nivel de cohesión, el cual demuestra otra de sus muchas facetas como artista. Beck no tiene miedo en absoluto de cambiar de estado de ánimo entre lanzamientos, ni tampoco de arriesgar la respuesta del público, siempre manteniendo un nivel de calidad e independencia que muchos de sus contemporáneos soñarían con tener.

singer songwriter

lo fi

ALLMAN BROTHERS BAND - AT FILLMORE EAST

2009-03-25T21:48:00.000-07:00

At Fillmore East debe ser no sòlo el momento cumbre de las llamadas jam bands, sino, tambièn, uno de los mejores discos en vivo de todos los tiempos.

Al ya conocido y laureado trabajo del desaparecido Duane Allman, se unen los esfuerzos y enormes talentos del guitarrista Dickey Betts, el cantante y tecladista Gregg Allman, el bajista Berry Oakley y los 2 bateristas, Jaimoe Johnson y Butch Trucks. Los menciono a todos porque, sencillamente, no le encuentro fisuras por ningùn lado, y porque todos los instrumentos funcionan como un motor perfectamente aceitado. Un buen motor de tractor sureño: arrogante, ruidoso, viril y con una presencia intimidante.

De arranque, "Statesboro Blues" te deja con la boca abierta al escuchar la tremenda slide de Duane Allman(si has escuchado otra mejor, avìsame, por favor, para no creerte) "Stormy Monday", "You Don't Love Me" y "Done Somebody Wrong" sudan blues sureño por todos lados, mientras que "Hot 'Lanta" hipnotiza con su incesante fluidez rìtmica.

"In Memory of Elizabeth Reed" presenta parte de los mejores duelos de guitarras solistas jamàs grabados en vinilo, con la sensibilidad de Betts complementando la virtuosa furia de Allman, sello de fàbrica de la banda, asì como las melòdicas lìneas de bajo y el hiperactivo trabajo percusionista.

La versiòn del Fillmore del clàsico "Whipping Post" representa el epìtome de la banda, y es el mejor indicativo de lo que significa Allman Brothers Band. Si la impresionante secciòn rìtmica y la poderosa voz aguardentosa de Gregg Allman ya provocan que empieces a cagarte en los pantalones de envidia, el inconfundible riff ondulante de la introducciòn, asì como los aterradores solos guitarreros te dejan los huesos secos.

Esta era una banda que tenìa un sentido de tensiòn musical sòlo comparable a los maestros de la mùsica clàsica, y esto no es exageraciòn. Son 22 minutos que no te dejan en paz ni un sòlo segundo, con idas y venidas, subidas y bajadas en la interpretaciòn, ejecutadas con pasmosa facilidad. Obviamente, los elementos de jazz de la banda favorecen la ligazòn entre las mùtiples secciones de la improvisaciòn, pero es el còctel resultante de muchas influencias de la mùsica del Sur el cual sorprende por su bagaje y capta tu total atenciòn.

Resulta irònico pensar que la banda insigne de aquellos rebeldes que se dejaban el cabello largo y utilizaban la bandera confederada en sus conciertos, poseyera en el afroamericano Jaimoe un genio percusionista que haga remembranza a los ritmos marciales del ejèrcito latifundista. Este disco destila muchìsimos años de historia musical de una regiòn tradicionalmente intolerante, pero que guardaba muchos diamantes pulidos escondidos.

Primero fue el "Freebird" Duane Allman, luego el maestro Oakley, y la leyenda fue cimentàndose. Pero si algo demuestra At Fillmore East de manera estrictamente musical, es que Allman Brothers Band es, quizà, no la banda màs legendaria del Southern Rock, pero sì la màs importante. Un documento inprescindible de una època donde las bandas sòlo querìan tocar mùsica y abrir fronteras. Recomendada la versiòn Deluxe del 2003, con varios bonus, incluyendo la genial Midnight Rider y el maravilloso instrumental Mountain Jam.

southern rock

blues rock

R.E.M. - AUTOMATIC FOR THE PEOPLE

2009-03-23T19:16:00.000-07:00

Automatic For The People es, quizá, el álbum más representativo de R.E.M. en la época del boom alternativo noventero(al que ellos influenciaron de forma definitiva), y es, sin duda, uno de los grandes picos de su discografía. Cuando Michael Stipe & co. decidieron dar el gran salto a un sello discográfico importante, lo hicieron asegurándose de no comprometer su honestidad lírica y los elementos representativos de su sonido. Evidentemente, tras 5 álbumes de pop underground con sus insignes guitarras jangle pop y un sentido melódico envidiable, la fórmula empezaba a acercarse a aquel peligroso límite de la repetición sin contenido. Green fue el álbum de transición y Out of Time el que generó el boom comercial que los convirtió en una verdadera fuerza de la naturaleza en el rock. La crudeza punky de su base rítmica y la sutil pero efectiva dinámica fue reemplazada por una mayor riqueza instrumental y una mayor variedad temática en la oferta del álbum. Ejemplo de ello es la 'perfecta por donde se mire' Losing My Religion, que presentaba a un Peter Buck inédito en mandolina, una precisa sección de cuerdas y el típico susurro de Stipe intacto, elementos que perdurarían a lo largo de la década. Sin embargo, Out of Time tenía sus baches, con algunas canciones flojas y letras un tanto sosas, por lo que la promesa de la banda -la de componer "un disco de rock" para el siguiente lanzamiento- tuvo que posponerse de alguna forma(ese disco terminó siendo el estridente Monster de 1994) R.E.M. necesitaba, me imagino, demostrarse a sí mismos que podían concebir otra joya, pero dentro de los nuevos términos. Automatic for the People es, entonces, el álbum que Out of Time no pudo ser. EL álbum pop definitivo de la primera mitad de los 90's. Tomando en cuenta los tiempos que se vivían en 1992, con toda la onda de letras angustiosas y el grito ahogado de la generación X, canciones como la melancólica Drive y la bella simpleza de Everybody Hurts(dirigida al gran amigo y admirador de Stipe, Kurt Cobain) encajaron perfecto con la audiencia y se convirtieron en éxitos, conjuntamente con la mejor canción del disco, Man on the Moon, que contiene una de aquellas pocas melodías 'perennes'. Entre las canciones menos conocidas están las dulces baladas folky Sweetness Follows y Try not to Breathe y otras gemas, como The Sidewinder Sleeps Tonite , Star Me Kitten y Find the River. Ahora, si bien la banda en conjunto suena integrada 100%, individualmente se advierten los aportes: Buck se luce con un arsenal de acordes y arpegios acústicos reminiscentes del barroco, alternados con furiosos power chords. Stipe trabaja diferentes tonos vocales. Mills y Berry, si bien se esconden un poco más en la mezcla, no dejan de ser el patrón matemático en el que descansa el peso de los temas. Una mención aparte para mi favorita del disco, Nightswimming. Si existe alguna canción que me transporte a los años más inocentes con un pequeño toque de melancolía, ésta es una de ellas. Sólo una sencilla y mágica línea de piano, sección de cuerdas al fondo y Stipe recordando los años donde toda una comunidad de jóvenes entusiastas iniciaría la revolución del rock americano, detallando sus costumbres, simbolizadas con un baño colectivo en la madrugada, en un lago de la localidad. La nostalgia nunca fue tan hermosa.

alternative rock

jangle pop

YO LA TENGO - PAINFUL

2009-03-23T19:07:00.000-07:00

Una de las cosas que más aprecio del indie rock es la libertad de expresión. Los artistas no temen desnudar sus emociones y el impacto final de las letras o performances llega a ser inmediato y letal. En el caso de Painful, debo decir que es uno de los discos que más responden a ese principio. Haciéndole honor a su nombre, el disco posee melodías dolorosamente bellas y melancólicas. En algunos casos, las letras están cargadas de dulzura y optimismo, pero en otras la decepción toma el comando. Es música azul, tal como la portada, pero de rato en rato, una pincelada de rojo hace su aparición como acento romántico. Porque es obvio que este disco se trata del amor. Musicalmente, sigue las bases del noise pop(a veces, algo de dream pop), pero con una naturaleza menos insustancial y más terrenal. Canciones de melodías prístinas, ya sea con una carga de reverb o de distorsión guitarrera, que parecieran extenderlas elásticamente a voluntad y hacerlas tangibles. "Big Day Coming", la canción de apertura, arranca con unos licks de guitarra conmovedores y mantiene esa ingenuidad casi adolescente hasta el final. "I Heard You Looking", la canción de cierre, posee una carga de ternura arrebatadora en sus 7 minutos de pura inventiva instrumental, donde la líquido sonido de sus guitarras y melodías cuentan una historia romántica sin necesidad de una sola letra. Encerradas entre esas 2 piezas hay una serie de joyas pop, destacando temas como "Double Dare" o la maravillosa, etérea balada "Nowhere Near". Fue una grata sorpresa cuando lo escuché, por eso no quiero profundizar demasiado. Para que también ustedes se sorprendan.

indie rock

dream pop

JEFFERSON AIRPLANE - SURREALISTIC PILLOW

2009-03-23T19:04:00.000-07:00

Disco clave de la psicodelia de San Francisco. En él se observa claramente la evolución desde de una banda de folk-rock hasta convertirse en una agrupación que podía aproximarte lo más cercanamente posible a un viaje ácido en cualquiera de sus canciones. Otro punto aparte es la gran colaboración entre los miembros de la banda: casi todos componen y casi todos cantan, enfatizando el manifiesto de unión y amor que la banda transmitía. La presencia de Jerry García de la Grateful Dead, como invitado, no hace sino aumentar el misticismo de un álbum, el cual rebosa de ello en sus hermosas melodías y letras.

psychedelic rock

folk rock

JANE'S ADDICTION - NOTHING'S SHOCKING

2009-03-23T18:41:00.000-07:00

La primera obra maestra de estos genios del alternativo. De su incipiente fusión de metal, punk y funk de su debut pasan a perfeccionar la combinación, conjuntamente con una atmósfera densa y oscura, característico de la Velvet Underground, y que le añadiría el color de fondo a este cuadro genial. No sólo son las canciones sino la agresividad, la voracidad de sus interpretaciones lo que las hacen tan poderosas, y ese sería el sello característico de la banda en sus presentaciones en vivo, las cuales se convertirían en un bacanal, repleto de fanáticos del metal, punk, funk y demás amantes de esta agrupación. Cómo olvidar aquel famoso video independiente de Mountain Song, una de las canciones insignes de este monolito rockero, que fue rechazado unánimemente por múltiple emisoras de televisión por su extremo contenido profano. La música se hacía cada vez más sincera, y Jane's Addiction fue uno de los principales catalizadores.

alternative metal

alternative rock

MILES DAVIS - KIND OF BLUE

2009-03-23T18:39:00.001-07:00

El título de este disco es un perfecto indicativo para el cáracter del contenido. Existe una dulce melancolía que recorre todos sus pasajes melódicos, la que se hace irresistible, incluso para un ignorante del jazz, como yo. Mientras que la base rítmica de Paul Chambers y Billy Cobb, en batería y bajo respectivamente, brinda líneas más que solidas, y con sutiles cambios -a menudo acompañados por un piano fluido y virtuoso, a cargo de Wynton Kelly- el trío de Cannonball Adderley y John Coltrane en saxos, y el propio Miles Davis en trompeta, se apoyan en dicha base para hacer maravillas en la sección de vientos, las cuales lo transportan a uno a dimensiones casi desconocidas en cuanto al placer musical. Las armonías y contrapunto de los saxos, el poderoso color de la trompeta y un nuevo concepto en la genial improvisación, el cual se basa en repentinos cambios de tono y libertad total dentro de determinada escala, hacen de éste el disco básico para todo aquel que desea incursionar en el jazz. El disco revolucionario y definitivo del genero.

jazz

modal jazz

DEATH - THE SOUND OF PERSEVERANCE

2009-03-23T18:37:00.001-07:00

Pregúntale a cualquier fan del metal que se precie de escuchar los estilos más extremos: Death es la banda arquetípica del death metal, y fue la principal influencia para cada etapa de su evolución, ya sea desde sus inicios como una de las expresiones más agresivas y caóticas del heavy underground hasta las indiscutibles joyas muysicales que Chuck Schuldiner lograra lanzar antes de su irreparable pérdida. Hay dos formas de "entender" una banda. Una es agarrar el disco que todos aclaman, y, de ahí, seguir explorando los demás álbumes de acuerdo a su nivel de popularidad. La segunda, empezar desde el inicio hacia adelante o, en su defecto, desde el final y en reversa. Para el que gusta de las cualidades épicas y técnicas del heavy metal, The Sound of Perseverance es un regalo divino. No sólo es el álbum más instrumentalmente logrado de la banda, sino que ocupa el privilegiado lugar de ser el último trabajo del genial guitarrista. Me dispuse a poner manos a la obra y a empezar desde la última etapa de Death, la más compleja y progresiva, la que demuestra la verdadera ambición de un músico que quiere vencer a las barreras de un estilo. Se suele calificar al death metal como el estilo más veloz y agresivo del género. Con voces(gruñidos), a veces, ininteligibles, y guitarras lodosas, enfocadas en la agresividad, dejando de lado toda sutileza. Vale decir: un thrash aún más bullero y salvaje. Esto puede ser atribuido, sí, a la primera oleada o a los primeros trabajos que surgieron desde Scream Bloody Gore, el disco pionero de la movida. Ninguna de éstas características, sin embargo, están presentes en The Sound of Perseverance. La increíble velocidad en los cambios rítmicos y las diferentes secciones abrazan una destreza instrumental envidiable. Los pasajes más veloces se asemejan a un thrash con riffs cromáticos, mientras que la voz de Schuldiner, similar a la de un espíritu rabioso, nos expresa sus lamentos y maldiciones. El disco empieza con la espectacular Scavenger of Human Sorrow, 7 minutos de furia y tecnicismo, y, de ahí en adelante, salvo la sublime Voice of the Soul(uno de los mejores instrumentales del metal de todos los tiempos) el álbum no nos da descanso alguno: ¿Cómo no contener la respiración con el coro apocalíptico de Spirit Crusher, un manifiesto proveniente del más allá, dueño de uno de los riffs mas pesados que haya escuchado? Monstruo tras monstruo y bestia tras bestia, el disco cierra con un cover del Painkiller de Judas Priest, donde Schuldiner y Richard Christy parecen lanzarles un desafío a Halford & co. con una versión dinámica y enérgica hasta el límite, plena de increíbles solos de guitarra y una introducción de batería aún más amenazante que la original. Una vez terminado de escucharlo es posible que te preguntes si el álbum fue hecho por humanos, dado el singular matrimonio de una virtuosidad y creatividad singulares y una potencia avasalladora. Una característica particular de este trabajo es la de poseer luz y sombra dentro de una masa sónica de inquietante densidad. Las canciones siempre tienen la cuota de oxígeno necesaria y existen muchos detalles que son descubiertos a medida que te familiarizas más con ellas. Tanta chalatanería no es gratuita, y es entonces que yo cuestiono a todos aquellos que se quejan del abandono de aquel Death abrasador, adorador de la velocidad y brutalidad...¿realmente puedes pedir más? o mejor aún...¿te parece que semejante obra siga en la oscuridad y ajeno al oído del aficionado incipiente? Si tus respuestas son positivas, entonces, con todo respeto, quizá no sepas lo que es heavy metal. Ante tus narices está uno de los mejores discos de la década y de todos los tiempos. El "padre del death metal", sin duda alguna, se despidió a lo grande.

death metal

progressive metal

COCTEAU TWINS - TREASURE

2009-03-23T18:35:00.000-07:00

Cocteau Twins fue una de las bandas claves del mítico sello 4AD(hogar de leyendas como Dead Can Dance y Pixies) así como una de las más enigmáticas. Después de una serie de cambios en la formación, el grupo permaneció relativamente estable hasta la aparición de Treasure, de 1984. La voz de porcelana de Elizabeth Fraser, conjuntamente con los etéreos y azules guitarreos de Robin Guthrie(en enamorado del Perú) producen una atmósfera de cuento de hadas, inédita para la época y que marca el inicio de lo que conocemos como dream pop. Díficil de catalogarse como parte del rock, no es casualidad que todos los títulos de sus canciones respondan a nombres de mujeres, ya que su postura se inclina decididamente hacia la femineidad. Esta es música que se debe escuchar con atención y con tranquilidad. Las diferentes capas de guitarras reverberadas parecieran desvanecerse, insustanciales, en un efecto absolutamente hipnótico que acuna la relajante narración de sus letras. Treasure, es, din duda, un tesoro que pareciera llegar de una tierra lejana, desconocida, perfumada de jazmines y con la ingravidez de la seda, que llega de forma tan misteriosa como se aleja, dejando una experiencia única y sin paralelo en el oidor.

dream pop

CHEAP TRICK - CHEAP TRICK (1977)

2009-03-23T18:32:00.000-07:00

Para quienes conocíamos a Cheap Trick a finales de los 80's por sus exitos The Flame, Ghost Town y I Want You to Want Me, el saber que tenían una carrera de casi 15 años era algo sorpresivo. Mas aún, el enterarse de que sus mejores discos fueron lanzados a finales de los 70´s y que todos son ahora considerados clásicos. Siendo yo un fan de Big Star, quise darme a la tarea de explorar este primer lanzamiento, del cual leí era una excelente continuación de las bases del power pop patentado por Alex Chilton y co. Debo admitir que la aseveración no era nada infundada. Todo el disco esta lleno de increíbles canciones, dulces melodías en algunos casos, furiosos temas rockanroleros en otros, pero siempre con un sentido de la dinámica e intensidad innegables. El impacto emocional de sus letras, asimismo, se encontraba extrañamente fusionado a un particular sentido del humor. Así, se encuentran joyas como The Ballad of T.V. Violence o la imparable He´s a Whore(que podría considerarse su primer himno) que revelan el espíritu rebelde y divertido de la banda, pero que guardan letras no tan luminosas. Oh, Candy es una bella canción dedicada a un amigo suicida, mientras que Daddy Should Have Stayed in High School nos habla de un pedofílico. Entre toda esta compleja mezcla de sensibilidades se destaca el gran trabajo de guitarras, con riffs poderosos y minimalistas, con un dinamismo que les imprime aún mayor vida a cada pieza. El vocalista se desdobla fácilmente entre pasajes dulces y enérgicos, mientras que la seccion rítmica es más que sólida. Es, sin duda, un power pop que tira hacia el lado del rock pesado pero sin perder la capacidad melódica. La afinidad con la propuesta punk de la epoca no es gratuita, pues sabe combinar rebeldía con contenido. Es un sonido visionario, pero también de su tiempo. Comparable, quizás, a los primeros trabajos de AC/DC. La introducción del disco en Hot Love, por ejemplo, es típico de mediados de los 70´s, con una línea de batería jazzy similar a la de Peter Criss en Detroit Rock City. La suma de todos estos elementos hacen de este disco uno de las piezas clave en el desarrollo del power pop y hard rock, y demostraría ser increíblemente influyente sobre bandas tan disímiles como los Pixies o Guns N´Roses. Cheap Trick lanzaría 4 discos clásicos más, pero ninguno captaría el impacto y la potencia sónica de su debut. Parece que, a veces, si resulta bueno hurgar en el pasado.

power pop

hard rock

DEPECHE MODE - VIOLATOR

2009-03-23T18:29:00.000-07:00

El mejor disco de synth pop de todos los tiempos? Sì, y no tengas duda alguna. Podrìa darte muchas razones, tales como la innata capacidad melòdica y compositiva del genio Martin Gore, la invalorable colaboraciòn musical de los ya curtidos Wilder y Fletcher, y la coincidencia del momento preciso para una banda que ya habìa saboreado las mieles del èxito. Y digo esto ùltimo porque Depeche Mode no era ajena al èxito. Para 1989, año en que introdujeron Enjoy the Silence a sus conciertos, y con el single de Personal Jesus sonando en todas las radios, ya la banda tenìa casi 10 años en el circuito y con un repertorio de hits nada desdeñable, donde figuraban Just Can´t Get Enough, Get the Balance Right, People are People, Master and Servant y Never Let Me Down Again. Un año despuès, y con el boom de la mùsica basada en sintetizadores aparentemente terminado, Violator es lanzado. 1990 probarìa ser un año de cierres importantes en el campo musical, y Depeche Mode probarìa ser una de las bandas que mejor supo encapsular las lecciones aprendidas de toda una dècada de reeencauche en la mùsica. MTV seguìa reinando como medio principal de difusiòn de los mejores grupos, pero la dominante superficialidad de muchos de los representantes pop de la època empezaba a ceder terreno hacia propuestas màs serias y el oìdo popular se mostraba accesible. Aquì es donde Violator prueba su importancia. Tù sòlo lanza un nombre: World in my Eyes, Sweetest Perfection, Personal Jesus, Policy of Truth, Waiting for the Night, muchas de las mejores canciones de la banda se encuentran aquì, y casi todas ellas fueron exitosas. Capìtulo aparte para la mayor joya del synth pop, Enjoy the Silence. Sublime y dramàtica como pocas otras canciones, resultan conmovedoras la orquestaciòn de sintetizadores, la sencilla lìnea de bajo y guitarra y, sobre todo, la inconfundible voz de David Gahan. Si existe algùn cantante para DM, ese es David Gahan, y no hubiera podido existir otro. Un tono grave, melancòlico y hasta obsceno, que aquì recita a la perfecciòn 9 piezas de oscuras escenas de intimidad. Este es un disco diseñado para el dance club, o mejor aùn, para el dormitorio. Un disco que define lo que significa la noche, su soledad y sus perversiones. El disco que fijarìa la cumbre para la mùsica electrònica, como documento esencial de toda una era, y que se mantiene igual de vigente luego de casi 20 años.

synth pop

alternative

DEEP PURPLE - MACHINE HEAD

2009-03-22T23:57:00.000-07:00

El disco más grande de Deep Purple es también uno de los más influyentes de la corriente heavy metal(o heavy rock) de todas las épocas. La composición, que fue orientándose hacia un hard rock más simple y blusero, abandonando el sonido progresivo de sus primeros discos, fue también haciéndose más sólida, por lo que las canciones resultantes parecieran haber necesitado sólo una toma para ser producidas. Aquí, la evolución en la compenetración del grupo se hace evidente: la sección rítmica es más sólida que nunca, la voz nunca había sonado tan poderosa, y la rivalidad entre los solos de guitarra y teclados jamás había sido tan cruenta. Por supuesto, no olvidar la costumbre de Deep Purple de amplificar al máximo todos sus instrumentos, convirtiéndose en la banda más sonora del mundo según los records Guinness a inicios de los 70's. Punto aparte el señalar que muchas de las joyas producidas en éste album, tales como Highway Star, Smoke on the Water y Space Truckin', constituyeron la base del mejor disco en vivo de la historia, Made in Japan, lo cual es argumento suficiente para reconocer a Machine Head como una piedra angular en el desarrollo del rock.

Recomendada la edición del 25 aniversario(1997) que contiene 2 discos: el primero contiene el álbum original remasterizado con un bonus track(When A Blind Man Cries), mientras que el segundo presenta el álbum completo remasterizado por el genial bajista Roger Glover.

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